El Gran Lebowski

8 12 2011

Si algo echaba en falta este blog eran sus características y propias reseñas. Por ello os traigo mi reseña hacia una de las mejores películas de todos los tiempos. Yo ya la tengo en formato Blu-Ray, dentro de mi colección, y de mis favoritas.

El gran Lebowski (1998) –  Comedia. Comedia negra.

Directores: Joel Cohen, Ethan Cohen. Reparto: Jeff Bridges, John Goodman, John Turturro, Julianne Moore, Steve Buscemi, David Huddleston, Ben Gazzara, Tara Reid, Philip Seymour Hoffman, Loyd Catlett […]

¿De qué va? El Nota (Jeff Bridges), un vago que vive en Los Angeles, un día es confundido por un par de matones con el millonario Jeff Lebowski, con quien sólo comparte apellido. Tras recibir una paliza, inicia la búsqueda de El Gran Lebowski. De su encuentro surgirá un trato: el Nota recibirá una recompensa si consigue encontrar a la mujer del magnate.

Valoración: La comedia más delirante, surrealista y efectiva del cine. “El gran Lebowski” apareció en 1998 a la vez que otras tantas películas que hicieron que apenas resultase visible para la crítica, lo que hizo que la cinta no obtuviese la fama que merecía. No obstante, con el paso del tiempo, se le ha concedido la importancia que merece de forma justa. La explicación a que merezca tanta importancia es que ha sido capaz de marcar a generaciones enteras y hacer reír a cualquiera que se disponga a visionarla.

A día de hoy es una gran conocida entre los amantes del cine ya que ha resultado ser toda una película de culto gracias a sus puntos fuertes y la forma en que quedan plasmados a lo largo de su metraje. Lo que hace de “El gran Lebowski” una película tan especial es a su vez su principal aliciente: Los personajes. A lo largo de la cinta desfilan una infinidad de personajes de personalidades muy representativas y que han creado auténticos estereotipos en el mundo del cine. “El Notas” (Jeff Bridges), protagonista del film, es un personaje que todos llevamos dentro, es esa parte de nosotros que nos llama a vivir la vida a nuestra manera, sin excesos y sin prisas, pero también sin pausas, a nuestra manera; es aquella parte filosófica de nuestro ser que desea vivir y encajar el día a día como mejor se pueda, sin rallar lo estridente pero resultado efectivo. Walker (John Goodman) es esa parte totalmente contraria, el impulso con prisas, lo estridente y a veces chirriante de nuestro ser que, en muchas ocasiones, resulta tener razón. Donny (Steve Buscemi) es aquella parte de nuestro ser que necesita ser determinada por las demás y se limita a presenciar los acontecimientos. Los demás personajes interpretados por grandes actores como Julianne Moore o Turturro son esa guinda que pone la vida en su día a día y que hacen que nos veamos envueltos en los delirios más infructuosos de la vida.

“El gran Lebowski” relata la vida de un vago sin prisas conocido como “El Notas” que vive acorde a su propia filosofía de vida sin prisas; pero eso no le garantiza vivir las situaciones más surrealistas que a uno le puedan acontecer debido a la influencia de terceros, o de uno mismo. El resultado de todo esto es una comedia que nos hará reír hasta decir basta con un humor delirante, nunca antes experimentado, y que bebe de la mejor imaginación de sus realizadores: Los hermanos Cohen. Sendos directores aportan a la trama los toques narrativos más originales y surrealista que el cine ha podido experimentar.

Con especial atención en los detalles, tras visionar “El gran Lebowski”, nos daremos cuenta de que muchas referencias y estereotipos del cine actual beben de esta desbordante fuente de imaginación y originalidad. El ambiente resulta lo más familiar posible, y la acción queda tan acercada a nosotros que nos sumergiremos en las aventuras de “El nota” como un amigo o, más bien, con el objetivo de reclamar aquella parte de nuestro ser que este personaje representa. A todo esto queda sumar unos aspectos argumentales al más puro estilo thriller que asegurarán nuestra máxima atención para seguir las encrucijadas de estos personajes tan dinámicos. Los momentos delirantes, condimentados por una gran notable banda sonora, harán que nunca olvidemos esta película, ni a sus entrañables personajes.

La plantilla del reparto cumple de sobras con su cometido, en especial Jeff Bridges. El personaje de “El Notas” (The Dude en inglés) es uno de los mejores papeles de este mítico actor norteamericano; parece un papel escrito expresamente para él o que, tal vez, Bridges naciese para este papel. Sea como sea, la simbiosis que se crea entre actor/rol es increíble y llega al punto de no poder imaginar a “El Notas” con otra cara o interpretación. Jeff Bridges lo clava y hace de este papel una parte del ser que habita en cada uno de nosotros. Todo un referente. Uno de los personajes más emblemáticos de la historia del cine. John Goodman (Walker) también encuentra uno de sus mejores papeles en esta película, sino el mejor. Turturro da vida a un personaje bastante peculiar capaz de crear una escena que trasciende con gran influencia hasta el punto de contar con grandes versiones en el género humorístico.

La película, además de la gran diversión y el entretenimiento que concede, da lugar a muchas reflexiones y moralejas tales como que el único patrimonio más valeroso y fiable es el presente o que la ingenuidad de los buenos corazones vence al poder tiránico del dinero. Una extraordinaria demostración de como vivir la vida de forma sencilla, sin complejos.

En conclusión, “El gran Lebowski” es toda una caja de sorpresas que debe ser abierta y revelada a todos aquellos amantes del cine que busquen pasar un gran rato con su emblemático, delirante y surrealista humor. También para aquellos que busquen una trama entretenida y con inesperados giros argumentales. Especialmente recomendada -como no- para todos aquellos que ya la hayan visto, porque no solamente estamos hablando de una película, sino de un gran referente del género humorístico que contiene esas partes de nuestro ser que merecen ser atendidas para vivir a nuestro ritmo. Una película con esos personajes que, de una forma u otra, siempre serán recordados. Una obra de culto.

Lo mejor:

  • Los personajes y las grandes interpretaciones que los actores les conceden.
  • Uno de los mejores papeles de Jeff Bridges, “El Notas”.
  • Las continuas dosis de humor, el surrealismo de muchas escenas y los momentos más discordantes y realistas. Chistes desternillantes. Humor inteligente.
  • La trama, lo que promete, lo que va sumando y cómo lo resuelve todo mediante inesperados giros argumentales.
  • Revisionarla una y otra vez, y no cansarse nunca, porque innova y marca.

Lo peor:

  • Nada destacable.

 

Nota: 9

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Masacre V2. Nº 1 Y 2.

10 08 2011

Ahora mismo estoy leyendo algunos números de Masacre, en concreto, recientemente he adquirido los dos primeros números de la su serie regular “Masacre V2”: Masacre V2. Nº 1 (Invasión Secreta) y Masacre V2. Nº 2 (Reinado Oscuro).

 

Masacre V2. Número 1.

 

El primero de ellos, cruce con la saga “Invasión Secreta” en la que un imperio alienígena viene a conquistar la tierra para sorpresa de todos, nos presenta al Masacre más actual, más divertido y peligroso. Puede que el planeta haya sido invadido por los Skrull, pero eso no es más que un día cualquiera en la vida de Wade Wilson. Tiempos de locura requieren de hombres enloquecidos…El guión más divertido y absurdo ridiculiza un tema tan serio como una cruel y fuerte invasión en este número del mercenario bocazas. Todo ello amenizado por el dibujo de Paco Medina, un gran dibujante capaz de esbozar un dibujo actual, definido, fuerte y muy pulido, lo mejor de esta entrega, su dibujo. Masacre tiene algún que otro momento muy divertido, y la trama central, más allá de ser muy sencilla, consigue entretener. Además, este número nos regala una historia autoconclusiva extra en la que Masacre se ve envuelto en un cruel reallity show de supervivencia Un buen número para conocer al mercenario bocazas, pero puede resultar algo lioso si no se conoce un poco el universo Marvel o, simplemente, si el lector no está dispuesto a dejarse llevar por algo de locura. Un buen número, cortito (como la mayoría de los números de una serie regular, 112 páginas) pero entretenido y divertido, muy divertido. Genial para pasar un rato bueno y ligero.

  • Lo mejor: El dibujo. La gran apuesta por el humor y la diversión.
  • Lo peor: Que la trama resulte extremadamente sencilla. Los cómics de Masacre garantizan un entretenimiento justo y divertido, pero por ello falta algo de complejidad.

 

 

Masacre V2. Número 2.

 

El número dos de la serie regular V2 de Masacre se cruza con la saga “Reinado Oscuro” en la que unos cuantos villanos del universo Marvel toman cierto poder sobre la sociedad actual, esta etapa cuestionará el deber de algunos superhéroes y le dará problemas a más de uno. En el anterior número de Invasión Secreta (Masacre v2 nº 1), nuestro antihéroe consigue salvar la situación obteniendo cierta información clave sobre los Skrulls…Pero esa información cae, desafortunadamente, en uno supervillanos con más recursos del universo Marvel. Este hecho le dará a ese villano cierto poder que lo llevará a un puesto importante en la sociedad, puesto que se llevó toda la fama al “salvar” a la humanidad de los Skrulls. El único que sabe la verdad es Masacre, pero ese villano hará todo lo posible por silenciar su bocaza. Entra en escena el agresivo Tiburón-Tigre, uno de los muchos villanos de la casa de las ideas, que hará todo lo posible por capturar a Wade Wilson, vivo o muerto. A su vez, también aparecerá un secundario dispuesto a ayudar al mercenario…¿O no? Otro tomo de la serie regular lleno de humor y mucho cachondeo, si el número anterior era gracioso, éste llega a rozar la paranoia en muchas escenas. Lo imposible se vuelve cierto en muchas circunstancias, dando un resultado sumamente loco. No obstante, la sencillez sigue presente en la serie, con lo que el número se hace corto.

  • Lo mejor: Sigue el humor loco, incrementado las situaciones más inverosímiles y locas a cada momento. El dibujo.
  • Lo peor: Que, a la vez que sigue el humor, también sigue la sencillez…Aunque la saga ya va hilándose.




Reseñas de Cine XI

10 08 2011

Aquí os dejo tres de las películas más significativas del estudio de animación japonés Ghibli. En concreto, del mítico director Hayo Miyazaki, uno de los pilares fundamentales indiscutibles del cine de animación japonés. Junto a los tráilers, os dejo los temas musicales de cada película, toda una delicia para los oidos.

La Princesa Mononoke  (1997) –  Animación. Fantástico. Aventuras.

Director: Hayao Miyazaki. Productora: Miramax International / Tokuma Shoten / Nippon Television / Netword Dentsu / Studio Ghibli pr. una prod. Studio Ghibli.

¿De qué va? Con el fin de curar la herida que le ha causado un jabalí enloquecido, el joven Ashitaka sale en busca del dios Ciervo, pues sólo él puede liberarlo del sortilegio. A lo largo de su periplo descubre cómo los animales del bosque luchan contra hombres que están dispuestos a destruir la Naturaleza.

Valoración: Mágica producción visual que ensalza todos los valores propios de la naturaleza. Desde su excelente animación hasta su brillante argumento, pasando por su increíble banda sonora, la princesa Mononoke es todo un ejercicio fílmico de belleza, naturalidad, magia y romance. La película atrapa desde principo a fin, presentando una trama bastante original a la vez que curiosa y extraña donde animales, esperítus del bosque, hombre y naturaleza se entrelazan. El argumento recuerda a aquellos cuentos que ensalzan la naturaleza frente a la destrucción del hombre, pero con un carácter oriental fuerte.“La princesa Mononoke” se desmarca de los cánones europeos que Miyazaki suele introducir en su obra; si algo diferencia a “La princesa Mononoke” de las demás producciones del estudio Ghibli es su orientación plenamente natural y la introducción de leyenda y mitología japonesa. Por ello, la película nos trae una historia de ensueño con moraleja: La magia de la naturaleza y su necesidad. La trama se desarrolla con buen pie, poniéndonos en la piel del protagonista y planteándonos cada problema que a éste le sucede. Con ello, la trama introduce varias sorpresas y aspectos bastante curiosos a la vez que propios de la mente de su creador, Hayao Miyazaki. La producción puede alargarse y, en algunos momentos, resultar algo lenta debido a la densidad de su planteamiento. Pese a ello, todos los aspectos del film cumplen, dejándonos varios momentos que nos pondrán la piel de gallina. En cuanto al apartado visual, “La princesa Mononoke” es quizás la película de Miyazaki con mayor paisaje y trasfondo natural, dejándonos impactantes y bellas fotografías, resultado de una animación de lujo. La música no se queda atrás, el tema principal resonará en nuestra mente a la par que el carisma de los personajes. La relación de los personajes es bastante real y trabajada, desencadenando diferentes situaciones donde personalidades tan diferentes como parecidas chocarán o se fundirán. La película evoluciona hasta su final, un final de infarto en donde, hasta el último segundo, no sabremos el resultado del film. Una película-crítica poco convencional que gustará a cualquiera que sienta fascinación por el buen cine. Con todo ello, “La princesa Mononoke” es una de las mejores películas del estudio Ghibli y de su creador, Hayao Miyazaki; todo un canto a la vida y a la naturaleza. Una bella producción visual de gran simbolismo mágico.

Lo mejor:

  • Su simbolismo mágico, natural y su defensa de la vida.
  • La moraleja y el planteamiento: Ambición del hombre contra Naturaleza.
  • La relación de los dos personajes principales: el príncipe Ashikata y San, la princesa mononoke.
  • La animación y su espectacularidad en cuanto a entorno y paisajes.
  • La banda sonora, magistral.

Lo peor:

  • Dada la densidad de la trama puede prolongarse y resultar algo larga, pero sin muchos efectos negativos.


Nota: 8.75

 

El viaje de Chihiro  (2001) –  Animación. Fantástico. Aventuras.

Director: Hayao Miyazaki. Productora: Coproducción Japón-USA; Studio Ghibli / Tokuma Shoten / Dentsu / Walt Disney Pictures.

¿De qué va? Chihiro es una niña de 10 años que viaja en coche con sus padres. Después de atravesar un tunel, llegan a un mundo fantástico, en el que no hay lugar para los humanos, sólo existen dioses de primera y segunda clase. Cuando descubre que sus padres han sido convertidos en cerdos, Chihiro se siente muy sola y asustada.

Valoración: Cualquier obra del estudio Ghibli dirigida por Hayao Miyazaki se convierte en una total genialidad. De todas ellas, de la gran carrera del padre de las películas anime, “El viaje de Chihiro” es la más reconocida y galardonada a nivel mundial. Alabada y querida por la crítica, los fans y grandes personalidades del cine a la par “El viaje de Chihiro” no tiene parangón. Un reflexivo y mágico viaje que nos sumerge en las leyendas y mitologías más curiosas de Japón, desde el punto de vista y la genialidad imaginativa de Miyazaki. “El viaje de Chihiro” es equiparable al más de los imaginativos y curiosos sueños que cualquier espectador pueda tener. La película te transporta a un mundo inimaginable donde se dan lugar personajes tan dispares como iguales, simpáticos, entrañables y grotescos. El film nos presenta una trama sumamente original a la par que extraña: Una niña, Chihiro, de unos 10 años de edad deberá enfrentar el destino que le ha tocado y terminar el largo viaje que le ha sido encomendado luchando con las armas más poderosas: la amistad y el amor. La película se desarrolla igual de bien que su personaje principal, la cinta dura unas dos horas, pero el sueño se convierte en un increíble suspiro. Lo mágico de la película reside en que, no sólo Chihiro aprenderá una valiosa lección, sino cualquier persona que se disponga a viajar soñando. La animación toca techo imaginativo, la película nos deja un sinfín de mágicas, impactantes e imaginativas escenas. En cuanto a personajes, por este viaje de ensueño desfilan todo tipo de increíbles personalidades, desde las más inocentes hasta las más terroríficas. La banda sonora es enternecedora, alegre, triste, sentimental y mágica, todo a la par. La genialidad del film reside en no dejar indiferente a nadie, cada espectador puede captar diferentes mensajes y quedarse con diferentes ideas, pero ningún espectador olvidará este imaginativo viaje.
El viaje de Chihiro es poesía en movimiento, imaginación convertida en magia, magia hecha realidad, un sueño convertido en viaje, un viaje efímero, bello y tierno. Un viaje que todos deberíamos recorrer, un sueño que todos deberíamos tener.

Lo mejor:

  • Un viaje, un sueño lleno de imaginación y magia.
  • Una película que no dejará indiferente a nadie. Lo nunca visto. Pura magia.
  • Una obra maestra para el recuerdo. Un clásico de la animación.
  • De lo mejor de Ghibli y Hayao Miyazaki.
  • Grandes momentos, y grandes sentimientos, que te harán soñar.

Lo peor:

  • Nada.


Nota: 9

El Castillo Ambulante  (2004) –  Animación. Fantástico. Aventuras. Romance.

Director: Hayao Miyazaki. Productora: Studio Ghibli.

¿De qué va? Sophie tiene 18 años. Trabaja sin descanso en la tienda de sombreros que mantenía su padre antes de fallecer. En uno de sus poco frecuentes paseos por la ciudad, Sophie conoce al mago Howl, un joven con poderes extraordinarios y extremadamente seductor. Sin embrago, a Sophie le da la impresión de que Howl esconde algo…
El encuentro entre Sophie y Howl no ha pasado desapercibido para la Bruja del Páramo, quien odia visceralmente a Howl. Cuando Sophie vuelve a la tienda, la Bruja, haciéndose pasar por una clienta, la engaña y la hechiza, transformándola en una anciana de 90 años que no puede revelar su verdadera identidad. Sophie, imposibilitada para decirle a sus amigas y compañeras quién es realmente y lo que le ha pasado, se ve obligada a abandonar su casa y decide entonces buscar a Howl para que le ayude a romper el hechizo. Howl vive en un “castillo mágico” que tiene la peculiaridad de trasladarse a voluntad de su dueño. Sophie se adentrará en lo desconocido, en busca del castillo ambulante, perdiéndose en tierras desoladas.

Valoración: Inspirada en la obra del mismo nombre, “El castillo ambulante” es una de las películas de Miyazaki donde más se nota la inspiración Europea, tanto en el entorno y la tradición como en el ambiente en el que se desarrolla la acción. Es usual en las obras de Miyazaki buscar una inspiración internacional, siendo su rincón favorito Europa, viejo continente de tradiciones, campos y atmósfera inconfundible. Al igual que el resto de sus obras, Miyazaki carga este film con unos fuertes mensajes simbolicos que, en el caso del castillo ambulante, son la libertad, el amor, la magia y el conflicto juventud-vejez. Por ello, se trata de una de las peliculas más imaginativas debido a sus distintos roles y elementos. La película presenta una trama de cuento fantástico donde una joven llamada Sophie cae presa de un hechizo que la hace envejecer; la joven deberá buscar su cura en las tierras del páramo, donde habitan todo tipo de seres mágicos y hechizados como brujas y donde pasea el castillo de Howl, la casa errante de un misterioso mago con cierta leyenda negra tras de sí. Pronto, la protagonista comprenderá el valor del tiempo y se dará cuenta de lo que implica la vejez: desde incontables dolores a todos los niveles hasta una sabiduría innata, que la ayudará en su cometido. Sophie no sólo deberá preocuparse en volver a su estado natural sino que aprenderá valiosas lecciones y aprenderá que, más allá de la capa superficial de cada uno, la auténtica magia del ser reside en el corazón. Conocerá y contará con la ayuda del enigmático y superficial Howl al cual deberá enseñar el valor de las cosas y ayudará a comprender el autentico sentido de la libertad en su búsqueda por alcanzarla. La obra también nos presenta diversos personajes que darán un sentido esencial a la obra, complementándola o contra poniéndola a los personajes principales: Desde una desesperada, cansada y codiciosa bruja del páramo hasta un bondadoso espantapájaros con vida propia debido a una fuerte maldición pasando por un gracioso y paranoico demonio del fuego y la inocencia de un joven aprendiz de mago. El autentico peso del ser recae con fuerza en esta obra, pues cada personaje evolucionará a lo largo de la misma, influyendo en el resultado final de la trama. Un desdén de secretos provenientes del pasado e incógnitas del futuro embarcarán a estos personajes en un viaje sin fin, a bordo del mágico y extraño castillo ambulante. Un viaje cuyo mensaje final viene a explicarnos que nada es lo que parece y que la esencia del ser siempre reside en el corazón. La película está íntimamente ligada al género steampunk, una corriente estética de ciencia ficción mediante la cual se presenta una época donde predomina la tecnología del S. XIX (como la energía a vapor y la tecnología mecánica), pero mucho más desarrollada que en nuestro pasado o realidad. Esta especie de retrofuturismo es el toque esencial por el cual la ambientación de la película parece tan mágica y, a su vez, tan extraña. La animación, ligada a este género, es sumamente detallista y completa. La película presenta una animación fluida y con modelados e ideas típicas del estudio Ghibli a la vez que entornos recargados que harán que nuestra vista se pierda en un mundo de inverosímiles detalles. La música, por su parte, ofrece una de las bandas sonoras más representativas del estudio, como es habitual en sus trabajos. El tema principal es un fantasioso vals que incita de forma mágica a los sentidos desde el primer minuto de la película. El ritmo de la película es bueno, se permite el lujo de contar historias y premisas pasadas de lento desarrollo a la vez que una trama de novela que nos engancha y nos incita a saber más. El único punto en contra que se le puede encontrar al film es la ilógica de algunos encuentros o hechos algo repentinos o forzados, pero es algo natural y típico en películas de género fantástico ya que todo lo que ocurra siempre estará conectado en una red de mágicos encuentros y sentimientos. Sentimientos ligados a un viaje de autodescubrimiento y búsqueda, a bordo del misterioso castillo errante de Howl.

Lo mejor:

  • Los personajes y las ricas personalidades depositadas en cada uno de ellos.
  • El mensaje. Nada es lo que parece y que la auténtica esencia reside en el interior de cada uno.
  • La ambientación Steampunk, con originales elementos como el gran Castillo Ambulante.
  • Los sentimientos y los momentos entrecruzados a lo largo de la trama.
  • La banda sonora, con su fantástico vals como tema principal.
  • La evolución de la trama y las sorpresas a lo largo de ésta.

Lo peor:

  • Que algunos, muy pocos, encuentros o hechos puedan resultar algo repentinos o poco desarrollados.


Nota: 8.75





Reseñas de Cine X

9 08 2011

Hola a todos!

Cómo se pasa el verano…Tanto si te aburres como si no, el verano pasa…Ayss. Bueno, aquí os dejo otra tanda de reseñas, de titulos actuales y clásicos de diferentes géneros. Estoy trabajando en otras tandas de reseñas, desde aquí os doy un adelanto de tres de ellas: Una sobre los títulos fílmicos de una famosa saga de cómic americano. Otra, sobre algunas de las mejores películas de animación del estudio japonés Ghibli. Y una más actual, sobre los títulos que han desfilado recientemente por las salas de cine. Aquí os dejo con alguns títulos 😉

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte II (2011) –  Fantástico. Aventuras. Drama.

Director: David Yates. Reparto: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Alan Rickman, Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter, Michael Gambon, John Hurt, Julie Walters, Maggie Smith […]
¿De qué va? El final ha llegado. Harry, Hermione y Ron deberán encontrar la forma de recuperar la espada de Gryffindor que les permitirá destruir los últimos horrocruxes que aún no han encontrado. Mientras tanto Lord Voldemort cada día está más cerca de apoderarse por completo de Hogwarts y de conseguir su objetivo: matar a Harry Potter. La única esperanza de Harry es encontrar los horrocruxes antes de que Voldemort lo encuentre a él. Mientras busca pistas, descubre una antigua y olvidada historia: la leyenda de las reliquias de la muerte. Y si esta resultara ser cierta podría dar al malvado Lord el poder definitivo que ansía. Poco puede imaginar Harry que su futuro está escrito desde que era niño, y ahora se ha de enfrentar a la misión para la que se ha estado preparando desde el día en que pisó Hogwarts por primera vez: la batalla final contra Voldemort.

Valoración: El pasado sábado tuve la ocasión de ver la última película de la saga de magos más conocida de la historia del cine, una entrega que pone fin a una larga trayectoria cinematográfica de nada más y nada menos que siete títulos en diez años, desde que allá en 2001 estrenase su primera película “La piedra filosofal” y la mecha quedase encendida… ¿Habrá hecho Boom? ¿Habrán valido las siete películas que han encandilado a millones de fans en todo el mundo? ¿Tendrá esta rentable saga el apoteosico y esperado final que se merece? La crítica del broche final de una saga de magia con la que todos hemos crecido, teniendo momentos de más y menos acercamientos. La reseña de una de las, quizás, más esperadas películas de la historia del cine a lo que taquilla se refiere.

Primero de todo, he de comenzar enlazando esta reseña con la de la primera parte: . Una reseña en la que la piedad desapareció y dio resultado a un aprobado ligero, corto para algunos y largo para otros: En primer lugar, criticaba bastante el hecho de tener que dividir una película en dos partes, y todo por ganar dinero en taquilla; queridos lectores, existen películas de más de tres y cuatro horas muy buenas, esta practica sólo consigue un clara escisión de cara al resultado final, es decir, la primera parte se hizo muy pesada mientras que la segunda rápida…¿No había posibilidad de consenso? Por otra parte, mientras que la primera hora de la primera parte de las reliquias de la muerte se hacía vertiginosa, prometedora, llena de adrenalina y magia, la segunda hora y parte final de la película se convertían en un ejercicio de profunda reflexión que invitaban a fatigarse en la butaca del cine, una hora y media final muy larga para desencadenar en nada. Una hora y media llena de un drama adolescente muy empalagoso e inoportuno a estas alturas. En conclusión, la primera parte de esta película convertía lo dramático en anecdótico, dada su pesadez, y desenlaza en un final totalmente inconcluso tras el cual estamos como al inicio de la película: Sin saber nada del final, sólo algunos detalles.

Tras esto, he de decir que la segunda parte es todo lo contrario a la primera. La película comienza de forma muy directa, por lo que debemos tener muy fresca la primera parte para no perdernos, desde el principio te mete de lleno. A la vez que directa, la película coge un ritmo muy rápido; los primeros minutos pasan a una velocidad normal, pero conforme avanza la película el ritmo va creciendo…El final se acerca. Y menudo final. La batalla en Howarts, la pena, la crueldad, la desesperación, la lucha y la magia están más presentes que nunca en esta entrega; nadie se lo habría imaginado. Eso si, mientras que la película coge unos tintes muy adultos, los actores y demás personajes edulcoran bastante la trama; dando a entender que, en todo momento, no dejan de ser adolescentes; uno de los puntos en contra. Los efectos especiales, la magia de la fotografía y el increíble sonido golpean más fuerte que nunca con esta entrega. Todo pasa muy rápido; podrían haber unido las dos partes…Hubiese quedado una película muy notable. No obstante, esa prisa ha sido la que ha llevado a esta entrega a no revelar o mostrar todo lo que significa el auténtico final de la saga…Muchos acontecimientos sumamente importantes pasan muy rápido, muchos secretos del libro quedan sin revelar y otros muchos detalles, dignos de un gran final, no aparecen. Esto hace que el final no deje ese sabor épico que prometía…El encontronazo final queda algo descafeinado comparado con otros de la saga y se resuelve muy rápido. Un final que da resultado pero que queda poco épico, muy light. En cuanto al epílogo final…Lo podrían haber hecho bastante mejor…Las caracterizaciones finales no quedan muy allá. No obstante, más allá de eso, la saga Harry Potter se resuelve de una forma rápida y correcta; no da lugar a todos los detalles pero pone un buen broche final que deja recuerdos, emociones y magia, mucha magia.

Lo mejor:

  • Lo trepidante de esta segunda parte, llena de acción, magia y espectacularidad.
  • Algunas situaciones en las que se resuelven puntos claves de la saga.
  • La emoción con la que se plantean algunos personajes.
  • Snape, sobran palabras. La profesora McGonagall en acción, un personaje que da mucho de sí en esta última parte. El trio de protagonistas que, pese a todo, cumplen con el final.
  • El final de una saga muy notable.

Lo peor:

  • Que su mayor virtud frente a la primera parte sea también su problema: La prisa de este film hace que muchos detalles y secretos originales queden sin revelar o estén poco trabajados.
  • El final, para los que hayan leído los libros, habrá quedado muy descafeinado; pero eso es algo que se viene dando en toda la saga.

Nota: 8

 

 

The Karate Kid (2010) –  Acción. Drama. Remake.

Director:Harald Zwart. Reparto: Jaden Smith, Jackie Chan, Taraji P. Henson, Wenwen Han, Rongguang Yu, Zhensu Wu, Zhiheng Wang, Jared Minns, Luke Carberry, Cameron Hillman […]

¿De qué va? Remake adaptado a la época contemporánea del clásico de los 80 “Karate Kid”. Sigue la historia de Dre, un joven skateboarder que se muda a China con su madre soltera por motivos de trabajo. Cuando un matón local empiece a molestarle, el joven encontrará un apoyo en Mr. Han, un hombre que se ofrece a enseñarle artes marciales para defenderse de sus agresores.

Valoración: Me encontraba yo, la otra noche, aburrido, haciendo zapping por los canales de cine de una televisión de pago cuando, de repente, me encuentro con este remake. Un remake que ha llevado a cabo correctamente su función entre el público más comercial, infantil y desinteresado. Una película que, por ello, ha servido bien a sus realizadores ya que, en primer lugar, ha funcionado como un reconfortante globo de oxígeno fresquito a su productora, mientras lanza la carrera del pequeño de los Smith a costa de una historia vista en los ochenta a la cual, pese a haberle cambiado algunas cosillas, añade poca sorpresa. Y todo ello, gracias a la inestimable y bienaventurada ayuda de uno de los mejores actores que pueda haber, Jackie Chan; sin duda, el mejor de la cinta. Jackie ha conseguido un personaje dramático, sabio y enigmático; el mejor actor para el papel de un hombre chimo decaído, que necesita levantarse, mientras enseña kung fu a un pequeño estadounidense, al cual las tortas le llueven, y necesita defenderse en la vida. Un pequeño estadounidense llamado Dre que se muda con su madre a China por motivos de trabajo. Tanto Dre (Jayden Smith), como su madre, descubrirán lo duro que es adaptarse a una cultura tan diferente como es China, en su tradición, costumbres e idioma, mientras intentan llevar a cabo sus vidas. Una vida nueva que nada gusta al joven americano puesto que, los pequeños chinos matones de la escuela le hacen la vida imposible porque va de guay. Más allá de estarle merecido o, más bien, que los pequeños kung fu mortales sean malos de verdad, Dre recurrirá al conserje borracho de su vivienda, Jackie Chan, el cual, además de cargar con un dramático pasado, sabe mucho de Kung Fu. Con ello, nuestro pequeño saltamontes se apuntará a un torneo de artes marciales donde se darán cita los mejores chinos kung fu mortales en un alarde de honor y con el fin de demostrar que, más allá de ser guay, como buen hijo del príncipe de Belair que es, sabe dar patadas. Con ello evitará que le sigan atormentando (ya ves tú) y aprenderá el más puro Kung Fu de la mano del mejor maestro que uno puede tener, Jackie Chan. Bien…Esa es la trama nueva del clásico atemporal-comercial que marcó a los jóvenes allá por los ochenta. Llegados a este punto, cabría especificar algunas diferencias: Mientras que la original respeta el título y se basa en Kárate, en un entorno estadounidense, con un maestro japonés de kárate, un chico americano que también recibe tortas en el instituto y con el puro ideal de las artes marciales como perfeccionamiento de uno mismo en un entorno puramente occidental donde lo oriental es extraño y único…En el remake es al revés: Un chico, el hijo del príncipe de Belair, tiene que mudarse con su madre a China, donde –según sus palabras- todo el mundo sabe Kung Fu y lo occidental es extraño y en donde, a su vez, en el cole habitan unos niños chinos mortales que le atormentarán hasta que éste no demuestre su hombría marcial en un torneo de Kung Fu entrenado bajo la tutela de Jackie Chan. Como podréis comprobar, mientras que ambos títulos guardan parecidos en algunos detalles… ¡Fallan en lo más básico! …¡Es Karate, no Kung Fu! Con esto, aprendemos la primera regla de los productores espabilados: “Utiliza el título de una vieja película taquillera y, mientras sigues algunos de sus detalles, cámbiala radicalmente a la vez que prometes que es un remake pero con cambios sumamente sustanciales, adaptados a la modernidad: Actores de moda, temas de moda, etc.” Podrían haberla llamado “Kung Fu Kid”, pero claro, sonaría muy estridente y todo el mundo hablaría de un plagio independiente…Cosa que, tras ver la película, puedes creerlo o no. Bueno, dejando a un lado las diferencias temporales entre lo original y lo nuevo, “The Karate Kid” revitaliza una vieja producción taquillera con aspectos y temática moderna mezclados con la pura esencia de la China más profunda y oriental a la vez que, un dramático Jackie Chan –actorazo como pocos- salva la cinta de un resultado muy infantil. El pequeño Smith hace una buena interpretación, pero su rol como actor, a parte de la película, está muy marcado por la sombra de sus padres y todo lo que ello conlleva. Con respecto a la original, mientras que la primera fue más impactante y original, este remake pierde parte de esa espectacularidad y se vuelve sumamente tópico y predecible. Las escenas de acción están bien ejecutadas y la peli aporta cierta filosofía que a más de un niño le vendrá bien, pero el resultado, más allá de ser entretenido y contar con una buena interpretación de Chan, no se salva de ser algo infantil.

Lo mejor:

  • Jackie Chan, salva la el resultado final del film, en gran medida.
  • Algunos cambios con respecto a la original que encajan bien en la nueva trama.
  • Pese a que pierde mucho con respecto a la original, se vuelve entretenida y hace que los personajes te resulten cercanos.

Lo peor:

  • Algunos otros cambios, con respecto a la original, que desentonan mucho en la nueva trama.
  • Que pierda mucha origininalidad, espectacularidad y parte de las sorpresas que el planteamiento del film puede suponer.
  • Que hayan reconvertido la idea en algo puramente infantil. Sobre todo con el tema musical de los títulos de crédito, con el Justin Bieber ese… Jayden…Vale que seáis amigos pero, eres el hijo del príncipe de Belair… ¡No me digas que no tienes genes guays! D= Tu padre fue un ídolo juvenil, adorado por todo tipo de público…A diferencia de ese crío amigo tuyo que va de cantante.


Nota: 6

 

 

 


 

 

 

Yo, Robot (2004) –  Ciencia ficción. Thriller. Robots.

Director:Alex Proyas. Reparto: Will Smith, Bridget Moynahan, Bruce Greenwood, Chi McBride, Alan Tudyk, James Cromwell, Jerry Wasserman, Shia LaBeouf […]

¿De qué va?Chicago, año 2035. Vivimos en completa armonía con robots inteligentes. Cocinan para nosotros, conducen nuestros aviones, cuidan de nuestros hijos y confiamos plenamente en ellos debido a que se rigen por las Tres Leyes de la Robótica que nos protegen de cualquier daño. Inesperadamente un robot se ve implicado en el crimen de un brillante científico y el detective Del Spooner (Will Smith) queda a cargo de la investigación.

Valoración: Este título era uno de mis films pendientes, de hace mucho. Debido a las inconveniencias del tiempo y a una incierta predilección por verla o no, Yo Robot era una de esas pequeñas espinitas que, no duelen, pero están presentes. Quizás no me hubiese lanzado a verla antes por un incierto resultado final, o en otras palabras, que me gustase o no; pero como el verano da para mucho y por fin encontré tiempo para aburrirme me dispuse a verla. El resultado, más allá de lo esperado, ha sobrepasado mis expectativas, siendo una película muy buena. La primera duda que te asalta, si te basas en antecedentes o experiencias, es sobre si Will Smith, actor de comedia y pelis varias con fuerte carácter comercial, será capaz de llevar a cabo el papel principal de un interesante thriller de ciencia ficción. En las primeras escenas, para que será lo de siempre, otra película con fin comercial que, pese a tener un buen planteamiento parece que su mensaje residirá más en lo técnico que en lo profundo. No obstante, la enigmática interpretación de Smith y el duelo interno de su personaje hacia los robots, en una sociedad fuertemente tecnológica y robotizada, hace que esa primera duda de película con fin comercial y actor usado para tal film desaparezca. Si algo está claro sobre Will Smith es que es un gran actor, un actor camaleónico capaz de ingerir cualquier papel: Desde el más cómico en series como el príncipe de Belair, hasta el más comercial, pasando por papeles sentimentales y dramáticos, como Soy Leyenda, En busca de la felicidad, Siete almas, etc. En los papeles cómicos, Smith lo clava, ha nacido casi para ello. En los papeles comerciales, donde el refrito abunda, Smith queda algo arrastrado por las incapacidades argumentales de estas feas quimeras cinematográficas infladas por el dinero a fin de conseguir buena taquilla, huir de películas como Wild Wild West, Independence Day y parecidas. Por último, este señor alcanza la cima en producciones imaginativas y ficcionarias como Soy Leyenda y Hombres de negro o en películas sentimentales cargadas de drama como En búsqueda de la felicidad o Siete almas. En Yo Robot no es menos, y Will Smith demuestra encajar perfectamente en el papel y en la situación. Una trama interesantísima, de lo mejor de la ciencia ficción. En una sociedad futura, avanzada y sumamente dependiente de la tecnología robótica a través de máquinas presuntamente fiables y robots sin sentimientos, dispuestos a llevar a cabo todo lo que se les ordenen, uno de ellos conseguirá comprender el complejo psique sentimental humano y dejará de ser uno más del rebaño para encabezar toda una revolución tecnológica. Entre todo ello se encuentra el comisario Del Spooner, un hombre reacio a los robots, de los cuales desconfía en su más profundo ser a cambio de ser mirado como un loco por los demás, absorbidos por la idea de perfección bajo todo ese entramado de metal y cable, que suponen los robots. Este detective será el único capaz de comprender la situación en una sociedad ignorante ante el cambio definitivo, un cambió que supondrá un antes y un después en la futura raza humana y cuyo curso está en manos de dos seres completamente distintos, él y una máquina capaz de comprender el sentimiento humano. Esta trama, inspirada en el libro original “Yo Robot” escrito por uno los padres de la ciencia ficción literaria, Isaac Asimov, resulta de lo más intrigante y prometedora. La película mantiene un climax a lo largo de su desarrollo que nos atrapa de principio a fín. El film cuenta con algunas escenas de más o menos interés, pasando por algunas totalmente buenas y otras algo innecesarias; pero la película nunca pierde comba y nos ofrece un ritmo interesante. Un ritmo marcado por los sustos, el suspense y algunas que otras sorpresas y giros en la trama que nos ayudarán a comprender mejor la situación. Los giros argumentales son los principales motores de la cinta, causantes del éxito final que esta pueda adquirir conforme afronta sus últimas escenas. Y es que, Yo Robot se mueve a través de sorpresas que nos dejarán perplejos, ya que nada es lo que parece y el resultado, más allá de ser predecible, nos resulta totalmente incierto dada la filosofía impuesta por los distintos roles del film. La acción y los efectos especiales, aunque a veces rutinaria, se encargan de dar ese toque de adrenalina necesario en una trama tan compleja y entrelazada. Con todo ello, tenemos un interesante thriller de ciencia ficción que nos sorprenderá con sus constantes giros argumentales, a la vez que nos deja ciertas e imaginativas cuestiones sobre el futuro del ser humano y la frecuente revolución tecnológica en la que éste se ve envuelto. Puede que no resulte ser todo lo determinante o épica que su argumento promete, pero sí que resulta una agradable evasión hacia un futuro imaginativo y nada incierto. Un notable thriller de ciencia ficción que funciona, siendo de lo más característico de su género.

Lo mejor:

  • El planteamiento original y el constante desarrollo de la trama, que se mueve a base de giros y sorpresas argumentales.
  • El rol de algunos personajes, desde el humano más desconfiado hasta la máquina más comprensible.

Lo peor:

  • Puede que la contextualización en cuanto a efectos y acción sea algo tópica o que, más allá de eso, no confluya con todas las ideas futuristas posibles.


Nota: 7.75

 

 

El quinto elemento (1997) –  Ciencia ficción. Acción. Cyberpunk.

Director: Luc Besson . Reparto: Bruce Willis, Gary Oldman, Milla Jovovich, Luke Perry, Ian Holm, Chris Tucker, Brion James, Maïwenn Le Besco[…]

¿De qué va?Chicago, año 2035. Vivimos en completa armonía con robots inteligentes. Cocinan para nosotros, conducen nuestros aviones, cuidan de nuestros hijos y confiamos plenamente en ellos debido a que se rigen por las Tres Leyes de la Robótica que nos protegen de cualquier daño. Inesperadamente un robot se ve implicado en el crimen de un brillante científico y el detective Del Spooner (Will Smith) queda a cargo de la investigación.

Valoración: Siguiendo en mi línea de clara predilección por todo lo contextualizado en un futuro ciberpunk, con todo lo que ello conlleva, fui a por otra de mis películas pendientes. Esta vez le tocó el turno a “El Quinto Elemento”, película con la que me habría cruzado alguna que otra vez desde mi niñez y que siempre me llamó la atención, ya fuera por su extravagante y muy imaginativo contexto, vestuario, entorno o simplemente, a día de hoy, desenfadada, imaginativa y frenética idea de un futuro extravagante arraigado en las más claras costumbres de la sociedad de siempre. En ese sentido, “El Quinto Elemento” es todo un caramelo para todas aquellas mentes inquietas que gusten soñar con futuros tan surrealistas como ciertos o, en otras palabras, tan reales como inverosímiles. La trama, es bastante original, sigue la linea de alguna que otra historia de civilizaciones futuras, ancestrales, perdidas y la existencia de un tipo de energía que cambiará el rumbo de la vida universal cada cierto tiempo. Ese tiempo, ese momento, es ahora; y un grupo de personajes tan entrelazados como dispares se verán metidos en toda una epopeya que les llevará a la salvación o a la destrucción de todo lo que conocen. La apuesta de los personajes, con un excelente reparto que va desde Bruce Willis hasta Gary Oldman, pasando por Milla Jovovich, Chris Tucker e Ian Holm entre otros, es un gran acierto; la historia cuenta con todo tipo de personajes: los que se ven envueltos en su deber con la leyenda, los que casualmente se ven involucrados en la odisea y aquellos que la persiguen por fines egoístas o puramente maliciosos. Todo esto se debe gracias a la imaginación de su director, el francés Luc Besson, que no solo consigue un éxito con su original e imaginativa trama, sino que hace todo tipo de maravillas con su dirección técnica y su apuesta por las escenas, la fotografía y los distintos planos visuales que estas albergan. Es curioso ver como la sensacional dirección del francés va hilando las diferentes escenas de la película con simples detalles o palabras de los distintos personajes lo cual nos mete, aún más si cabe, en la esencia de la trama. Otra de los puntos fuertes de la película es su sensacional sonido, dando un significado totalmente propio y especial a la cinta. “El quinto elemento” cuenta con un sonido tan imaginativo como su propia escenografía, una delicia. Otro punto curioso es el hecho de que, a lo largo de la película, podamos ver algunos de los iconos comerciales de la sociedad actual en un futuro lejano, algo que nos acerca aún más a la trama, aunque ésta esté ubicada miles de años por delante. En conclusión, “El quinto elemento” es una de las mejores películas de su género. Un film de estilo cyberpunk rebosante de imaginación y de una ambientación excelente. Recomendada para todo aficionado al cine, obligada para todo amante de lo futurista.

Lo mejor:

  • La originalidad de su ambientación y su apuesta por el sonido.
  • La trama, y el compromiso que los personajes adquieren con ella.
  • Lo bien hilado que está todo dentro del film: Los momentos, las escenas, los personajes…El quinto elemento es un reloj futurista de precisión exacta, donde todo encaja. 
  • La dirección e imaginación del director; así como la interpretación de los actores del reparto, entre los que se encuentra algunos de los mejores de Hollywood.
  • Que lo curioso y divertido esté presente presente en todo momento; arrancándonos alguna que otra sonrisa.

Lo peor:

  • Puede que este tipo de futuro tan idealizado e imaginativo no guste a todo el público.


Nota: 8

 


Lo mejor de Ruby Rhod (Chris Tucker), la estrella radiofónica de la película:

Un saludo! 😉





Reseñas de Cine IX

11 07 2011

¿Cómo va el verano? Espero que bien. Vamos a refrescarnos un poco con algo del mejor cine actual. Os traigo dos reseñas de cine que no podían faltar en el blog, por lo que marcaron en sus respectivos años de lanzamiento. Dos películas que, desde ya, teneís que ver si aún no lo habéis hecho. 😉

 

Origen (2010) –  Ciencia ficción. Thriller. Intriga.

Director: Christopher Nolan. Reparto: Leonardo DiCaprio, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ellen Page, Tom Hardy, Cillian Murphy, Tom Berenger, Michael Caine […]

¿De qué va? Dom Cobb (DiCaprio) es un experto en el arte de apropiarse, durante el sueño, de los secretos del subconsciente ajeno. La extraña habilidad de Cobb le ha convertido en un hombre muy cotizado en el mundo del espionaje, pero también lo ha condenado a ser un fugitivo y, por consiguiente, a renunciar a llevar una vida normal. Su única oportunidad para cambiar de vida será hacer exactamente lo contrario de lo que ha hecho siempre: la incepción, que consiste en implantar una idea en el subconsciente en lugar de sustraerla. Sin embargo, su plan se complica debido a la intervención de alguien que parece predecir cada uno de sus movimientos, alguien a quien sólo Cobb podrá descubrir.

Valoración: Tuve la oportunidad de poder ver esta película durante su estreno, el verano pasado. Su fama de película larga, profunda y reflexiva me hizo prepararme para visionar la que sería una de las mejores películas del cine actual, y así fue. La propuesta de Origen es bastante original e interesante: adentrarse dentro de los sueños y extraer o introducir una idea en la mente soñadora. Un thriller de ciencia ficción, una maravilla. El hecho de tratarse de un thriller de ciencia ficción y su propuesta argumental suponen los mejores alicientes de la película. La trama es muy buena, y está muy bien montada, distintos planos o niveles dentro de un hilo principal; su maestría en este aspecto hace que tenga mucha profundidad, lo que puede llevarnos a pequeñas confusiones, cabe estar muy atentos. Su genial argumento se complementa con unos efectos técnicos y visuales perfectos, lo que hace de Origen una delicia visual. El sonido es sobrecogedor, crea una atmosfera de thriller impactante. Los personajes están muy bien planteados, y los actores cumplen de sobras con su papel. La trama plasma muchos giros y sorpresas a lo largo de su desarrollo; el ritmo de Origen nunca decae, es pura adrenalina. La película me impactó, me maravilló. Salí del cine con la idea de tener que comprarla en cuanto estuviese en venta, y así fue, una joya de Blu-Ray.

En conclusión, Origen es una de las mejores películas del cine actual: Sobrecogedora, innovadora y original. Impactante. El mejor thriller de ciencia ficción. Nunca habrás visto nada igual. Una obra maestra del cine.

Lo mejor:

  • El mejor thriller de ciencia ficción del cine actual.
  • La gran apuesta del reparto, con grandes interpretaciones.
  • El sonido, una banda sonora brutal.
  • Sobrecogedora. Innovadora. Original. Nunca has visto nada igual.
  • El final… Cada uno que se quede con lo que quiera.

Lo peor:

  • Por poner algo, lo complejo de la trama y la necesidad de estar totalmente atento a la pantalla…Pero eso no es, para nada, algo malo.


Nota: 10

 

 

Avatar  (2009) –  Ciencia ficción. Aventuras. Fantástico. Romance

Director: James Cameron. Reparto: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodríguez, Giovanni Ribisi […]

¿De qué va? Año 2154. Jake Sully (Sam Worthington), un ex-marine condenado a vivir en una silla de ruedas, sigue siendo, a pesar de ello, un auténtico guerrero. Precisamente por ello ha sido designado para ir a Pandora, donde algunas empresas están extrayendo un mineral extraño que podría resolver la crisis energética de la Tierra. Para contrarrestar la toxicidad de la atmósfera de Pandora, se ha creado el programa Avatar, gracias al cual los humanos “conductores” mantienen sus conciencias unidas a un avatar: un cuerpo biológico controlado de forma remota que puede sobrevivir en el aire letal. Esos cuerpos han sido creados con ADN humano, mezclado con ADN de los nativos de Pandora, los Na’vi. Convertido en avatar, Jake puede caminar otra vez. Su misión consiste en infiltrarse entre los Na’vi, que se han convertido en el mayor obstáculo para la extracción del mineral. Pero cuando Neytiri, una bella Na’vi (Zoe Saldana), salva la vida de Jake, todo cambia: Jake es admitido en su clan, tras superar muchas pruebas. Mientras, los hombres esperan que la información obtenida por Jake les sea útil.

Valoración:  A dar caña…En primer lugar, no creo que haga falta hablar sobre la trama de Avatar o crear un análisis completo del argumento; si lo hiciera, estaría comentando otras películas anteriores a ésta, como Pocahontas, El último samurái, Atlantis, Bailando con Lobos, El último Mohicano…Todas esas películas, de contextos, situaciones y detalles muy diferentes no dejan de tener la misma trama central; si las habéis visto, sabréis por qué. Por lo tanto, bajo mi opinión, en cuanto a trama, Avatar se merece un suspenso…¿Por qué? Pues porque lo esencial de la trama no aporta nada nuevo u original al mundo del cine, porque este tipo de historias en las que dos civilizaciones en pos de colonización se ven enfrentadas con un amor apasionante en medio ya están muy vistas. Quizás, la originalidad de Avatar, reside en la recreación de un contexto y un mundo sumamente bello y maravilloso, donde la tecnología y la avanzada animación digital están a la orden del día. La trama se merece un suspenso, pero queda rescatada por el contexto de la misma. Con esto, Avatar ya estaría con un aprobado justo, de no ser por los efectos especiales…Ay! Queridos efectos especiales… Transmisores de animaciones, colores, movimientos y grandes sensaciones… Caros y altamente difíciles efectos especiales…Que bien viene tener a mano 500 millones de dólares para ganarse a la taquilla, críticos y demás…La sensación del público podrá darle el triunfo a Avatar, como la película más taquillera de la historia, pero ni la cantidad de espectadores, ni la tecnología, ni 500 millones de dólares salvan a Avatar de un análisis cinéfilo profundo. Seamos realistas, hay películas mucho mejores que, con un presupuesto sumamente pobre, superan a Avatar por la trama…Querida trama, eres sumamente importante…pero qué poco te valoran a veces cuando hay dinero de por medio. En conclusión, Avatar, o como yo la llamo: Pocahontas + 500 millones de dólares, es una película de trama vista, pero de un contexto sublime, armonizado por unos geniales e impactantes efectos especiales…En cuanto a tecnología…Chapó, me encantó.

Unos dicen que es una película sobresaliente o muy buena, otros dicen que es una película sumamente sobrevalorada…Para mí, éstos últimos tienen razón. Avatar podrá haber conseguido records de taquilla y haber marcado en el mercado del cine por su inflado presupuesto y genial tecnología…Pero, con un presupuesto 500 millones de dólares y la última tecnología…Ya podrían haber elaborado algo mucho más original, en cuanto a trama. De haber sido así, Avatar no tendría rival.

 

Lo mejor:

  • La avanzadísima tecnología y animación digital. Sobresaliente.
  • La ambientación, el contexto, la recreación de Pandora.
  • La atmósfera que la película crea a través de un correcto sonido y de unos maravillosos colores y efectos visuales, una delicia para los sentidos.
  • Que la película haya amortizado la inflada cantidad que costó.

Lo peor:

  • La trama. No es, para nada, original. Le quita mucho mérito.
  • Con 500 millones de dólares podrían haber hecho cosas muchísimo mejores en cuanto a argumento.
  • Que se abandonen ciertas calidades cinematográficas por tener un presupuesto tan elevando y una gran pretensión de triunfo en taquilla.
  • Que Avatar pueda marcar estilo en el cine actual, con una historia floja que no da para más…No mola.


Nota: 7.75





[Escenas de cine] Uno para todos, y todos para uno.

30 05 2011

Inauguro una nueva entrada a raíz de una idea que me ha venido a la mente mientras recordaba una de las mejores escenas de cine que he visto en mi vida, acompañada por una de mis BSO favoritas. Como ya habréis imaginado, se trata de una nueva sección de cine en la que, en cada entrega, os traeré algunas de las mejores escenas del cine bajo mi criterio. Así mismo, os explicaré la escena, el por qué de mi impresión y os pediré vuestra opinión.

Hoy os traigo una película de época, basada en una leyenda tan latente como misteriosa: El hombre de la máscara de hierro. La película recrea un conocido mito que surgió durante el reinado de Luis XIV, enriquecido por la leyenda novelesca de los  tres mosqueteros -la guardia real del rey- y sus más conocidas figuras: D’Artagnan, Aramis, Porthos y Athos.
Recomiendo esta película a todo aquel que no la haya visto, pues es una producción ficticia bastante entretenida, reveladora e intrigante.

La escena (Puede contener spoilers)

Los tres mosqueteros, D’Artagnan y “El hombre de la máscara de hierro” (no diré quién es, espero que veáis la película xD) se encuentran rodeados por el rey y su guardia real, predestinados a un trágico destino. Sin escapatoria posible, el grupo de héroes decide luchar hasta el final, haciendo honor a su máxima y cometido:

– D’Artagnan, son mosqueteros jóvenes -exclama Aramis rompiendo el incómodo y trágico silencio- se han destetado con nuestra leyenda, nos veneran. Esa es una gran ventaja.

– Sí. ¿Por qué no les atacamos? -Continua Porthos, apoyando la idea de Aramis.

– Yo les he adiestrado, y se que se batirán hasta la muerte. -D’Artagnan desecha la idea, haciendo alarde a las máximas de los mosqueteros y al honor de los mismos- Pero si hay que morir, si debemos morir, mejor que sea así.

Los valientes mosqueteros vuelven a juntar sus espadas -por última vez- y con su frase “Todos para uno, y uno para todos” se encomiendan a su destino, que no es otro que luchar por su cometido hasta el final: Proteger y sacar a la luz el misterio que envuelve a “El hombre de la máscara de hierro”.

En el otro lado del pasillo, la guardia del rey apunta con sus mosquetes a un corredor vacío, esperando la débil carga de su valiente enemigo. La tensión en el ambiente se hace fuerte, poderosa; tanto los armados como los desarmados tienen miedo, se entregan a un destino incierto: un destino de honor o muerte.

Sin mayor dilación, los héroes cargan con un poderoso grito y cruzan la esquina del angosto pasillo. Esta será su carga final, y lucharán hasta la muerte. Los soldados, atónitos, contemplan la escena: Cinco valientes hombres corren hacia un escuadrón de mosqueteros, sin mayor defensa que un simple sable. El auténtico significado de soldado, mosquetero y hombre queda palpable en esa valerosa escena y pronto, la guardia del rey comienza a dudar ya que, quietos y en silencio, no pueden hacer otra cosa que contemplar tan honorable acto. Un escuadrón de numerosos soldados queda hipnotizado por la valentía de unos pocos hombres.

– ¡Qué magnificio valor! – Exclama el hipnotizado capitán de la guardia real.

– Disparad… -El rey, impasible, rasga y corta la heroicidad de la escena con un grito lleno de odio- ¡Fuego!

La guardia real, incapaz de desobedecer las órdenes del mismísimo rey, abre fuego. Pero ninguno de ellos apunta al objetivo, acaban de presenciar una heroica acción procedente de auténticos hombres, y eso lo saben apreciar. Unos desvían el tiro, otros simplemente cierran los ojos, dejando la trayectoria de la bala en las frías manos del destino. Un gran número de balas perdidas, sin rumbo, cruzan el lúgubre pasillo. Pronto, la escena se llena de humo, una densa cortina gris que no deja ver la situación impregna el corredor. ¿Qué habrá sido de esos cinco valientes?

Segundos después, desde la misma incertidumbre, desde la mismísima muerte, surgen un grupo de valerosos hombres, héroes que, dolidos y sin fuerzas, siguen blandiendo el acero que una vez juraron batir hasta la muerte.  La guardia real, sorprendida, cesa su ataque y se rinde ante tan honorable escena. La voluntad de un grupo de valientes, dispuestos a luchar hasta la muerte, ha vencido.

[…]

Espero que os haya gustado mi narración de la escena, esto de escribir relatos me gusta bastante jajaja xD En cuanto a la escena, a mi me encanta. Como ya he comentado en la narración, la heroicidad y valentía de un grupo de hombres capaces de luchar hasta la muerte con tal de cumplir su cometido no tiene parangón. Una de mis escenas  favoritas del cine. Aprovecho para recomendar esta película a todo aquel lector/a que no la haya visto aún.

¿Qué os ha parecido la escena? ¿Habéis visto esta película? ¿Qué opinión os reporta?

PD: La leyenda de “El hombre de la máscara de hierro” existe. Y el personaje fue real. Lo que nunca se supo es quién fue tal prisionero, pero formó parte de la historia, de eso no hay duda. Nunca se supo su identidad, pero se barajan varias teorías e hipótesis: Unos comentan que fue un hermano gemelo oculto de Luis XIV o que, de otro modo, era el hermano bastardo e ilegítimo del mismo; algunos sostienen que fue el mismísimo dramaturgo Molière; otros dicen que fue el ministro de finanzas del rey, o un simple estafador o espía apresado . En un futuro dedicaré un artículo para desentrañar los misterios que envuelven a este personaje tan intrigante.

Un saludo! 😀
Alexgc.





Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (2011) – Tráiler y primeros pósters!!

22 05 2011

De piedra, con la boca abierta, sorprendido, maravillado, emocionado e ilusionado. Así es como me he quedado tras encontrarme con esta noticia…Ya están aquí los primeros detalles a nivel visual del esperadísimo largometraje de las aventuras del héroe del cómic europeo: Tintín. La película, realizada integramente por ordenador, se estrenará en todo el mundo estas navidades y la podremos disfrutar en 2D y 3D.

“El secreto del unicornio” será la primera entrega de una trilogía de películas basadas en los cómics del detective europeo más famoso del cómic, creado por el autor belga Hergé. La saga cinematográfica estará coproducida y dirigida por Steven Spielberg y Peter Jackson.

Soy un gran fan de las aventuras de Tintín, de pequeño tuve la suerte de hacerme con la colección entera de sus cómics y de disfrutar leyendo sus maravillosas historias. Las peripecias e investigaciones de Tintín me abrieron la mente a nuevos paises, leyendas, historias y desafios, una de esas joyas que dejan huella. Sin duda alguna, Tintín es uno de mis héroes del cómic favoritos. Uno de los personajes elementales de mi infancia. Veré la película encuanto se estrene, es un título muy esperado y no he visto nada igual en cuanto a animación. Tiene muy buena pinta 😀

Un saludo!
Alexgc