Reseñas de Cine XI

10 08 2011

Aquí os dejo tres de las películas más significativas del estudio de animación japonés Ghibli. En concreto, del mítico director Hayo Miyazaki, uno de los pilares fundamentales indiscutibles del cine de animación japonés. Junto a los tráilers, os dejo los temas musicales de cada película, toda una delicia para los oidos.

La Princesa Mononoke  (1997) –  Animación. Fantástico. Aventuras.

Director: Hayao Miyazaki. Productora: Miramax International / Tokuma Shoten / Nippon Television / Netword Dentsu / Studio Ghibli pr. una prod. Studio Ghibli.

¿De qué va? Con el fin de curar la herida que le ha causado un jabalí enloquecido, el joven Ashitaka sale en busca del dios Ciervo, pues sólo él puede liberarlo del sortilegio. A lo largo de su periplo descubre cómo los animales del bosque luchan contra hombres que están dispuestos a destruir la Naturaleza.

Valoración: Mágica producción visual que ensalza todos los valores propios de la naturaleza. Desde su excelente animación hasta su brillante argumento, pasando por su increíble banda sonora, la princesa Mononoke es todo un ejercicio fílmico de belleza, naturalidad, magia y romance. La película atrapa desde principo a fin, presentando una trama bastante original a la vez que curiosa y extraña donde animales, esperítus del bosque, hombre y naturaleza se entrelazan. El argumento recuerda a aquellos cuentos que ensalzan la naturaleza frente a la destrucción del hombre, pero con un carácter oriental fuerte.“La princesa Mononoke” se desmarca de los cánones europeos que Miyazaki suele introducir en su obra; si algo diferencia a “La princesa Mononoke” de las demás producciones del estudio Ghibli es su orientación plenamente natural y la introducción de leyenda y mitología japonesa. Por ello, la película nos trae una historia de ensueño con moraleja: La magia de la naturaleza y su necesidad. La trama se desarrolla con buen pie, poniéndonos en la piel del protagonista y planteándonos cada problema que a éste le sucede. Con ello, la trama introduce varias sorpresas y aspectos bastante curiosos a la vez que propios de la mente de su creador, Hayao Miyazaki. La producción puede alargarse y, en algunos momentos, resultar algo lenta debido a la densidad de su planteamiento. Pese a ello, todos los aspectos del film cumplen, dejándonos varios momentos que nos pondrán la piel de gallina. En cuanto al apartado visual, “La princesa Mononoke” es quizás la película de Miyazaki con mayor paisaje y trasfondo natural, dejándonos impactantes y bellas fotografías, resultado de una animación de lujo. La música no se queda atrás, el tema principal resonará en nuestra mente a la par que el carisma de los personajes. La relación de los personajes es bastante real y trabajada, desencadenando diferentes situaciones donde personalidades tan diferentes como parecidas chocarán o se fundirán. La película evoluciona hasta su final, un final de infarto en donde, hasta el último segundo, no sabremos el resultado del film. Una película-crítica poco convencional que gustará a cualquiera que sienta fascinación por el buen cine. Con todo ello, “La princesa Mononoke” es una de las mejores películas del estudio Ghibli y de su creador, Hayao Miyazaki; todo un canto a la vida y a la naturaleza. Una bella producción visual de gran simbolismo mágico.

Lo mejor:

  • Su simbolismo mágico, natural y su defensa de la vida.
  • La moraleja y el planteamiento: Ambición del hombre contra Naturaleza.
  • La relación de los dos personajes principales: el príncipe Ashikata y San, la princesa mononoke.
  • La animación y su espectacularidad en cuanto a entorno y paisajes.
  • La banda sonora, magistral.

Lo peor:

  • Dada la densidad de la trama puede prolongarse y resultar algo larga, pero sin muchos efectos negativos.


Nota: 8.75

 

El viaje de Chihiro  (2001) –  Animación. Fantástico. Aventuras.

Director: Hayao Miyazaki. Productora: Coproducción Japón-USA; Studio Ghibli / Tokuma Shoten / Dentsu / Walt Disney Pictures.

¿De qué va? Chihiro es una niña de 10 años que viaja en coche con sus padres. Después de atravesar un tunel, llegan a un mundo fantástico, en el que no hay lugar para los humanos, sólo existen dioses de primera y segunda clase. Cuando descubre que sus padres han sido convertidos en cerdos, Chihiro se siente muy sola y asustada.

Valoración: Cualquier obra del estudio Ghibli dirigida por Hayao Miyazaki se convierte en una total genialidad. De todas ellas, de la gran carrera del padre de las películas anime, “El viaje de Chihiro” es la más reconocida y galardonada a nivel mundial. Alabada y querida por la crítica, los fans y grandes personalidades del cine a la par “El viaje de Chihiro” no tiene parangón. Un reflexivo y mágico viaje que nos sumerge en las leyendas y mitologías más curiosas de Japón, desde el punto de vista y la genialidad imaginativa de Miyazaki. “El viaje de Chihiro” es equiparable al más de los imaginativos y curiosos sueños que cualquier espectador pueda tener. La película te transporta a un mundo inimaginable donde se dan lugar personajes tan dispares como iguales, simpáticos, entrañables y grotescos. El film nos presenta una trama sumamente original a la par que extraña: Una niña, Chihiro, de unos 10 años de edad deberá enfrentar el destino que le ha tocado y terminar el largo viaje que le ha sido encomendado luchando con las armas más poderosas: la amistad y el amor. La película se desarrolla igual de bien que su personaje principal, la cinta dura unas dos horas, pero el sueño se convierte en un increíble suspiro. Lo mágico de la película reside en que, no sólo Chihiro aprenderá una valiosa lección, sino cualquier persona que se disponga a viajar soñando. La animación toca techo imaginativo, la película nos deja un sinfín de mágicas, impactantes e imaginativas escenas. En cuanto a personajes, por este viaje de ensueño desfilan todo tipo de increíbles personalidades, desde las más inocentes hasta las más terroríficas. La banda sonora es enternecedora, alegre, triste, sentimental y mágica, todo a la par. La genialidad del film reside en no dejar indiferente a nadie, cada espectador puede captar diferentes mensajes y quedarse con diferentes ideas, pero ningún espectador olvidará este imaginativo viaje.
El viaje de Chihiro es poesía en movimiento, imaginación convertida en magia, magia hecha realidad, un sueño convertido en viaje, un viaje efímero, bello y tierno. Un viaje que todos deberíamos recorrer, un sueño que todos deberíamos tener.

Lo mejor:

  • Un viaje, un sueño lleno de imaginación y magia.
  • Una película que no dejará indiferente a nadie. Lo nunca visto. Pura magia.
  • Una obra maestra para el recuerdo. Un clásico de la animación.
  • De lo mejor de Ghibli y Hayao Miyazaki.
  • Grandes momentos, y grandes sentimientos, que te harán soñar.

Lo peor:

  • Nada.


Nota: 9

El Castillo Ambulante  (2004) –  Animación. Fantástico. Aventuras. Romance.

Director: Hayao Miyazaki. Productora: Studio Ghibli.

¿De qué va? Sophie tiene 18 años. Trabaja sin descanso en la tienda de sombreros que mantenía su padre antes de fallecer. En uno de sus poco frecuentes paseos por la ciudad, Sophie conoce al mago Howl, un joven con poderes extraordinarios y extremadamente seductor. Sin embrago, a Sophie le da la impresión de que Howl esconde algo…
El encuentro entre Sophie y Howl no ha pasado desapercibido para la Bruja del Páramo, quien odia visceralmente a Howl. Cuando Sophie vuelve a la tienda, la Bruja, haciéndose pasar por una clienta, la engaña y la hechiza, transformándola en una anciana de 90 años que no puede revelar su verdadera identidad. Sophie, imposibilitada para decirle a sus amigas y compañeras quién es realmente y lo que le ha pasado, se ve obligada a abandonar su casa y decide entonces buscar a Howl para que le ayude a romper el hechizo. Howl vive en un “castillo mágico” que tiene la peculiaridad de trasladarse a voluntad de su dueño. Sophie se adentrará en lo desconocido, en busca del castillo ambulante, perdiéndose en tierras desoladas.

Valoración: Inspirada en la obra del mismo nombre, “El castillo ambulante” es una de las películas de Miyazaki donde más se nota la inspiración Europea, tanto en el entorno y la tradición como en el ambiente en el que se desarrolla la acción. Es usual en las obras de Miyazaki buscar una inspiración internacional, siendo su rincón favorito Europa, viejo continente de tradiciones, campos y atmósfera inconfundible. Al igual que el resto de sus obras, Miyazaki carga este film con unos fuertes mensajes simbolicos que, en el caso del castillo ambulante, son la libertad, el amor, la magia y el conflicto juventud-vejez. Por ello, se trata de una de las peliculas más imaginativas debido a sus distintos roles y elementos. La película presenta una trama de cuento fantástico donde una joven llamada Sophie cae presa de un hechizo que la hace envejecer; la joven deberá buscar su cura en las tierras del páramo, donde habitan todo tipo de seres mágicos y hechizados como brujas y donde pasea el castillo de Howl, la casa errante de un misterioso mago con cierta leyenda negra tras de sí. Pronto, la protagonista comprenderá el valor del tiempo y se dará cuenta de lo que implica la vejez: desde incontables dolores a todos los niveles hasta una sabiduría innata, que la ayudará en su cometido. Sophie no sólo deberá preocuparse en volver a su estado natural sino que aprenderá valiosas lecciones y aprenderá que, más allá de la capa superficial de cada uno, la auténtica magia del ser reside en el corazón. Conocerá y contará con la ayuda del enigmático y superficial Howl al cual deberá enseñar el valor de las cosas y ayudará a comprender el autentico sentido de la libertad en su búsqueda por alcanzarla. La obra también nos presenta diversos personajes que darán un sentido esencial a la obra, complementándola o contra poniéndola a los personajes principales: Desde una desesperada, cansada y codiciosa bruja del páramo hasta un bondadoso espantapájaros con vida propia debido a una fuerte maldición pasando por un gracioso y paranoico demonio del fuego y la inocencia de un joven aprendiz de mago. El autentico peso del ser recae con fuerza en esta obra, pues cada personaje evolucionará a lo largo de la misma, influyendo en el resultado final de la trama. Un desdén de secretos provenientes del pasado e incógnitas del futuro embarcarán a estos personajes en un viaje sin fin, a bordo del mágico y extraño castillo ambulante. Un viaje cuyo mensaje final viene a explicarnos que nada es lo que parece y que la esencia del ser siempre reside en el corazón. La película está íntimamente ligada al género steampunk, una corriente estética de ciencia ficción mediante la cual se presenta una época donde predomina la tecnología del S. XIX (como la energía a vapor y la tecnología mecánica), pero mucho más desarrollada que en nuestro pasado o realidad. Esta especie de retrofuturismo es el toque esencial por el cual la ambientación de la película parece tan mágica y, a su vez, tan extraña. La animación, ligada a este género, es sumamente detallista y completa. La película presenta una animación fluida y con modelados e ideas típicas del estudio Ghibli a la vez que entornos recargados que harán que nuestra vista se pierda en un mundo de inverosímiles detalles. La música, por su parte, ofrece una de las bandas sonoras más representativas del estudio, como es habitual en sus trabajos. El tema principal es un fantasioso vals que incita de forma mágica a los sentidos desde el primer minuto de la película. El ritmo de la película es bueno, se permite el lujo de contar historias y premisas pasadas de lento desarrollo a la vez que una trama de novela que nos engancha y nos incita a saber más. El único punto en contra que se le puede encontrar al film es la ilógica de algunos encuentros o hechos algo repentinos o forzados, pero es algo natural y típico en películas de género fantástico ya que todo lo que ocurra siempre estará conectado en una red de mágicos encuentros y sentimientos. Sentimientos ligados a un viaje de autodescubrimiento y búsqueda, a bordo del misterioso castillo errante de Howl.

Lo mejor:

  • Los personajes y las ricas personalidades depositadas en cada uno de ellos.
  • El mensaje. Nada es lo que parece y que la auténtica esencia reside en el interior de cada uno.
  • La ambientación Steampunk, con originales elementos como el gran Castillo Ambulante.
  • Los sentimientos y los momentos entrecruzados a lo largo de la trama.
  • La banda sonora, con su fantástico vals como tema principal.
  • La evolución de la trama y las sorpresas a lo largo de ésta.

Lo peor:

  • Que algunos, muy pocos, encuentros o hechos puedan resultar algo repentinos o poco desarrollados.


Nota: 8.75

Anuncios




Reseñas de Cine X

9 08 2011

Hola a todos!

Cómo se pasa el verano…Tanto si te aburres como si no, el verano pasa…Ayss. Bueno, aquí os dejo otra tanda de reseñas, de titulos actuales y clásicos de diferentes géneros. Estoy trabajando en otras tandas de reseñas, desde aquí os doy un adelanto de tres de ellas: Una sobre los títulos fílmicos de una famosa saga de cómic americano. Otra, sobre algunas de las mejores películas de animación del estudio japonés Ghibli. Y una más actual, sobre los títulos que han desfilado recientemente por las salas de cine. Aquí os dejo con alguns títulos 😉

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte II (2011) –  Fantástico. Aventuras. Drama.

Director: David Yates. Reparto: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Alan Rickman, Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter, Michael Gambon, John Hurt, Julie Walters, Maggie Smith […]
¿De qué va? El final ha llegado. Harry, Hermione y Ron deberán encontrar la forma de recuperar la espada de Gryffindor que les permitirá destruir los últimos horrocruxes que aún no han encontrado. Mientras tanto Lord Voldemort cada día está más cerca de apoderarse por completo de Hogwarts y de conseguir su objetivo: matar a Harry Potter. La única esperanza de Harry es encontrar los horrocruxes antes de que Voldemort lo encuentre a él. Mientras busca pistas, descubre una antigua y olvidada historia: la leyenda de las reliquias de la muerte. Y si esta resultara ser cierta podría dar al malvado Lord el poder definitivo que ansía. Poco puede imaginar Harry que su futuro está escrito desde que era niño, y ahora se ha de enfrentar a la misión para la que se ha estado preparando desde el día en que pisó Hogwarts por primera vez: la batalla final contra Voldemort.

Valoración: El pasado sábado tuve la ocasión de ver la última película de la saga de magos más conocida de la historia del cine, una entrega que pone fin a una larga trayectoria cinematográfica de nada más y nada menos que siete títulos en diez años, desde que allá en 2001 estrenase su primera película “La piedra filosofal” y la mecha quedase encendida… ¿Habrá hecho Boom? ¿Habrán valido las siete películas que han encandilado a millones de fans en todo el mundo? ¿Tendrá esta rentable saga el apoteosico y esperado final que se merece? La crítica del broche final de una saga de magia con la que todos hemos crecido, teniendo momentos de más y menos acercamientos. La reseña de una de las, quizás, más esperadas películas de la historia del cine a lo que taquilla se refiere.

Primero de todo, he de comenzar enlazando esta reseña con la de la primera parte: . Una reseña en la que la piedad desapareció y dio resultado a un aprobado ligero, corto para algunos y largo para otros: En primer lugar, criticaba bastante el hecho de tener que dividir una película en dos partes, y todo por ganar dinero en taquilla; queridos lectores, existen películas de más de tres y cuatro horas muy buenas, esta practica sólo consigue un clara escisión de cara al resultado final, es decir, la primera parte se hizo muy pesada mientras que la segunda rápida…¿No había posibilidad de consenso? Por otra parte, mientras que la primera hora de la primera parte de las reliquias de la muerte se hacía vertiginosa, prometedora, llena de adrenalina y magia, la segunda hora y parte final de la película se convertían en un ejercicio de profunda reflexión que invitaban a fatigarse en la butaca del cine, una hora y media final muy larga para desencadenar en nada. Una hora y media llena de un drama adolescente muy empalagoso e inoportuno a estas alturas. En conclusión, la primera parte de esta película convertía lo dramático en anecdótico, dada su pesadez, y desenlaza en un final totalmente inconcluso tras el cual estamos como al inicio de la película: Sin saber nada del final, sólo algunos detalles.

Tras esto, he de decir que la segunda parte es todo lo contrario a la primera. La película comienza de forma muy directa, por lo que debemos tener muy fresca la primera parte para no perdernos, desde el principio te mete de lleno. A la vez que directa, la película coge un ritmo muy rápido; los primeros minutos pasan a una velocidad normal, pero conforme avanza la película el ritmo va creciendo…El final se acerca. Y menudo final. La batalla en Howarts, la pena, la crueldad, la desesperación, la lucha y la magia están más presentes que nunca en esta entrega; nadie se lo habría imaginado. Eso si, mientras que la película coge unos tintes muy adultos, los actores y demás personajes edulcoran bastante la trama; dando a entender que, en todo momento, no dejan de ser adolescentes; uno de los puntos en contra. Los efectos especiales, la magia de la fotografía y el increíble sonido golpean más fuerte que nunca con esta entrega. Todo pasa muy rápido; podrían haber unido las dos partes…Hubiese quedado una película muy notable. No obstante, esa prisa ha sido la que ha llevado a esta entrega a no revelar o mostrar todo lo que significa el auténtico final de la saga…Muchos acontecimientos sumamente importantes pasan muy rápido, muchos secretos del libro quedan sin revelar y otros muchos detalles, dignos de un gran final, no aparecen. Esto hace que el final no deje ese sabor épico que prometía…El encontronazo final queda algo descafeinado comparado con otros de la saga y se resuelve muy rápido. Un final que da resultado pero que queda poco épico, muy light. En cuanto al epílogo final…Lo podrían haber hecho bastante mejor…Las caracterizaciones finales no quedan muy allá. No obstante, más allá de eso, la saga Harry Potter se resuelve de una forma rápida y correcta; no da lugar a todos los detalles pero pone un buen broche final que deja recuerdos, emociones y magia, mucha magia.

Lo mejor:

  • Lo trepidante de esta segunda parte, llena de acción, magia y espectacularidad.
  • Algunas situaciones en las que se resuelven puntos claves de la saga.
  • La emoción con la que se plantean algunos personajes.
  • Snape, sobran palabras. La profesora McGonagall en acción, un personaje que da mucho de sí en esta última parte. El trio de protagonistas que, pese a todo, cumplen con el final.
  • El final de una saga muy notable.

Lo peor:

  • Que su mayor virtud frente a la primera parte sea también su problema: La prisa de este film hace que muchos detalles y secretos originales queden sin revelar o estén poco trabajados.
  • El final, para los que hayan leído los libros, habrá quedado muy descafeinado; pero eso es algo que se viene dando en toda la saga.

Nota: 8

 

 

The Karate Kid (2010) –  Acción. Drama. Remake.

Director:Harald Zwart. Reparto: Jaden Smith, Jackie Chan, Taraji P. Henson, Wenwen Han, Rongguang Yu, Zhensu Wu, Zhiheng Wang, Jared Minns, Luke Carberry, Cameron Hillman […]

¿De qué va? Remake adaptado a la época contemporánea del clásico de los 80 “Karate Kid”. Sigue la historia de Dre, un joven skateboarder que se muda a China con su madre soltera por motivos de trabajo. Cuando un matón local empiece a molestarle, el joven encontrará un apoyo en Mr. Han, un hombre que se ofrece a enseñarle artes marciales para defenderse de sus agresores.

Valoración: Me encontraba yo, la otra noche, aburrido, haciendo zapping por los canales de cine de una televisión de pago cuando, de repente, me encuentro con este remake. Un remake que ha llevado a cabo correctamente su función entre el público más comercial, infantil y desinteresado. Una película que, por ello, ha servido bien a sus realizadores ya que, en primer lugar, ha funcionado como un reconfortante globo de oxígeno fresquito a su productora, mientras lanza la carrera del pequeño de los Smith a costa de una historia vista en los ochenta a la cual, pese a haberle cambiado algunas cosillas, añade poca sorpresa. Y todo ello, gracias a la inestimable y bienaventurada ayuda de uno de los mejores actores que pueda haber, Jackie Chan; sin duda, el mejor de la cinta. Jackie ha conseguido un personaje dramático, sabio y enigmático; el mejor actor para el papel de un hombre chimo decaído, que necesita levantarse, mientras enseña kung fu a un pequeño estadounidense, al cual las tortas le llueven, y necesita defenderse en la vida. Un pequeño estadounidense llamado Dre que se muda con su madre a China por motivos de trabajo. Tanto Dre (Jayden Smith), como su madre, descubrirán lo duro que es adaptarse a una cultura tan diferente como es China, en su tradición, costumbres e idioma, mientras intentan llevar a cabo sus vidas. Una vida nueva que nada gusta al joven americano puesto que, los pequeños chinos matones de la escuela le hacen la vida imposible porque va de guay. Más allá de estarle merecido o, más bien, que los pequeños kung fu mortales sean malos de verdad, Dre recurrirá al conserje borracho de su vivienda, Jackie Chan, el cual, además de cargar con un dramático pasado, sabe mucho de Kung Fu. Con ello, nuestro pequeño saltamontes se apuntará a un torneo de artes marciales donde se darán cita los mejores chinos kung fu mortales en un alarde de honor y con el fin de demostrar que, más allá de ser guay, como buen hijo del príncipe de Belair que es, sabe dar patadas. Con ello evitará que le sigan atormentando (ya ves tú) y aprenderá el más puro Kung Fu de la mano del mejor maestro que uno puede tener, Jackie Chan. Bien…Esa es la trama nueva del clásico atemporal-comercial que marcó a los jóvenes allá por los ochenta. Llegados a este punto, cabría especificar algunas diferencias: Mientras que la original respeta el título y se basa en Kárate, en un entorno estadounidense, con un maestro japonés de kárate, un chico americano que también recibe tortas en el instituto y con el puro ideal de las artes marciales como perfeccionamiento de uno mismo en un entorno puramente occidental donde lo oriental es extraño y único…En el remake es al revés: Un chico, el hijo del príncipe de Belair, tiene que mudarse con su madre a China, donde –según sus palabras- todo el mundo sabe Kung Fu y lo occidental es extraño y en donde, a su vez, en el cole habitan unos niños chinos mortales que le atormentarán hasta que éste no demuestre su hombría marcial en un torneo de Kung Fu entrenado bajo la tutela de Jackie Chan. Como podréis comprobar, mientras que ambos títulos guardan parecidos en algunos detalles… ¡Fallan en lo más básico! …¡Es Karate, no Kung Fu! Con esto, aprendemos la primera regla de los productores espabilados: “Utiliza el título de una vieja película taquillera y, mientras sigues algunos de sus detalles, cámbiala radicalmente a la vez que prometes que es un remake pero con cambios sumamente sustanciales, adaptados a la modernidad: Actores de moda, temas de moda, etc.” Podrían haberla llamado “Kung Fu Kid”, pero claro, sonaría muy estridente y todo el mundo hablaría de un plagio independiente…Cosa que, tras ver la película, puedes creerlo o no. Bueno, dejando a un lado las diferencias temporales entre lo original y lo nuevo, “The Karate Kid” revitaliza una vieja producción taquillera con aspectos y temática moderna mezclados con la pura esencia de la China más profunda y oriental a la vez que, un dramático Jackie Chan –actorazo como pocos- salva la cinta de un resultado muy infantil. El pequeño Smith hace una buena interpretación, pero su rol como actor, a parte de la película, está muy marcado por la sombra de sus padres y todo lo que ello conlleva. Con respecto a la original, mientras que la primera fue más impactante y original, este remake pierde parte de esa espectacularidad y se vuelve sumamente tópico y predecible. Las escenas de acción están bien ejecutadas y la peli aporta cierta filosofía que a más de un niño le vendrá bien, pero el resultado, más allá de ser entretenido y contar con una buena interpretación de Chan, no se salva de ser algo infantil.

Lo mejor:

  • Jackie Chan, salva la el resultado final del film, en gran medida.
  • Algunos cambios con respecto a la original que encajan bien en la nueva trama.
  • Pese a que pierde mucho con respecto a la original, se vuelve entretenida y hace que los personajes te resulten cercanos.

Lo peor:

  • Algunos otros cambios, con respecto a la original, que desentonan mucho en la nueva trama.
  • Que pierda mucha origininalidad, espectacularidad y parte de las sorpresas que el planteamiento del film puede suponer.
  • Que hayan reconvertido la idea en algo puramente infantil. Sobre todo con el tema musical de los títulos de crédito, con el Justin Bieber ese… Jayden…Vale que seáis amigos pero, eres el hijo del príncipe de Belair… ¡No me digas que no tienes genes guays! D= Tu padre fue un ídolo juvenil, adorado por todo tipo de público…A diferencia de ese crío amigo tuyo que va de cantante.


Nota: 6

 

 

 


 

 

 

Yo, Robot (2004) –  Ciencia ficción. Thriller. Robots.

Director:Alex Proyas. Reparto: Will Smith, Bridget Moynahan, Bruce Greenwood, Chi McBride, Alan Tudyk, James Cromwell, Jerry Wasserman, Shia LaBeouf […]

¿De qué va?Chicago, año 2035. Vivimos en completa armonía con robots inteligentes. Cocinan para nosotros, conducen nuestros aviones, cuidan de nuestros hijos y confiamos plenamente en ellos debido a que se rigen por las Tres Leyes de la Robótica que nos protegen de cualquier daño. Inesperadamente un robot se ve implicado en el crimen de un brillante científico y el detective Del Spooner (Will Smith) queda a cargo de la investigación.

Valoración: Este título era uno de mis films pendientes, de hace mucho. Debido a las inconveniencias del tiempo y a una incierta predilección por verla o no, Yo Robot era una de esas pequeñas espinitas que, no duelen, pero están presentes. Quizás no me hubiese lanzado a verla antes por un incierto resultado final, o en otras palabras, que me gustase o no; pero como el verano da para mucho y por fin encontré tiempo para aburrirme me dispuse a verla. El resultado, más allá de lo esperado, ha sobrepasado mis expectativas, siendo una película muy buena. La primera duda que te asalta, si te basas en antecedentes o experiencias, es sobre si Will Smith, actor de comedia y pelis varias con fuerte carácter comercial, será capaz de llevar a cabo el papel principal de un interesante thriller de ciencia ficción. En las primeras escenas, para que será lo de siempre, otra película con fin comercial que, pese a tener un buen planteamiento parece que su mensaje residirá más en lo técnico que en lo profundo. No obstante, la enigmática interpretación de Smith y el duelo interno de su personaje hacia los robots, en una sociedad fuertemente tecnológica y robotizada, hace que esa primera duda de película con fin comercial y actor usado para tal film desaparezca. Si algo está claro sobre Will Smith es que es un gran actor, un actor camaleónico capaz de ingerir cualquier papel: Desde el más cómico en series como el príncipe de Belair, hasta el más comercial, pasando por papeles sentimentales y dramáticos, como Soy Leyenda, En busca de la felicidad, Siete almas, etc. En los papeles cómicos, Smith lo clava, ha nacido casi para ello. En los papeles comerciales, donde el refrito abunda, Smith queda algo arrastrado por las incapacidades argumentales de estas feas quimeras cinematográficas infladas por el dinero a fin de conseguir buena taquilla, huir de películas como Wild Wild West, Independence Day y parecidas. Por último, este señor alcanza la cima en producciones imaginativas y ficcionarias como Soy Leyenda y Hombres de negro o en películas sentimentales cargadas de drama como En búsqueda de la felicidad o Siete almas. En Yo Robot no es menos, y Will Smith demuestra encajar perfectamente en el papel y en la situación. Una trama interesantísima, de lo mejor de la ciencia ficción. En una sociedad futura, avanzada y sumamente dependiente de la tecnología robótica a través de máquinas presuntamente fiables y robots sin sentimientos, dispuestos a llevar a cabo todo lo que se les ordenen, uno de ellos conseguirá comprender el complejo psique sentimental humano y dejará de ser uno más del rebaño para encabezar toda una revolución tecnológica. Entre todo ello se encuentra el comisario Del Spooner, un hombre reacio a los robots, de los cuales desconfía en su más profundo ser a cambio de ser mirado como un loco por los demás, absorbidos por la idea de perfección bajo todo ese entramado de metal y cable, que suponen los robots. Este detective será el único capaz de comprender la situación en una sociedad ignorante ante el cambio definitivo, un cambió que supondrá un antes y un después en la futura raza humana y cuyo curso está en manos de dos seres completamente distintos, él y una máquina capaz de comprender el sentimiento humano. Esta trama, inspirada en el libro original “Yo Robot” escrito por uno los padres de la ciencia ficción literaria, Isaac Asimov, resulta de lo más intrigante y prometedora. La película mantiene un climax a lo largo de su desarrollo que nos atrapa de principio a fín. El film cuenta con algunas escenas de más o menos interés, pasando por algunas totalmente buenas y otras algo innecesarias; pero la película nunca pierde comba y nos ofrece un ritmo interesante. Un ritmo marcado por los sustos, el suspense y algunas que otras sorpresas y giros en la trama que nos ayudarán a comprender mejor la situación. Los giros argumentales son los principales motores de la cinta, causantes del éxito final que esta pueda adquirir conforme afronta sus últimas escenas. Y es que, Yo Robot se mueve a través de sorpresas que nos dejarán perplejos, ya que nada es lo que parece y el resultado, más allá de ser predecible, nos resulta totalmente incierto dada la filosofía impuesta por los distintos roles del film. La acción y los efectos especiales, aunque a veces rutinaria, se encargan de dar ese toque de adrenalina necesario en una trama tan compleja y entrelazada. Con todo ello, tenemos un interesante thriller de ciencia ficción que nos sorprenderá con sus constantes giros argumentales, a la vez que nos deja ciertas e imaginativas cuestiones sobre el futuro del ser humano y la frecuente revolución tecnológica en la que éste se ve envuelto. Puede que no resulte ser todo lo determinante o épica que su argumento promete, pero sí que resulta una agradable evasión hacia un futuro imaginativo y nada incierto. Un notable thriller de ciencia ficción que funciona, siendo de lo más característico de su género.

Lo mejor:

  • El planteamiento original y el constante desarrollo de la trama, que se mueve a base de giros y sorpresas argumentales.
  • El rol de algunos personajes, desde el humano más desconfiado hasta la máquina más comprensible.

Lo peor:

  • Puede que la contextualización en cuanto a efectos y acción sea algo tópica o que, más allá de eso, no confluya con todas las ideas futuristas posibles.


Nota: 7.75

 

 

El quinto elemento (1997) –  Ciencia ficción. Acción. Cyberpunk.

Director: Luc Besson . Reparto: Bruce Willis, Gary Oldman, Milla Jovovich, Luke Perry, Ian Holm, Chris Tucker, Brion James, Maïwenn Le Besco[…]

¿De qué va?Chicago, año 2035. Vivimos en completa armonía con robots inteligentes. Cocinan para nosotros, conducen nuestros aviones, cuidan de nuestros hijos y confiamos plenamente en ellos debido a que se rigen por las Tres Leyes de la Robótica que nos protegen de cualquier daño. Inesperadamente un robot se ve implicado en el crimen de un brillante científico y el detective Del Spooner (Will Smith) queda a cargo de la investigación.

Valoración: Siguiendo en mi línea de clara predilección por todo lo contextualizado en un futuro ciberpunk, con todo lo que ello conlleva, fui a por otra de mis películas pendientes. Esta vez le tocó el turno a “El Quinto Elemento”, película con la que me habría cruzado alguna que otra vez desde mi niñez y que siempre me llamó la atención, ya fuera por su extravagante y muy imaginativo contexto, vestuario, entorno o simplemente, a día de hoy, desenfadada, imaginativa y frenética idea de un futuro extravagante arraigado en las más claras costumbres de la sociedad de siempre. En ese sentido, “El Quinto Elemento” es todo un caramelo para todas aquellas mentes inquietas que gusten soñar con futuros tan surrealistas como ciertos o, en otras palabras, tan reales como inverosímiles. La trama, es bastante original, sigue la linea de alguna que otra historia de civilizaciones futuras, ancestrales, perdidas y la existencia de un tipo de energía que cambiará el rumbo de la vida universal cada cierto tiempo. Ese tiempo, ese momento, es ahora; y un grupo de personajes tan entrelazados como dispares se verán metidos en toda una epopeya que les llevará a la salvación o a la destrucción de todo lo que conocen. La apuesta de los personajes, con un excelente reparto que va desde Bruce Willis hasta Gary Oldman, pasando por Milla Jovovich, Chris Tucker e Ian Holm entre otros, es un gran acierto; la historia cuenta con todo tipo de personajes: los que se ven envueltos en su deber con la leyenda, los que casualmente se ven involucrados en la odisea y aquellos que la persiguen por fines egoístas o puramente maliciosos. Todo esto se debe gracias a la imaginación de su director, el francés Luc Besson, que no solo consigue un éxito con su original e imaginativa trama, sino que hace todo tipo de maravillas con su dirección técnica y su apuesta por las escenas, la fotografía y los distintos planos visuales que estas albergan. Es curioso ver como la sensacional dirección del francés va hilando las diferentes escenas de la película con simples detalles o palabras de los distintos personajes lo cual nos mete, aún más si cabe, en la esencia de la trama. Otra de los puntos fuertes de la película es su sensacional sonido, dando un significado totalmente propio y especial a la cinta. “El quinto elemento” cuenta con un sonido tan imaginativo como su propia escenografía, una delicia. Otro punto curioso es el hecho de que, a lo largo de la película, podamos ver algunos de los iconos comerciales de la sociedad actual en un futuro lejano, algo que nos acerca aún más a la trama, aunque ésta esté ubicada miles de años por delante. En conclusión, “El quinto elemento” es una de las mejores películas de su género. Un film de estilo cyberpunk rebosante de imaginación y de una ambientación excelente. Recomendada para todo aficionado al cine, obligada para todo amante de lo futurista.

Lo mejor:

  • La originalidad de su ambientación y su apuesta por el sonido.
  • La trama, y el compromiso que los personajes adquieren con ella.
  • Lo bien hilado que está todo dentro del film: Los momentos, las escenas, los personajes…El quinto elemento es un reloj futurista de precisión exacta, donde todo encaja. 
  • La dirección e imaginación del director; así como la interpretación de los actores del reparto, entre los que se encuentra algunos de los mejores de Hollywood.
  • Que lo curioso y divertido esté presente presente en todo momento; arrancándonos alguna que otra sonrisa.

Lo peor:

  • Puede que este tipo de futuro tan idealizado e imaginativo no guste a todo el público.


Nota: 8

 


Lo mejor de Ruby Rhod (Chris Tucker), la estrella radiofónica de la película:

Un saludo! 😉





[Escenas de cine] Uno para todos, y todos para uno.

30 05 2011

Inauguro una nueva entrada a raíz de una idea que me ha venido a la mente mientras recordaba una de las mejores escenas de cine que he visto en mi vida, acompañada por una de mis BSO favoritas. Como ya habréis imaginado, se trata de una nueva sección de cine en la que, en cada entrega, os traeré algunas de las mejores escenas del cine bajo mi criterio. Así mismo, os explicaré la escena, el por qué de mi impresión y os pediré vuestra opinión.

Hoy os traigo una película de época, basada en una leyenda tan latente como misteriosa: El hombre de la máscara de hierro. La película recrea un conocido mito que surgió durante el reinado de Luis XIV, enriquecido por la leyenda novelesca de los  tres mosqueteros -la guardia real del rey- y sus más conocidas figuras: D’Artagnan, Aramis, Porthos y Athos.
Recomiendo esta película a todo aquel que no la haya visto, pues es una producción ficticia bastante entretenida, reveladora e intrigante.

La escena (Puede contener spoilers)

Los tres mosqueteros, D’Artagnan y “El hombre de la máscara de hierro” (no diré quién es, espero que veáis la película xD) se encuentran rodeados por el rey y su guardia real, predestinados a un trágico destino. Sin escapatoria posible, el grupo de héroes decide luchar hasta el final, haciendo honor a su máxima y cometido:

– D’Artagnan, son mosqueteros jóvenes -exclama Aramis rompiendo el incómodo y trágico silencio- se han destetado con nuestra leyenda, nos veneran. Esa es una gran ventaja.

– Sí. ¿Por qué no les atacamos? -Continua Porthos, apoyando la idea de Aramis.

– Yo les he adiestrado, y se que se batirán hasta la muerte. -D’Artagnan desecha la idea, haciendo alarde a las máximas de los mosqueteros y al honor de los mismos- Pero si hay que morir, si debemos morir, mejor que sea así.

Los valientes mosqueteros vuelven a juntar sus espadas -por última vez- y con su frase “Todos para uno, y uno para todos” se encomiendan a su destino, que no es otro que luchar por su cometido hasta el final: Proteger y sacar a la luz el misterio que envuelve a “El hombre de la máscara de hierro”.

En el otro lado del pasillo, la guardia del rey apunta con sus mosquetes a un corredor vacío, esperando la débil carga de su valiente enemigo. La tensión en el ambiente se hace fuerte, poderosa; tanto los armados como los desarmados tienen miedo, se entregan a un destino incierto: un destino de honor o muerte.

Sin mayor dilación, los héroes cargan con un poderoso grito y cruzan la esquina del angosto pasillo. Esta será su carga final, y lucharán hasta la muerte. Los soldados, atónitos, contemplan la escena: Cinco valientes hombres corren hacia un escuadrón de mosqueteros, sin mayor defensa que un simple sable. El auténtico significado de soldado, mosquetero y hombre queda palpable en esa valerosa escena y pronto, la guardia del rey comienza a dudar ya que, quietos y en silencio, no pueden hacer otra cosa que contemplar tan honorable acto. Un escuadrón de numerosos soldados queda hipnotizado por la valentía de unos pocos hombres.

– ¡Qué magnificio valor! – Exclama el hipnotizado capitán de la guardia real.

– Disparad… -El rey, impasible, rasga y corta la heroicidad de la escena con un grito lleno de odio- ¡Fuego!

La guardia real, incapaz de desobedecer las órdenes del mismísimo rey, abre fuego. Pero ninguno de ellos apunta al objetivo, acaban de presenciar una heroica acción procedente de auténticos hombres, y eso lo saben apreciar. Unos desvían el tiro, otros simplemente cierran los ojos, dejando la trayectoria de la bala en las frías manos del destino. Un gran número de balas perdidas, sin rumbo, cruzan el lúgubre pasillo. Pronto, la escena se llena de humo, una densa cortina gris que no deja ver la situación impregna el corredor. ¿Qué habrá sido de esos cinco valientes?

Segundos después, desde la misma incertidumbre, desde la mismísima muerte, surgen un grupo de valerosos hombres, héroes que, dolidos y sin fuerzas, siguen blandiendo el acero que una vez juraron batir hasta la muerte.  La guardia real, sorprendida, cesa su ataque y se rinde ante tan honorable escena. La voluntad de un grupo de valientes, dispuestos a luchar hasta la muerte, ha vencido.

[…]

Espero que os haya gustado mi narración de la escena, esto de escribir relatos me gusta bastante jajaja xD En cuanto a la escena, a mi me encanta. Como ya he comentado en la narración, la heroicidad y valentía de un grupo de hombres capaces de luchar hasta la muerte con tal de cumplir su cometido no tiene parangón. Una de mis escenas  favoritas del cine. Aprovecho para recomendar esta película a todo aquel lector/a que no la haya visto aún.

¿Qué os ha parecido la escena? ¿Habéis visto esta película? ¿Qué opinión os reporta?

PD: La leyenda de “El hombre de la máscara de hierro” existe. Y el personaje fue real. Lo que nunca se supo es quién fue tal prisionero, pero formó parte de la historia, de eso no hay duda. Nunca se supo su identidad, pero se barajan varias teorías e hipótesis: Unos comentan que fue un hermano gemelo oculto de Luis XIV o que, de otro modo, era el hermano bastardo e ilegítimo del mismo; algunos sostienen que fue el mismísimo dramaturgo Molière; otros dicen que fue el ministro de finanzas del rey, o un simple estafador o espía apresado . En un futuro dedicaré un artículo para desentrañar los misterios que envuelven a este personaje tan intrigante.

Un saludo! 😀
Alexgc.





Reseñas de Cine VIII

7 05 2011

Lástima de bajón en la publicación de entradas y la descontinuidad de las mismas, espero retomar más actividad conforme vayan pasando los exámenes xD.

Hoy os traigo una nueva entrada de cine, la primera tanda de todo el conjunto de títulos que pude ver estas pasadas pascuas, espero que os guste 🙂

La Señal (The Ring) (2002) –  Terror. Intriga. Thriller.

Director: Gore Verbinski. Reparto: Naomi Watts, Martin Henderson, Brian Cox, David Dorfman, Daveigh Chase, Lindsay Frost, Amber Tamblyn, Rachael Bella, Sasha Barrese, Sara Rue

¿De qué va? Rachel Keller (Naomi Watts) es una periodista de investigación que no da mucho crédito a lo que considera una especie de leyenda urbana: al parecer, circula por ahí una cinta de vídeo con imágenes aterradoras, que va acompañada de una llamada telefónica en la que se predice, con una semana de antelación, la muerte de quien las ha visto. Sin embargo, cuando cuatro adolescentes encuentran la muerte exactamente una semana después de ver el vídeo, la curiosidad se apodera de ella y no parará hasta encontrar la cinta y verla.

Valoración: Conocido remake americano de la película original japonesa “The Ring (El círculo)” que, gracias a su química y popularidad, se ha puesto en boca de todos desde su estreno a comienzos de la pasada década como referente del género de terror japonés. La señal es uno de los principales pilares del terror japonés y una de las más conocidas producciones de éste género. El remake americano, en el que la esencia de la película original desaparece por un terror estadounidense que pretende horrorizar, el principal punto fuerte es el suspense. Esta película puede impactar y resultar algo terrorífica por sus sobresaltos y la perfecta atmósfera que logra crear, pero a mi no me dio mucho miedo ya que, como comenté antes, estamos hablando de un suspense de terror descafeinado. Pese a que su terror no logre asustarnos como debería, el suspense nos mantiene atrapados a lo largo de todo el film. La trama que se plantea es interesante, llamativa y bastante misteriosa, lo que hace que nos plantemos delante del televisor durante todo lo que dura la cinta. En cuanto a sustos y miedo, he de decir que The Ring logra provocar algunos sobresaltos y tomas desagradables que nos estremecerán, pero nada más allá a no ser que “la niña del pozo” nos impacte mucho. Lo más llamativo es el desarrollo de la trama y cómo nos va atrapando conforme evoluciona, un aspecto bastante positivo del film. En cuanto a los actores, todos están correctos en sus papeles. Otro aspecto bastante destacable junto a la trama es la fotografía; la película cuenta con imágenes y tonos bastante adecuados para lo que presenta y que armonizan entre sí, el resultado es una atmósfera bastante adecuada para una película de suspense y necesaria para transmitir cierto terror. El final, sorprendente y con un inesperado giro, queda abierto para una posterior secuela. En conclusión, The Ring (remake americano), es una película bastante recomendable para seguidores del suspense y de tramas misteriosas con buena proyección evolutiva. En cuanto al miedo o terror, éste queda definido en función del espectador; os puede impactar, o no.

Lo mejor:

  • El gran suspense de la trama y su proyección evolutiva.
  • La fotografía.
  • Efectivo remake. Para ser un remake americanizado cumple con lo que promete y resulta un buen título de terror que se deja ver a la perfección. La popularidad de la saga, y que sea una de los principales pilares del terror japonés ayuda mucho. Si os gusta la fórmula, debéis de ver la película original japonesa.

Lo peor:

  • Que el final quede abierto y sin conclusión, pese al sorprendente giro que da la trama.
  • Puede que el terror, en comparación con la película original, resulte algo descafeinado.


Nota: 7


Ahora los padres son ellos (2010) –  Comedia.

Director: Paul Weitz. Reparto: Robert De Niro, Ben Stiller, Jessica Alba, Owen Wilson, Dustin Hoffman, Barbra Streisand, Blythe Danner, Harvey Keitel, Laura Dern, Teri Polo.

¿De qué va? Tercera entrega tras ‘Los padres de ella’ y ‘Los padres de él’. A la casa de los Fockers llegan los hijos: dos gemelos. Han tenido que pasar 10 años, y superar incontables obstáculos para que Greg Focker (Ben Stiller) consiga, por fin, llegar a entenderse más o menos con su exigente suegro Jack Byrnes (Robert de Niro). Después de sufrir ciertos problemas económicos, Greg consigue un empleo en una compañía farmacéutica. Sin embargo, la desconfianza de Jack hacia él se agudiza. Cuando se celebra la fiesta de cumpleaños de los gemelos, Greg debe demostrar al escéptico Jack que es completamente capaz de ser el hombre de la casa. Pero con todos los malentendidos, el espionaje y las misiones secretas, ¿conseguirá Greg pasar el examen final de Jack y convertirse en el próximo patriarca?

Valoración: Tras los padres de ella y los padres de él, seguí de cerca la pista de éste último título que, se supone, es el último escalón de esta lucrativa serie de comedias. La primera y segunda película conseguían un humor bastante puro y ferviente; algo que, en el cine actual, parece imposible sin soltar chorradas fuera de sí. Justo por eso, me gusto ésta saga. Y qué decir de éste tercer título…Un intento desesperado de exprimir una lucrativa saga de humor. La gallina de los huevos de oro explotada a su máximo nivel porque, seamos justos, no consigue arrancar tantas risas como las anteriores entregas. La película tiene algún que otro punto que nos arranca una sonrisa, pero no llega a la carcajada auténtica. Sigue contando con los chistes inteligentes y maduros que caracterizan estas películas, eso sí. Si esta película hubiese contado con actores desconocidos hubiese sido un fracaso rotundo, pero ahí estaban De Niro, Ben Stiller, Owen Wilson, Hoffman, etc. Para salvar la papeleta y conseguir una película muy buena en cuanto a reparto, un lujo, todo hay que decirlo. Dejando de lado el reparto, la película no logra destacar en más cosas, salvo algunos chistes o momentos que sí resultan graciosos. “Ahora los padres son ellos” sigue el estilo, en cuanto a humor, de las entregas anteriores; pero no logra ser tan buena como éstas, ni de lejos. Se trata de un extralimitado intento de exprimir algo que hace gracia y resulta rentable, lo cual puede resultar una broma de mal gusto. Si te gustaron las anteriores entregas puede que ésta te decepcione un poco, es más y más de lo mismo, sobrepasado innecesariamente. Una película resultona y entretenida si buscamos evadirnos del aburrimiento de una tarde de domingo sin sabor.

Lo mejor:

  • El reparto y lo consolidada que está la saga.
  • Algún que otro momento o chiste bueno. Entretiene.

Lo peor:

  • Más y más de lo mismo.
  • Un intento extralimitado de exprimir algo que resultaba gracioso y que ahora resulta repetitivo.
  • Que nos pueda decepcionar si nos gustaron las anteriores entregas.


Nota: 5.5

Megamind (2010) –  Animación. Comedia. Superhéores. Parodia.

Director: Tom McGrath. Productora: DreamWorks Animation.

¿De qué va? Megamind es el supervillano más brillante que el mundo haya conocido. Y el que menos éxito tiene. Durante años, ha estado intentando conquistar Metro City por todos los medios posibles. Cada intento constituye un fracaso, por culpa de Metro Man, un héroe invencible hasta que Megamind consigue matarlo. De repente, la vida de Megamind carece de sentido. ¿Qué puede hacer un supervillano sin un superhéroe con el que enfrentarse?. Crear a Titán, un nuevo héroe más fuerte que Metro Man. Pero Titán empieza a pensar que es mucho más divertido ser malo que ser bueno. Además, Titán no se propone conquistar el mundo, sino destruirlo. ¿Podrá derrotar Megamind a su diabólica criatura?

Valoración: Había coincidido con ésta película desde su estreno y su originalidad (residente en el hecho de ponernos en la piel del villano y hacer que éste nos guste más que los buenos) me había llamado la atención desde el principio, pero nunca tuve la oportunidad de verla. De hecho, la vi dos días atrás y de casualidad. En realidad me esperaba otra película de animación a la sombra de Pixar (Pobre Dreamworks, a mi me parece muy buena) que no destacaría en mucho y sería destinada a un reducido público infantil, rayando lo insulso…Pero la verdad…Me ha sorprendido, y mucho. Sólo fueron necesarias un par de escenas para que me quedase anclado enfrente del televisor. El primer punto fuerte de Megamind es su palpable originalidad: Una película que nos pone en la piel de un “malo malísimo” chistoso y con voz de Jim Carrey (le queda genial) el cual nos embelesa y nos pone en contra de los buenos. A primera vista, la trama puede parecer sólo eso…pero con el desarrollo de la misma vamos descubriendo aspectos de los personajes bastante interesantes que nos sorprenderán. El humor es bastante correcto, inteligente, simple y directo como para sacar alguna que otra sonrisa o carcajada a lo largo del film, un aspecto muy positivo del film. La película, aunque dirigida a un público infantil, llega igual a la conciencia de un adulto ya que resulta ser una buena parodia del clásico tema de superhéroes. La trama no nos impactará o dejará una huella profunda, pero nos entretendrá; y su buen desarrollo nos enganchará a lo largo del film. Los personajes, además de carismáticos, llamativos y graciosos, cuentan con una gran personalidad. La animación es muy buena, llegando a conseguir unos efectos excelentes. El doblaje español es muy acertado, encaja a la perfección con los personajes. Además de una trama entretenida, una animación excelente y unos personajes carismáticos, la película cuenta con una banda sonora muy acertada, el punto fuerte. La banda sonora, además de contar con el genial compositor Hans Zimmer, cuenta con temas épicos del rock: Bad to the bone (George Thorogood), Crazy Train (Ozzy Ousborne), A Little Less Conversation (Junkie XI), Highway to Hell y Black in Black (AC/DC) y mi favorita de todo el repertorio: Welcome to the Jungle (Guns and Roses) que además suena en el momento clímax/cañero de la película. Megamind es una gran película de animación que nos entretendrá con su original trama, hará reír con su inteligente y directo humor, agradará con su gran banda sonora y cautivará con sus carismáticos y chistosos personajes.

Lo mejor:

  • Sus carismáticos personajes. Momentos de brillantez y emoción.
  • La animación, tecnología y el sello DreamWorks.
  • El gran repertorio de canciones, desde Ac/Dc hasta los Guns and Roses.
  • Humor efectivo, directo e inteligente.

Lo peor:

  • Que las películas de la casa DreamWorks tengan que estar a la sombra de Pixar.
  • La trama puede resultar sencilla o poco profunda, pero cumple de sobras su función: entretener y ofrecer unas buenas risas.


Nota: 7.5

Tengo más reseñas de cine en el tintero, atentos a próximas entradas 😉

Un saludo!
Alexgc.





[Curiosidades del cine] Gazapos en películas históricas.

10 04 2011

¡Hola a todos!

Os traigo una nueva entrada de curiosidades del cine, esta vez, errores y gazapos en diversas películas de éxito –o no- de la historia del cine. Resulta curioso ver como algunas de las películas más sonadas cometen fallos que saltan a la vista a la primera o, simplemente, fallos que pasan desapercibidos bajo nuestro saber pero que son de imperdonable factura.
Navegando por la red, he encontrado diversos videos y artículos a través de los cuales comentaré algunos de los fallos que muestran.

Hoy nos centraremos en películas con errores de tipo histórico. Películas con fallos gordos en sus contextos históricos, algo que supone una gran desventaja bajo un punto de vista crítico. Lo más importante de una película es prácticamente la trama y, dentro de esta, es muy importante el contexto…Si éste falla de forma estrepitosa, es como un insulto al saber del espectador.

Dentro de este video encontramos a una de las películas con más gazapos en toda la historia del cine debido a sus incontables fallos históricos: 10.000.
10.000 es una película que transcurre en el año 10.000 A.C. Y que relata la vida de hombres prehistóricos que conviven con Mamuts y otros animales de gran tamaño. Hablando de Mamuts, la película cumple de sobras con este aspecto ya que,  son perfectas copias de los mamuts reales de la antigüedad, pelo a pelo. Algo que, como dice el video, merece ser aplaudido.  Pero tras ese tan pulido aspecto inicial, la película se cubre de fallos imposibles que insultan a los más reconocidos historiadores y, por qué no decirlo, a cualquiera de nosotros que haya estudiado historia en el colegio y/o instituto. El video no lo comenta, pero fijaros en los instantes iniciales del video (0:29 – 0:38)  Primero, los mamuts recorren lo que parece ser… ¿Una ciudad? ¿De piedra? ¿Es eso un puente de piedra? ¿En el año 10.000 antes de cristo el hombre ya tenía las herramientas necesarias para trabajar la piedra y los conocimientos arquitectónicos necesarios para construir puentes o los edificios que vemos al fondo? ¡Si ni siquiera se había descubierto el hierro o mental! Tras la escena de lo que parecen ser un puente de piedra y edificios de dicho material, vemos a un prehistórico corriendo entre la multitud…Bien…¿Un prehistórico totalmente depilado? ¿Un hombre del 10.000 AC que sólo se había dejado crecer el pelo y la barba con sumo estilo?  ¿Un hombre que ya usaba complementos para el pelo? ¿Y qué me decís de la ropa, sobretodo de los del fondo? ¿El hombre ya había descubierto y trabajado el algodón en el año 10.000? ¿Y usado los tintes para elaborar ropa de diferentes colores? Increíble…En la siguiente escena, vemos lo que parecen ser ¿Barcos? ¿Navíos primitivos con velas rojas?…¿En el año 10.000 el hombre ya había tallado madera para construir barcos y tenía los conocimientos y herramientas necesarias para darse a la navegación? ¡Vamos! ¡Que estamos hablando de hombres primitivos, joder!
Y ahora, los errores más gordos que el video comenta: En primer lugar, según la película, en el año 10.000 A.C. el hombre ya cultivaba la tierra, cuando los primeros cultivos datan del año 8.000 A.C. En segundo lugar, el hombre ya montaba a caballo y éstos estaban perfectamente domesticados para las grandes batallas cuando, realmente, esto no sucedió hasta el año 2.000 A.C.  Y el descubrimiento del hierro, material totalmente necesario para casi todo lo que muestra este film, data del 1.500 A.C. Otro gravísimo error (como sugiere el video) es el aspecto de los primitivos, primero los hombres que aparecen depilados y luego las chicas en apuros que aparecen totalmente depiladas y delgadas; incumpliendo totalmente con los cánones de belleza de tales años prehistóricos.
Viendo el video, también os habréis fijado en otros enormes fallos que éste no comenta pero que saltan a la vista. Fallos gravísimos e imperdonables como lo suponen las grandes construcciones y ciudades pétreas tales como ¿Pirámides totalmente perfectas, igualándose a la de los egipcios? ¿Templos de piedra que también parecen egipcios y que encima se iluminan por la noche con antorchas? (En este sentido el segundo 0:44 y 0:47 se pasan a lo bestia) ¿Habéis visto que enorme ciudad con gigantescos edificios pétreos, puertos,  canales de agua, cultivos, calles y redes de transporte…y todo en el año 10.000 A.C.? ¡Vamos, joder! ¡Eso ni los egipcios, cuyas primeras pirámides prehistóricas datan del 3.000-2.000 A.C.!

Vale que, en una película todo este permitido, pero  en una película que trata un tema histórico tan trascendente…Estos son fallos gordos, fallos que suponen insultos para el saber universal, fallos que hicieron que la película suspenda en cuanto a crítica y de forma merecida. Yo, ni siquiera la he visto, y dudo que lo vaya a hacer, porque la nota sería 0 o menos.

Y de 10.000 A.C. pasamos a la mítica saga “Parque jurásico”, una película que marcó un antes y un después, aunque esta tiene un fallo algo gordo pero casi incognoscible. La mayoría de dinosaurios que aparecen en la película son del periodo cretácico, no del jurásico. Pero claro, entre “Parque cretácico” o “Parque jurásico”… ¿Qué llama más la atención? No sé yo, pero digo que es cosa de costumbre, nos habríamos acostumbrado igual a lo del cretácico; pero claro, suena enormemente extraño y más a estas alturas ¿Os imagináis? xD

Y hablando de dinosaurios, nos vamos a la película “El sonido del trueno”; en la que un grupo de aventureros temporales viajan a través del tiempo hasta el periodo de los dinosauros. El grupo de viajeros mata a una mariposa, punto clave en el argumento ya que esto desencadena una serie de consecuencias fatales que alteran el espacio-tiempo. Pero claro…las primeras mariposas nunca convivieron con los dinosaurios, ya que éstas aparecieron 15 millones de años después de la desaparición de éstos.

Finalmente, tenemos una película antigua dentro de esto del cine donde los efectos se hacían con maquetas y muñecos a fotogramas: “Hace un millón de años” nos dice que los hombres convivieron con los dinosaurios y que las tan modernas, delgadas, depiladas y modeladas cavernícolas usaban biquinis de piel… ¿No hace falta que explique estos tremendísimos fallos, no?. De la misma temática vive la película “Cavernícola” donde un primitivo Ringo Starr tiene una novia cavernícola que usa biquini de leopardo y parece una modelo de los años 60-70.

Así pues, tras ver estos enormes fallos históricos y cronológicos, si queremos ver una película totalmente fiel que refleje la situación real de aquellos años primitivos, debemos ver “En busca del fuego”; película elogiada por su fiel  reflejo de dicho contexto histórico.


Desligándonos de este video, y centrándonos en  la Roma antigua de los gladiadores, nos encontramos con una película sumamente conocida: “Gladiator”, que cuenta con diversos fallos históricos o de montaje, pero sobretodo, fallos de producción:


En una de las escenas de la película, cuando enfocan hacia las gradas del público, podemos ver varios extras con incontables fallos: Una mujer que aplaude a Russel Crowe con gafas de sol (Creo que, no hace falta decir que aquellos siglos…En fin). ¿Qué se les pasaba por la cabeza? Por no hablar del extra que aparece con vaqueros entre el público. (Si, hasta los romanos tenían sentido de la moda, eso sí que era estilo, vaquero ;)).

Un "romano" con vaqueros viendo el espectáculo desde las gradas del coliseo.

Si seguimos hablando de fallos entre el público romano de las gradas de aquel majestuoso coliseo, nos encontramos a un extra bebiendo… ¡Agua embotellada! Quién sabe…Seguro que hacía mucho calor en aquella época y Font Vella, Bezoya o Lanjarón ya tenían la exclusividad…

Un "romano", con sed, bebiendo agua embotellada en la plena Roma antigua.

Uno de los fallos más conocidos de esta película son los carros romanos. Cuadrigas que llevaban incluidas tremendas bombonas de gas para que pudieran saltar por los aires o destilar ese tan característico humo que sale de una cuadriga destrozada ¿Verdad?…

Las cuadrigas romanas de "Gladiator" y su particular sistema de salto mediante gas comprimido.

Otro gran fallo de montaje o realización sucede en el campamento, cuando Máximo acaricia a uno de sus caballos podemos ver a un amable y estiloso transeúnte romano que anda tan fresco con vaqueros… ¿Será el espectador que vimos entre las gradas del público al principio de la película? No se sabe… Es todo un misterio…Menuda intriga… ¡Justo esa es la magia del cine!

Otro "romano" con vaqueros en "Gladiator". ¿Será el mismo que el del coliseo?

Todo eso, entre otros fallos muchos errores históricos (Utilización de estribos,  octavillas impresas, entrada en Roma por un acceso de tierra en vez de una calzada, ciertos edificios, el verdadero reinado de Cómodo duró más de 10 años, Lucila murió antes que su hermano…), algunos buscados y otros, simples “meteduras de pata”, con lo que se demuestra que el carácter histórico de la película no preocupó mucho a sus creadores.


Viajando por el antiguo mediterráneo nos encontramos con una película que retrata a un legendario héroe clásico: Troya.

En “Troya” (película en la que Brad Pitt encarna al fuerte Aquiles) durante una de las escenas en las que el héroe  va a conquistar la ciudad del mismo nombre, vemos aparecer un avión al fondo. ¿“Aerolíneas Hermes” tal vez? Aunque yo, personalmente, nosé si se trata de un montaje o es real.

Troya y su famosísimo avión. ¿Será real o un falso montaje?

Siguiendo en la línea clásica de los años del mediterráneo helenístico, viajamos hasta Esparta. Donde la película “300”, pese a haber pisado fuerte en el mundo del cine y haber gustado a la mayoría del gran público, presenta muchos fallos demasiados fantasiosos. Lo más notables son la  ficción y la “magia” con la que se tratan algunos puntos de esta película. Por otro lado, nos encontramos a unos espartanos totalmente desarmados y en cueros cuando, en realidad, estos usaban armaduras. Simbológicamente, “300” ensalza algunos de los valores más puramente espartanos como la valentía, la defensa de la democracia, lealtad a la patria, etc. Dejando atrás otros aspectos como que Esparta era una casta de dueños de esclavos, gobernados fuertemente por la religión, y donde la famosa “homosexualidad clásica griega” estaba al orden del día.

Los espartanos y su desuso de las armaduras en "300".


Trasladándonos a otro continente, esta vez en la América del sur de los Mayas, podemos ver “Apocalypto”. Película que parece recrear a una salvaje civilización marcada por los rituales y sacrificios humanos. Quitándonos de encima esas ideas dogmatizadas, los escritos históricos nos dirán que si bien los Mayas cometían ocasionalmente algún sacrificio humano para sus rituales,  éstos eran una cultura mucho más civilizada y compleja de lo que se muestra en el film.

Apocalypto. ¿Un reflejo demasiado salvaje de la civilización Maya?

Ubicándonos en las guerras medievales entre escoceses e ingleses por la libertad de éstos primeros,  nos topamos con Braveheart. Película con diversos detalles ricos en errores históricos: En primer lugar, William Wallace era un caballero de una familia noble y a su padre, Malcolm, no lo mataron los ingleses, sino que luchó del lado de Inglaterra a cambio de un favor político. Por otro lado, las famosas faldas escocesas  o “kilts” no se usaron hasta varios siglos después. Entre otros gazapos.

El rebelde William Wallace.

Otra película protagonizada por Mel Gibson y orientada en la guerra de independencia norteamericana “The Patriot” tiene un fallo gordo y deshonroso en cuanto a lo que al personaje se refiere: El personaje de Gibson, al que llaman Benjamin Martin, está basado en alguien que existió: Francis “Zorro de los pantanos” Marion. Este hombre nunca mató él solo a un pelotón del ejército británico. Lo que sí hizo fue cargarse a docenas de indios Cherokee desarmados y violar a sus esclavas. ¿Vaya palo de héroe, no?.

El patriota y su "particular" personaje.

Con poca diferencia de años paralelos, pero en suelo europeo, transcurre la vida de uno de los compositores más importantes de la historia universal de la música: Wolfang Amadeus Mozart. “Amadeus”, se encarga de retratar la vida de un joven compositor, pero su principal crítica reside en la recreación de un malpensado, risueño, bromista y simplón Mozart. A ver, seguro que Mozart era un hombre con sentido del humor y cercano, pero en la película lo retratan como a un irresponsable.  Otro punto conflictivo es la relación Mozart-Salieri; la mayoría de los historiadores está de acuerdo en que su relación con Salieri era de “rivalidad amistosa, marcada por mutos respeto y admiración”. Y aunque la película apunta que Salieri pueda haber matado a Mozart envenenándolo, la verdad es que probablemente Mozart se mató bebiendo, o bien por sus continuas enfermedades. Pese a ello, “Amadeus” es una película interesante para conocer al vida de este aclamado maestro de la música clásica y consiguió buenas críticas.

"Amadeus" y su polémico retrato de Mozart.

Esas han sido alguna de las películas con más fallos históricos dentro del mundo del cine. Sorprendidos ¿Verdad? Yo me he llevado unas cuantas sorpresas escribiendo este artículo. Es curioso fijarse en fallos enormes gracias a las clases de historia y, cómo no, aprender más gracias al cine.

Por supuesto, existen otras muchas más películas de carácter histórico que han metido profundamente la pata con su mala contextualización pero resulta muy difícil plasmarlas todas en una entrega. Así pues, os he enseñado alguna de las películas más famosas; pero si conocéis otras películas de imperdonable factura histórica, dejar constancia de ello en vuestros comentarios para futuras entregas.
Y hablando de futuras entregas, espero traeros más artículos de gazapos cinéfilos de todo tipo de géneros; la próxima vez con fallos en el montaje, la fotografía o dentro de una temática predefinida.

Espero que os haya gustado este artículo y su lectura. 🙂
Un saludo! 😀

Alexgc.





Sword Of The Stranger.

8 04 2011

¡Hola a todos!

Os traigo una nueva reseña de cine, pero esta vez se trata de algo especial. Hoy reseñaré una película de animación japonesa (anime). Desde el momento en el que inauguré el blog tenía pensado ir reseñando animes, pero hasta la fecha no he tenido la oportunidad o, simplemente, no entraba en los planes de reseñas anteriores. En realidad esto se debe a que yo quería que la primera reseña que hiciese de anime fuese algo especial, es decir, una reseña en la que valorase algún anime con mucho significado para mí (de los cuales tengo varios). Pero en contra de toda predicción, aquí me tenéis escribiendo esta reseña, a punto de valorar una película anime que no conocía hasta ayer. Quizás esto la hace más especial ¿No? ¿Cómo me habrá calado la película para que, al día siguiente, ya tenga una reseña? Una pequeña joya que ha pasado desapercibida bajo los ojos de la mayoría del público pero que guarda un importante significado y buen ver. Lectores de Mentes en Acción, aquí una de las mejores películas de animación (anime) de género dramático-histórico: Sword of the Stranger.

Primero de todo, para los lectores menos habituados a este tipo de películas, llamamos “Anime” a las películas o series de animación japonesa con estética manga (cómic japonés). Muchos animes están inspirados en sus series manga análogas -otros surgen de la nada- pero todos tienen como punto común el tener estética manga y respetar sus mismos principios y características.
Como ya dije antes, tenía pensado iniciar estas reseñas de animación japonesa con alguna película o serie que hubiese visto anteriormente (cosa que, en próximas entradas, haré seguro), pero ayer descubrí una genial película anime a través de un video bastante espectacular (sobre todo por su increíble banda sonora, que me ha encantado) que os mostraré al final de la reseña. El video/tráiler me sorprendió bastante y me llenó de ganas para ver tal película; desde un primer momento supe que me gustaría y me ha gustado bastante. Sin más dilación, aquí os traigo “Sword of the Stranger”.

Sword of the Stranger (2007) –  Animación. Aventura. Histórico. Drama.

Director: Masahiro Andô. Guión: Fumihiko Takayama. Música: Naoki Sato. Productora: Estudio Bones.

¿De qué va? Durante el periodo de guerra entre estados o Sengoku, un ronin llamado Nanashi, que significa “sin nombre”, salva a un niño llamado Kotarou y a su perro Tobimaru en un templo abandonado. Kotarou no tiene familia y es perseguido por una misteriosa organización militar de China, por lo que contrata a Nanashi como guardaespaldas. Nanashi, que ha abandonado su nombre junto a su pasado, ha “sellado” su espada debido a un suceso pasado por el que es atormentado en forma de pesadillas. El encargado de perseguir a Kotarou es un hombre llamado Rarou, que pertenece a la organización de origen chino y que esta bajo las ordenes de un anciano llamado Byakuran, aunque, a diferencia de sus compañeros, Rarou no posee un concepto de “Rey” y solo busca luchar contra el más fuerte.

Valoración: Interesante película anime. Me sorprendió desde que vi uno de los mejores momentos de la película en un corto video. Lo que más me llamó la atención en un principio fue su increíble, profunda y transitiva banda sonora, que aportó al momento un gran carácter épico que merece la pena experimentar; pelos de punta. La trama argumental es muy interesante, atrapando desde el principio y desarrollándose correctamente. La película puede tener algún altibajo argumental (momentos lentos para que nos dé tiempo a asimilar los diversos giros de la trama), pero el ritmo es muy bueno, contándonos una historia profunda. El aspecto más destacable de la misma es la relación que se crea entre Kotaro (el niño) y el samurái sin nombre, y de cómo el primero cambia radicalmente el punto de vista del segundo; algo sensacional. La evolución de los personajes en este aspecto es muy buena. Los demás personajes también juegan papeles importantes, algunos incluso con historia contada y todo, pero no llegan a tener tanta profundidad. En cuanto al dibujo y la animación, son muy buenos; en lo referente al primero, típico dibujo anime/manga moderno, sin perder esa esencia tan característica; en cuanto a la animación, muy buena, algunas escenas están recreadas totalmente por ordenador y aportan un nivel gráfico muy interesante. Al tratarse de un anime histórico de samuráis, los entornos, localizaciones y aspectos temporales están muy bien recreados y son fieles a la historia real; aspectos muy interesantes de la trama, pero que no llegan a profundizar o enseñar algo nuevo si ya estamos acostumbrados a esto de los samuráis. Justo por esa temática, la película llega a ser algo explícita y  un poco sangrienta (tratándose de un anime de guerras, espadas y algo de drama, es normal) pero sin llegar a abusar, para nada. Detrás de todos los aspectos notables de la película se encuentra un punto sobresaliente: el drama, los sentimientos y la increíble relación y evolución de los protagonistas. Sin estos profundos personajes, la historia no brillaría igual. Además de este sensacional aspecto argumental, la banda sonora es increíble. Se trata de una banda sonora muy bien ejecutada instrumentalmente y perfectamente compatible con el contexto argumental;  la música crea una atmósfera sonora épica que aporta mucho a todos los momentos que protagoniza.
En conclusión, Sword of the Stranger es una película de animación excelente. Atiende perfectamente al género al que pertenece, cumpliendo todos los requisitos que éstos implican: aventura, drama, histórico. Su trama argumental es muy buena, presentándonos una relación muy profunda entre unos inolvidables personajes. La banda sonora, punto fuerte de la película, es épica.

Lo mejor:

  • Cumple satisfactoriamente con los géneros a los que pertenece: aventura, drama e histórico.
  • La relación entre Kotaro y el samurái sin nombre.
  • Las escenas de lucha en cuanto a animación, movimientos expresados perfectamente.
  • La banda sonora, épica.

Lo peor:

  • La trama coge algo de complejidad conforme avanza la película, implicando la total atención del espectador para no perder detalles en algunos momentos; pese a ello, el ritmo y los giros argumentales son notables y sorprendentes.
  • La trama puede resultar algo ligera en cuanto a lo que presenta, pero el papel de los personajes resulta inolvidable.


Nota: 7.5


Tráiler de la película (Versión original subtitulada al inglés, no he podido encontrar tráiler en español).


Uno de los mejores momentos de la película. El momento que me atrapó y me llamó tanto la atención. (Posibles Spoilers).



BSO. Épica. Uno de los puntos más fuertes de la película.

Espero que os haya resultado interesante la película. Un saludo!
Alexgc





Reseñas de Cine VII.

2 04 2011

¡Hola a todos! Actualizo el blog con una nueva tanda de reseñas de cine 😀 Espero que os gusten ;).

 

Constantine (2005) – Sobrenatural. Acción. Ciencia Ficción. Thriller

Director: Francis Lawrence. Reparto: Keanu Reeves, Rachel Weisz, Shia LaBeouf, Tilda Swinton, Pruitt Taylor Vince […]

¿De qué va? John Constantine ha estado en el infierno y ha vuelto. Nacido con un don que no deseaba, la capacidad de reconocer claramente a los ángeles y a los demonios híbridos que andan por la tierra bajo un aspecto humano, Constantine (KEANU REEVES) se vio empujado a quitarse su propia vida para escapar de la atormentadora claridad de su visión. Pero fracasó. Resucitado en contra de su voluntad, se encontró de nuevo en el mundo de los vivos. Ahora, marcado por su intento de suicidio con una esperanza de vida temporal, patrulla la frontera terrenal entre el cielo y el infierno, esperando en vano ganarse el camino a la salvación enviando a los esbirros del diablo de vuelta a las profundidades. Pero Constantine no es ningún santo. Desilusionado por el mundo que le rodea y enfrentado con el del más allá, es un héroe amargado que bebe en exceso, lleva una vida dura y desprecia la sola idea de heroísmo. Constantine luchará para salvar tu alma pero no quiere tu admiración ni tu agradecimiento – y por supuesto no quiere tu simpatía. Todo lo que quiere es un aplazamiento. Cuando una desesperada pero escéptica detective de policía (RACHEL WEISZ como Angela Dodson) consigue su ayuda para resolver la misteriosa muerte de su querida hermana gemela (también interpretada por Weisz), su investigación les lleva a través del mundo de demonios y ángeles que subyace justo bajo el paisaje de la actual ciudad de Los Angeles. Atrapados en una catastrófica serie de acontecimientos sobrenaturales, los dos se encuentran inextricablemente involucrados y tratan de encontrar su propia paz a cualquier precio.

Valoración: Adaptación del cómic original “Hellblazer”. Constantine es una película entretenida y se deja ver, pero como adaptación, falla mucho. La primera gran diferencia es el contexto y la historia principal; el único parecido posible es la situación principal del protagonista.
El film intenta adaptar  la saga perteneciente al cómic: “Hábitos peligrosos”; capítulo en la vida de Constantine donde, por primera vez, su enemigo no es un ser sobrenatural, esta vez se enfrenta a su más duro enemigo: Constantine padece cáncer. “Hábitos peligrosos” es una de las más duras historias de John, llena de drama y peligro totalmente real; una saga que va más allá dentro de la serie del cómic, John también es humano. Su vida le ha pasado factura y sus muchos cigarrillos, a lo largo del día, le han valido un grave cáncer de pulmón; Constantine tiene los días contados, no se puede salvar. Así pues, cuando nos leemos este cómic, asistimos a una de las historias más realistas y profundas de Constantine, donde éste se resigna a morir después de todo e intenta enmendar sus errores del pasado, mirando con otros ojos a la vida. El transcurso de esta serie se desarrolla con suma maestría y su final, digno de una gran película, no tiene cabida en nuestra imaginación cuando leemos las primeras páginas.
La película intentó adaptar todos estos aspectos, pero lo hizo con sumo fracaso. El único parecido es la situación principal del protagonista (tanto en el cómic como en la película padece cáncer grave) y su forma de afrontarla. Por lo demás, todo son diferencias y contrariedades: La historia que se desarrolla es totalmente distinta (todo lo que habéis leído en la sinopsis no ocurre en el cómic, se lo inventaron para la película). Bastantes personajes están mal encarnados, mal metidos en la historia o ni siquiera existen en el cómic (Chas, el taxista amigo de Constantine, parece tener treinta y pico años en el cómic; mientras que en la película lo interpreta un joven Labeouf de tan sólo diecinueve). Por otro lado, Constantine está interpretado por un Keanu Reeves algo plano; podemos ver que este actor intenta sacar la esencia del personaje, pero es costoso. Ah! Y, físicamente, no se parecen en nada; muy mala elección para interpretar a este personaje, no lo digo por Keanu que suele hacer buenas películas, pero ¿No saben que el actor y el personaje deben parecerse, como sea? Por último, cabe destacar el final del film con respecto a la obra original: El método de sendos personajes en ambos títulos es el mismo, pero la situación, el momento y el trasfondo argumental están totalmente cambiados. Todo eso, entre otras muchas diferencias.
Puestos a ser críticos, la película como adaptación fiel del cómic no lo hace nada bien. Pero como estamos analizado una película y lo que ello significa, Constantine se deja ver. Ignorando el fallo de la adaptación, estamos ante una notable película que resulta entretenida. La propuesta argumental y de guión, aunque inventados totalmente, resulta interesante y nos atrapan como buen thriller. El puntazo de la película es el haber copiado fielmente la situación del protagonista, gracias a eso, la obra cuenta con mayor dramatismo y el personaje nos llega más. Y, hablando de personajes, el Constantine de Keanu Reeves queda algo plano, pero éste actor logra salvar la situación y nos deleita con una interpretación original, no fiel, pero buena. El transcurso de la historia es bueno, suele tener altibajos en diversos puntos pero, si prestamos atención y queremos seguir la historia, podemos sacarla en claro. El final es parecido y distinto a la vez, pero sorprende de igual forma que el original; nos deja con la boca abierta y no es predecible, algo bueno. La estética sobrenatural está bien lograda y consigue impactar en el espectador. Así pues, Constantine es una notable película de temática sobrenatural y de acción; buena opción para pasar un rato entretenido, sumergidos dentro de una interesante historia con un desenlace curioso.

Lo mejor:

  • La película se hace entretenida y cuenta con una buena historia que resulta muy interesante.
  • La situación del protagonista y su drama personal. Su desenvoltura en ese aspecto.
  • El final, bastante diferente al del cómic, pero igual de sorprendente.

Lo peor:

  • Como adaptación del cómic, Constantine no logra su objetivo para nada. La historia, contexto, personajes y final son muy diferentes. No consigue plasmar la esencia total del cómic.
  • La película sufre algunos altibajos.


Nota: 7

 

 

Red (2010) –  Acción. Comedia.

Director: Francis Lawrence. Reparto: Bruce Willis, John Malkovich, Morgan Freeman, Helen Mirren, Karl Urban, Mary-Louise Parker, Brian Cox […]

¿De qué va? Frank (Bruce Willis), Joe (Morgan Freeman), Marvin (John Malkovich) y Victoria (Helen Mirren) son agentes especiales ya retirados, a los que la nueva administración de Washington desea ver muertos. El motivo: eran los mejores agentes de la CIA, pero saben demasiado. Adaptación del cómic de Warren Ellis.

Valoración: Otra adaptación de cómic, esta vez, una comedia de acción. No me he leído la novela gráfica, por lo que no compararé a nivel adaptativo, y me centraré plenamente en el film. El primer punto destacable de esta obra es su planteamiento argumental: película de vetarnos espías en toda regla con un genial trasfondo de investigación y persecución; un “pilla-pilla” entre los mejores, veteranos de la CIA y la propia CIA. Todo ello enriquecido con un buen humor, acorde al planteamiento inicial. Desde el primer momento la película se hace entretenida, y su rápido ritmo hace que se pasa rápida y ligera, aspecto bueno del film. El desarrollo es bueno, siempre protagonizado por la acción; y el desenlace es notable, con algunos giros sorprendentes en la obra. Los actores, de renombre, cumplen con sus papeles. Una película de comedia y acción entretenida y que se deja ver pero cuenta con algunos aspectos negativos, que le impiden crecer e impactar totalmente al espectador: Por un lado, falta claridad en la historia principal y la trama se suele liar en varios puntos de la película; por otro, faltan muchos más momentos de humor, la película se plantea como un constante humor inteligente y sólo tiene unos cuantos puntazos breves. Además, usa los nombres de algunos actores para atraer al público cuando sólo salen unas pocas escenas, como es el caso de Morgan Freeman.
En conclusión, resulta una interesante opción para pasar la tarde de forma entretenida, viendo algo nuevo, pero Red no consigue calar en el espectador, cayendo en el olvido.

Lo mejor:

  • El planteamiento y el ser una comedia de acción.
  • John Malkovich.

Lo peor:

  • Faltan claridad en la trama y muchos más momentos de humor.
  • Que actores de renombre, puestos para atraer espectadores, sólo salgan unas pocas veces.


Nota: 6.5


 

 

Blade Runner (1982) –  Acción. Ciencia Ficción. Cyberpunk. Película de culto.

Director: Ridley Scott. Reparto: Harrison Ford, Sean Young, Daryl Hannah, Rutger Hauer, Edward James Olmos, Joanna Cassidy, Brion James, Joe Turkel […]

¿De qué va? A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation creó, gracias a los avances de la ingeniería genética, un robot llamado Nexus 6, un ser virtualmente idéntico al hombre pero superior a él en fuerza y agilidad, al que se dio el nombre de Replicante. Estos robots trabajaban como esclavos en las colonias exteriores de la Tierra. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de Nexus-6, los Replicantes fueron desterrados de la Tierra. Brigadas especiales de policía, los Blade Runners, tenían órdenes de matar a todos los que no hubieran acatado la condena. Pero a esto no se le llamaba ejecución, se le llamaba “retiro”.

Valoración: Y de un cine reciente, nos pasamos a una película de culto. Un film que marcó un antes y un después en el cine futurista. Una película que se ha situado entre las principales obras de ciencia ficción y, porque no decirlo, el representante absoluto de este género. Blade Runner impactó el año de su estreno y lo sigue haciendo. Numerosas revisiones y versiones son las que han mantenido a la obra viva, gracias a su director. Los principales alicientes de Blade Runner son: el profundo e interesantísimo argumento y el contexto futurista-cyberpunk. Por un lado, la obra triunfa por ofrecer una buena historia que, en pocos minutos de rodaje, nos mantiene inmersos. Por otro lado, el contexto futurista es de lo mejorcito del cine, cargado de efectos especiales de aquella época que, a día de hoy, siguen impresionando. Otro aspecto a destacar es la fotografía, consiguiendo ambientes futuristas muy adecuados, algunos oscuros y agobiantes; todo ello junto una excelente banda sonora, aspectos que hacen de Blade Runner, una creíble y notable visión del futuro. Técnicamente, Blade Runner es sobresaliente en todos sus aspectos: fotografía, banda sonora, puesta en escena, personajes, diálogos, montaje, contexto, escenografía, etc. Cabe mencionar especialmente el final, la mejor parte de la película, el punto clímax, rematado por una gran escena y frase que han dejado una gran huella en el mundo del cine. No obstante, pese a todas sus ventajas, es difícil sacarle todos esos puntos a favor con un visionado; esta obra requiere ser vista varias veces para su completa asimilación y esencia. Es fácil que nos hagamos un lio con el primer visionado o no sepamos apreciar muchos de los profundos detalles.  En conclusión, la complejidad de la trama, sus magníficos aspectos técnicos-compositivos y la profundidad  poética de los diálogos; son los que hacen de Blade Runner una película de culto.

Lo mejor:

  • El completo planteamiento argumental. Los giros de la trama y las sorpresas que estos llegan a dar. Diálogos.
  • Todos los aspectos técnicos de la obra, sobresalientes.
  • El genial contexto y la ambientación cyberpunk.
  • El final, que ha dejado huella dentro de la historia del cine.

Lo peor:

  • La complejidad y lento desarrollo de la trama requiere que estemos totalmente atentos, para no perdernos detalle.
  • La profundidad de la obra puede hacerse difícil de captar.


Nota: 8.5

 



Cadena Perpetua (1994) –  Drama. Drama Carcelario. Amistad.

Director: Frank Darabont. Reparto: Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton, James Whitmore, Gil Bellows, William Sadler, Mark Rolston, Clancy Brown […]

¿De qué va? Acusado del asesinato de su mujer, Andrew Dufresne (Tim Robbins), tras ser condenado a cadena perpetua, es enviado a la prisión de Shawshank. Con el paso de los años conseguirá ganarse la confianza del director del centro y el respeto de sus compañeros presidiarios, especialmente de Red (Morgan Freeman), el jefe de la mafia de los sobornos.

Valoración: La voz en off de un genial Morgan Freeman nos relata una de las mejores historias de drama dentro de la historia del cine y la mejor dentro del género de drama carcelario. Cadena perpetua es una obra maestra especial. Digo especial porque la película no necesita ni efectos especiales, ni grandes espacios, ni recursos técnicos para triunfar por todo lo alto, cosechando grandes aplausos y elogios entre los espectadores de ayer y hoy. La película es una obra maestra en todos sus sentidos. Pero el punto fuerte de la misma es su esencia, los valores que representa: el aprecio hacia la libertad y la valía de la amistad en momentos difíciles. La trama es un aspecto magistral, el elemento que más pesa en toda la obra y el único que es suficiente para conquistarnos: el curioso e intrigante planteamiento inicial; el perfecto desarrollo de la trama a lo largo de un gran espacio de años en el que nos emparemos de todo tipo de personalidades, sentimientos y ejemplares anécdotas; y el excelente tramo final, desbordante e imprevisible, todo un tramo lleno de giros en la trama y sorpresas inesperadas que nos dejarán muy buen sabor. Los actores Tim Robbins y Morgan Freeman bordan sus papeles, lo hacen de forma magistral, perfectas interpretaciones; la relación de amistad entre sus personajes es mítica dentro de la historia del cine. La película entretiene y atrapa bastante, haciendo que prestes toda tu atención hacia la pantalla, para no perderte ningún detalle. Los personajes y sus historias te conmueven. El final es idílico, narrativamente magistral, uno de los mejores finales dentro de la historia del cine. Cadena perpetua es una genialidad, una obra maestra. Una película de visión obligada para todos aquellos que quieran ver buen cine, buena narrativa, buenos actores y aprender lecciones magistrales sobre la vida.

Lo mejor:

  • El genial planteamiento y desarrollo argumental. Narrativamente perfecto. Natural y de fácil comprensión.
  • Tim Robbins y Morgan Freeman. La voz en off narradora de éste último.
  • Los personajes y sus historias, conmueven.
  • El mejor desenlace de la historia del cine.
  • Los valores que representa.
  • Una total obra maestra del cine.

Lo peor:

  • No se me ocurre nada.


Nota: 9.5


 

 

En tiempo de brujas (2011) –  Fantástico. Terror. Aventuras.

Director: Dominic Sena. Reparto: Nicolas Cage, Ron Perlman, Stephen Graham, Claire Foy, Stephen Campbell Moore, Robert Sheehan […]

¿De qué va? A mediados del siglo XIV, el caballero Lavey (Nicolas Cage) escolta hasta un monasterio a una joven acusada de brujería. Los monjes aseguran que ella es la responsable de que la Peste Negra asole y destruya Europa. Lavey, escéptico, no acepta esta explicación y con un grupo de bravos guerreros emprende un viaje para demostrar la inocencia de la joven, pero el azar los conducirá a un lugar donde les esperan las fuerzas de la oscuridad…

Valoración: Pude ver esta película en el cine el fin de semana pasado, sin mucha capacidad de elección, entre otras películas de estreno como “El rito” o “Sucker Punch”; me hubiese gustado más haber visto alguna de esas dos películas. “En tiempo de brujas”, plantea un buen argumento medieval-sobrenatural que podría haber sido un gran éxito si ésta hubiese presentado mejor montaje, efectos y presupuesto. Digo presupuesto, porque los efectos se quedan bastante ajustados; y digo efectos pobres, porque la película parece de las típicas que se estrenan directamente en DVD y, al poco tiempo, en televisión un domingo por la tarde. Se nota que el nombre de Nicolas Cage pesa y ayuda bastante a la hora de lanzar una película, aunque este actor haya dejado de hacer peliculones como los que hacia antaño. El argumento de la película, aunque flojo a veces, llega a ser interesante y resultón al inicio del film, lástima que a la larga este aspecto decaiga, empobreciendo la trama. El peor apartado de la película es el apartado técnico, efectos muy pobres son los que ajustan bastante el planteamiento del film; haciendo que la obra deje de tener ese brillo que mostraba en el tráiler. Los actores, bueno, en realidad solo hay uno de renombre: Nicolas Cage; ah! Y casi me olvido: el compañero de aventuras del personaje de Nicolas Cage, actor conocido cuyo nombre no recuerdo, ni quiero (y mira que, más arriba, en el reparto lo pone). Sin duda alguna el mejor actor-personaje, pese a sus dogmáticas ideas cliché, es el monje; cuyo actor -Stephen Campbell Moore- es el único que logra hacer un buen papel que encaja en la trama. Antes de abandonar el apartado de personajes me gustaría comentar que, a lo largo de toda la trama, todos viven en constante paranoia y nunca queda claro qué clase de ideas tienen o en que bandos se sitúan; sobretodo Nicolas Cage, más plano que nunca. Regresando al tema técnico del film cabe decir que, en una película mal montada, siempre hay fallos cuya interpretación no entra en la mente de nadie. Mi fallo favorito del film es uno bastante palpable, el del puente ruinoso:
Nuestros cruzados religiosos llegan al típico bosque embrujado/ maldito/ tenebroso/ frío/ oscuro/ de mala fama, etc. Donde ¿Adivináis? Está el típico puente ruinoso a base de maderas y lianas que cruza el angosto acantilado. (¿Dije ya que esta película está llena de insoportables clichés?) Ante  la desagradable y pobre visión de este angosto puente, nuestro valiente de turno (el personaje de Nicolas Cage) se dispone a cruzar con su caballo…Madre mía…se tira un largo tiempo en cruzar, comprobando todas las tablas de madera las cuales se caen a cada pisada, las cuerdas desgastadas que sujetan al puente se van rompiendo, un poco más y Nicolas Cage no pasa con su caballo, le cuesta dios y ayuda. Bien, Nicolas salva su trasero y el de su blanco caballo, ahora toca pasar al resto de la compañía y a… ¡UN CARRO CARCELARIO DE TIPO MEDIEVAL COMPUESTO DE MADERA MACIZA Y PESADA FORJA DE HIERRO! ¡VAMOS! ¡NO ME JODAS! Le cuesta casi la vida pasar a un tío de unos 80-90 kilos con un caballo liviano de unos 500 kilos y ahora pasa un carruaje de madera y metal macizo que pesará unos 400 kilos o mucho más, cargado con una bruja de unos 60 kilos con mucho peso espiritual/infernal (nótese la ironía) y que tiene que ser tirado por dos caballos pesados de 700 kilos en adelante en condiciones normales. Y lo mejor es que Nicolas, tras haber pasado el puente, vuelve atrás para ayudar a tirar del carro…que chico más aplicado a su causa. Con lo que, echar cuentas de lo que tendrá que soportar un puente ruinoso que a duras penas aguanta el peso de Nicolas y su caballo y más tarde tiene que soportar: El gran carro carcelario, los 2 caballos de tiro pesado y los 3 caballos de montura ligera, además de la compañía: compuesta por 5 hombres  equipados con toda la carga de armas, el equipo y los pecados de una bruja con ésta última inclusive. Sumar los varios viajes de ida y vuelta que se tienen que tomar para pasar primero los caballos y el equipo, y luego el carro. Y sí, como ya habréis adivinado, finalmente todos pasan por los pelos y el puente queda totalmente destrozado en el último momento; todos prosiguen su cruzada religiosa.
Y del final ya, ni hablamos, pega un giro totalmente inesperado que no tiene ni pies ni cabeza; todo sucede muy rápido y nada es espectacular. “En tiempo de brujas” es una película con un buen planteamiento inicial pero que se agrava con su flojísimo desarrollo, vacios en la trama y complicación innecesaria; además de un corto presupuesto que le permitieron unos decadentes efectos. La película podría haber sido mejor. Podemos volver a titularla como: “En tiempos de crisis medievales”, “En tiempos de peste” o mejor aún, “Tiempos de crisis en la industria del cine”.  Pese a todo, se deja ver y resulta entretenida para acabar con una aburrida tarde, aunque la película no cale ni nos diga nada, cayendo en el vacío del olvido.
PD: La película apenas dura hora y media y se hace larga.

Lo mejor:

  • El interesante planteamiento argumental inicial, es decir, el tráiler.
  • El personaje del monje, el único que se cree su papel y encaja en la trama.
  • Puede resultar entretenida para acabar con el aburrimiento, o al menos, lo puede intentar.

Lo peor:

  • Muchísima flojedad en la trama. Un ritmo involutivo. Un argumento que va decayendo a lo largo del film, sin que entendamos por qué.
  • Corto presupuesto que significa malos efectos.
  • Tirar de nombres como el de Nicolas Cage para que salve la película y que este actor no consiga hacer nada. Los demás actores tampoco hacen mucho.
  • La bruja, insoportable, aunque diga pocas cosas.
  • Los fallos de montaje y argumentales, que nos dejan atónitos después de meternos unas cuantas bolas, como la del puente ruinoso.
  • La rapidez con la que transcurre el final y cómo éste tiene más pena que gloria.
  • Está llena de típicos clichés ya vistos.


Nota: 5
(A lo mejor he sido demasiado crítico o, por el contrario, muy indulgente; como vosotros lo veáis xD)

 

Espero que os hayan gustado las reseñas. Un saludo!

Alexgc.