Masacre V2. Nº 1 Y 2.

10 08 2011

Ahora mismo estoy leyendo algunos números de Masacre, en concreto, recientemente he adquirido los dos primeros números de la su serie regular “Masacre V2”: Masacre V2. Nº 1 (Invasión Secreta) y Masacre V2. Nº 2 (Reinado Oscuro).

 

Masacre V2. Número 1.

 

El primero de ellos, cruce con la saga “Invasión Secreta” en la que un imperio alienígena viene a conquistar la tierra para sorpresa de todos, nos presenta al Masacre más actual, más divertido y peligroso. Puede que el planeta haya sido invadido por los Skrull, pero eso no es más que un día cualquiera en la vida de Wade Wilson. Tiempos de locura requieren de hombres enloquecidos…El guión más divertido y absurdo ridiculiza un tema tan serio como una cruel y fuerte invasión en este número del mercenario bocazas. Todo ello amenizado por el dibujo de Paco Medina, un gran dibujante capaz de esbozar un dibujo actual, definido, fuerte y muy pulido, lo mejor de esta entrega, su dibujo. Masacre tiene algún que otro momento muy divertido, y la trama central, más allá de ser muy sencilla, consigue entretener. Además, este número nos regala una historia autoconclusiva extra en la que Masacre se ve envuelto en un cruel reallity show de supervivencia Un buen número para conocer al mercenario bocazas, pero puede resultar algo lioso si no se conoce un poco el universo Marvel o, simplemente, si el lector no está dispuesto a dejarse llevar por algo de locura. Un buen número, cortito (como la mayoría de los números de una serie regular, 112 páginas) pero entretenido y divertido, muy divertido. Genial para pasar un rato bueno y ligero.

  • Lo mejor: El dibujo. La gran apuesta por el humor y la diversión.
  • Lo peor: Que la trama resulte extremadamente sencilla. Los cómics de Masacre garantizan un entretenimiento justo y divertido, pero por ello falta algo de complejidad.

 

 

Masacre V2. Número 2.

 

El número dos de la serie regular V2 de Masacre se cruza con la saga “Reinado Oscuro” en la que unos cuantos villanos del universo Marvel toman cierto poder sobre la sociedad actual, esta etapa cuestionará el deber de algunos superhéroes y le dará problemas a más de uno. En el anterior número de Invasión Secreta (Masacre v2 nº 1), nuestro antihéroe consigue salvar la situación obteniendo cierta información clave sobre los Skrulls…Pero esa información cae, desafortunadamente, en uno supervillanos con más recursos del universo Marvel. Este hecho le dará a ese villano cierto poder que lo llevará a un puesto importante en la sociedad, puesto que se llevó toda la fama al “salvar” a la humanidad de los Skrulls. El único que sabe la verdad es Masacre, pero ese villano hará todo lo posible por silenciar su bocaza. Entra en escena el agresivo Tiburón-Tigre, uno de los muchos villanos de la casa de las ideas, que hará todo lo posible por capturar a Wade Wilson, vivo o muerto. A su vez, también aparecerá un secundario dispuesto a ayudar al mercenario…¿O no? Otro tomo de la serie regular lleno de humor y mucho cachondeo, si el número anterior era gracioso, éste llega a rozar la paranoia en muchas escenas. Lo imposible se vuelve cierto en muchas circunstancias, dando un resultado sumamente loco. No obstante, la sencillez sigue presente en la serie, con lo que el número se hace corto.

  • Lo mejor: Sigue el humor loco, incrementado las situaciones más inverosímiles y locas a cada momento. El dibujo.
  • Lo peor: Que, a la vez que sigue el humor, también sigue la sencillez…Aunque la saga ya va hilándose.
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Masacre, el mercenario bocazas.

10 08 2011

Masacre (Deadpool).

En el mundo Marvel, imaginad un mercnario cuya personalidad y habilidades sean resultado de haber sido sometido al programa paramilitar del gobierno canadiense conocido como Arma X (Para todos aquellos asiduos al mundo Marvel, X-Men, y conocedores de Lobezno, sabreís de que hablo…Sí, el proyecto que le hizo a Lobezno ser como es). Bien, ahora imaginad que el experimento en ese mismo mercenario -llamado Wade Wilson-, que se sometió a ese proyecto para librase de una enfermedad terminal, fuese un fracaso. El resultado de ese proyecto fue un mercenario con habilidades sobrehumanas y un factor curativo muy superior al habitual, gracias a cual sale indemne de cualquier tipo de herida, fractura o contusión…pero con el precio de quedar desfigurado y mentalmente inestable. Ahí tenemos a nuestro antihéroe, Masacre, un mercenario con una increible habilidad -y un estado mental bastante tocado- que actúa como héroe o villano en distintas historietas de Marvel. Estamos hablando de uno de los personajes más graciosos de la casa de las ideas (Marvel, para todos los alejados al tema) y, hablando en plata, el más loco de todos ellos. Apodado Merc with a Mouth (el mercenario bocazas, en español), normalmente actúa enfundado en un traje de colores rojo y negro y lleva su rostro cubierto para proteger su verdadera identidad (Wilson Wade) además de sus horribles cicatrices. Es a menudo catalogado como un mercenario, un villano,héroe o un antihéroe. Se caracteriza porque en sus conversaciones son constantes las referencias a la cultura popular y la utilización del sarcasmo y humor negro. Además es un personaje que rompe “la cuarta pared”, es decir, un personaje que es capaz de salirse de la historia momentáneamente, para dialogar o exponer sus puntos de vista al lector.

Masacre surgió, como personaje adicional en distintas historietas de Marvel, a finales de la década de los 90. Pronto alcanzó cierto exito y reconocimento entre los lectores, logrando una gran aceptación; mérito que lo llevaría a protagonizar distintas series regulares (series propias de un mismo personaje, en la cual es el protagonista y todo gira en torno a él) y crossovers (series que presentan una trama en la cual distitnos personajes se cruzan). Gracias a su humor, sarcasmo, chistes y gags Masacre logró alcanzar su propio lugar en el universo de los cómics Marvel. A lo largo de su recorrido se ha topado con diferentes personajes de la editorial, personajes de X-Men como Cable, Lobezno…personajes autónomos como Spiderman, todo tipo de villanos, etc.

Masacre y su compañero de aventuras, en su conocido crossover "Cable y Masacre".

Hace poco que conozco a Masacre (Deadpool es su nombre en inglés), pero desde que lo descubrí me llamó bastante la atención. Agradezco mucho el humor en un buen cómic, y el humor chorra ya…hace de la lectura toda una risa; y es algo que agradezco de este personaje, que aún en los momentos más duros o serios, siempre tenga una coletilla con la que despreocuparse del asunto. Más allá de eso, me gusta la temática de los superhéroes realistas, los auténticos, los que son golpeados, los que sangran…Los que no son perfectos ni sumamente serios, vaya. Masacre encaja ahí, es un héroe, pero no pierde su humanidad…Además de estar jodidamente loco y soltar alguna que otra chorrada. Eso si, como buen mercenario, siempre estará en un bando u otro…No es el malo, pero tampoco es el bueno…Es simplemente Masacre, un antihéroe que intenta sobrevivir.

Masacre protagonizó su propia serie regular a finales de los 90, desde entonces ha reccorido diversas series regulares como la versión “Masacre V3” cuya primera etapa será recopilada, en breves, por la editorial Panini Comics en España. Además de sus propias series, Masacre ha protagonizado su crossover más famoso junto a Cable de los X-Men en “Cable y Masacre” así como en la saga de Marvel Civil War. Nuestro antihéroe ha ido adaptándose a otras sagas de Marvel como Marvel Zombies cuya divertida y grotesca aparición quedó recogida en dos tomos publicados por Panini Cómics bajo la línea 100% Marvel “Masacre: El Mercenario Zombie 1 y 2”. De la linea 100% Marvel también son los dos tomos pertenecientes a su saga “Masacre Corps”. De la misma línea es también el tomo único “La guerra de Wade Wilson”. Nuestro antihéroe también se enfrenta al universo marvel en el tomo del mismo nombre “Masacre vs El universo Marvel” bajo la línea Héroes Marvel. Estos últimos títulos son tomos recopilatorios publicados bajo la editorial Panini en España, de las diferentes historias del mercenario bocazas. Por último, su serie regular más actual queda recogida en “Masacre V2” en la que cada número trae una historia continuativa de Masacre contextualizada en diferentes sagas de Marvel. La serie regular V2 está siendo publicada actualmente por Panini Cómics y ya lleva ocho números.

Masacre aconseja a Spiderman, sobre cómo debe ir equipado un mercenario.

 





Reseñas de Cine XI

10 08 2011

Aquí os dejo tres de las películas más significativas del estudio de animación japonés Ghibli. En concreto, del mítico director Hayo Miyazaki, uno de los pilares fundamentales indiscutibles del cine de animación japonés. Junto a los tráilers, os dejo los temas musicales de cada película, toda una delicia para los oidos.

La Princesa Mononoke  (1997) –  Animación. Fantástico. Aventuras.

Director: Hayao Miyazaki. Productora: Miramax International / Tokuma Shoten / Nippon Television / Netword Dentsu / Studio Ghibli pr. una prod. Studio Ghibli.

¿De qué va? Con el fin de curar la herida que le ha causado un jabalí enloquecido, el joven Ashitaka sale en busca del dios Ciervo, pues sólo él puede liberarlo del sortilegio. A lo largo de su periplo descubre cómo los animales del bosque luchan contra hombres que están dispuestos a destruir la Naturaleza.

Valoración: Mágica producción visual que ensalza todos los valores propios de la naturaleza. Desde su excelente animación hasta su brillante argumento, pasando por su increíble banda sonora, la princesa Mononoke es todo un ejercicio fílmico de belleza, naturalidad, magia y romance. La película atrapa desde principo a fin, presentando una trama bastante original a la vez que curiosa y extraña donde animales, esperítus del bosque, hombre y naturaleza se entrelazan. El argumento recuerda a aquellos cuentos que ensalzan la naturaleza frente a la destrucción del hombre, pero con un carácter oriental fuerte.“La princesa Mononoke” se desmarca de los cánones europeos que Miyazaki suele introducir en su obra; si algo diferencia a “La princesa Mononoke” de las demás producciones del estudio Ghibli es su orientación plenamente natural y la introducción de leyenda y mitología japonesa. Por ello, la película nos trae una historia de ensueño con moraleja: La magia de la naturaleza y su necesidad. La trama se desarrolla con buen pie, poniéndonos en la piel del protagonista y planteándonos cada problema que a éste le sucede. Con ello, la trama introduce varias sorpresas y aspectos bastante curiosos a la vez que propios de la mente de su creador, Hayao Miyazaki. La producción puede alargarse y, en algunos momentos, resultar algo lenta debido a la densidad de su planteamiento. Pese a ello, todos los aspectos del film cumplen, dejándonos varios momentos que nos pondrán la piel de gallina. En cuanto al apartado visual, “La princesa Mononoke” es quizás la película de Miyazaki con mayor paisaje y trasfondo natural, dejándonos impactantes y bellas fotografías, resultado de una animación de lujo. La música no se queda atrás, el tema principal resonará en nuestra mente a la par que el carisma de los personajes. La relación de los personajes es bastante real y trabajada, desencadenando diferentes situaciones donde personalidades tan diferentes como parecidas chocarán o se fundirán. La película evoluciona hasta su final, un final de infarto en donde, hasta el último segundo, no sabremos el resultado del film. Una película-crítica poco convencional que gustará a cualquiera que sienta fascinación por el buen cine. Con todo ello, “La princesa Mononoke” es una de las mejores películas del estudio Ghibli y de su creador, Hayao Miyazaki; todo un canto a la vida y a la naturaleza. Una bella producción visual de gran simbolismo mágico.

Lo mejor:

  • Su simbolismo mágico, natural y su defensa de la vida.
  • La moraleja y el planteamiento: Ambición del hombre contra Naturaleza.
  • La relación de los dos personajes principales: el príncipe Ashikata y San, la princesa mononoke.
  • La animación y su espectacularidad en cuanto a entorno y paisajes.
  • La banda sonora, magistral.

Lo peor:

  • Dada la densidad de la trama puede prolongarse y resultar algo larga, pero sin muchos efectos negativos.


Nota: 8.75

 

El viaje de Chihiro  (2001) –  Animación. Fantástico. Aventuras.

Director: Hayao Miyazaki. Productora: Coproducción Japón-USA; Studio Ghibli / Tokuma Shoten / Dentsu / Walt Disney Pictures.

¿De qué va? Chihiro es una niña de 10 años que viaja en coche con sus padres. Después de atravesar un tunel, llegan a un mundo fantástico, en el que no hay lugar para los humanos, sólo existen dioses de primera y segunda clase. Cuando descubre que sus padres han sido convertidos en cerdos, Chihiro se siente muy sola y asustada.

Valoración: Cualquier obra del estudio Ghibli dirigida por Hayao Miyazaki se convierte en una total genialidad. De todas ellas, de la gran carrera del padre de las películas anime, “El viaje de Chihiro” es la más reconocida y galardonada a nivel mundial. Alabada y querida por la crítica, los fans y grandes personalidades del cine a la par “El viaje de Chihiro” no tiene parangón. Un reflexivo y mágico viaje que nos sumerge en las leyendas y mitologías más curiosas de Japón, desde el punto de vista y la genialidad imaginativa de Miyazaki. “El viaje de Chihiro” es equiparable al más de los imaginativos y curiosos sueños que cualquier espectador pueda tener. La película te transporta a un mundo inimaginable donde se dan lugar personajes tan dispares como iguales, simpáticos, entrañables y grotescos. El film nos presenta una trama sumamente original a la par que extraña: Una niña, Chihiro, de unos 10 años de edad deberá enfrentar el destino que le ha tocado y terminar el largo viaje que le ha sido encomendado luchando con las armas más poderosas: la amistad y el amor. La película se desarrolla igual de bien que su personaje principal, la cinta dura unas dos horas, pero el sueño se convierte en un increíble suspiro. Lo mágico de la película reside en que, no sólo Chihiro aprenderá una valiosa lección, sino cualquier persona que se disponga a viajar soñando. La animación toca techo imaginativo, la película nos deja un sinfín de mágicas, impactantes e imaginativas escenas. En cuanto a personajes, por este viaje de ensueño desfilan todo tipo de increíbles personalidades, desde las más inocentes hasta las más terroríficas. La banda sonora es enternecedora, alegre, triste, sentimental y mágica, todo a la par. La genialidad del film reside en no dejar indiferente a nadie, cada espectador puede captar diferentes mensajes y quedarse con diferentes ideas, pero ningún espectador olvidará este imaginativo viaje.
El viaje de Chihiro es poesía en movimiento, imaginación convertida en magia, magia hecha realidad, un sueño convertido en viaje, un viaje efímero, bello y tierno. Un viaje que todos deberíamos recorrer, un sueño que todos deberíamos tener.

Lo mejor:

  • Un viaje, un sueño lleno de imaginación y magia.
  • Una película que no dejará indiferente a nadie. Lo nunca visto. Pura magia.
  • Una obra maestra para el recuerdo. Un clásico de la animación.
  • De lo mejor de Ghibli y Hayao Miyazaki.
  • Grandes momentos, y grandes sentimientos, que te harán soñar.

Lo peor:

  • Nada.


Nota: 9

El Castillo Ambulante  (2004) –  Animación. Fantástico. Aventuras. Romance.

Director: Hayao Miyazaki. Productora: Studio Ghibli.

¿De qué va? Sophie tiene 18 años. Trabaja sin descanso en la tienda de sombreros que mantenía su padre antes de fallecer. En uno de sus poco frecuentes paseos por la ciudad, Sophie conoce al mago Howl, un joven con poderes extraordinarios y extremadamente seductor. Sin embrago, a Sophie le da la impresión de que Howl esconde algo…
El encuentro entre Sophie y Howl no ha pasado desapercibido para la Bruja del Páramo, quien odia visceralmente a Howl. Cuando Sophie vuelve a la tienda, la Bruja, haciéndose pasar por una clienta, la engaña y la hechiza, transformándola en una anciana de 90 años que no puede revelar su verdadera identidad. Sophie, imposibilitada para decirle a sus amigas y compañeras quién es realmente y lo que le ha pasado, se ve obligada a abandonar su casa y decide entonces buscar a Howl para que le ayude a romper el hechizo. Howl vive en un “castillo mágico” que tiene la peculiaridad de trasladarse a voluntad de su dueño. Sophie se adentrará en lo desconocido, en busca del castillo ambulante, perdiéndose en tierras desoladas.

Valoración: Inspirada en la obra del mismo nombre, “El castillo ambulante” es una de las películas de Miyazaki donde más se nota la inspiración Europea, tanto en el entorno y la tradición como en el ambiente en el que se desarrolla la acción. Es usual en las obras de Miyazaki buscar una inspiración internacional, siendo su rincón favorito Europa, viejo continente de tradiciones, campos y atmósfera inconfundible. Al igual que el resto de sus obras, Miyazaki carga este film con unos fuertes mensajes simbolicos que, en el caso del castillo ambulante, son la libertad, el amor, la magia y el conflicto juventud-vejez. Por ello, se trata de una de las peliculas más imaginativas debido a sus distintos roles y elementos. La película presenta una trama de cuento fantástico donde una joven llamada Sophie cae presa de un hechizo que la hace envejecer; la joven deberá buscar su cura en las tierras del páramo, donde habitan todo tipo de seres mágicos y hechizados como brujas y donde pasea el castillo de Howl, la casa errante de un misterioso mago con cierta leyenda negra tras de sí. Pronto, la protagonista comprenderá el valor del tiempo y se dará cuenta de lo que implica la vejez: desde incontables dolores a todos los niveles hasta una sabiduría innata, que la ayudará en su cometido. Sophie no sólo deberá preocuparse en volver a su estado natural sino que aprenderá valiosas lecciones y aprenderá que, más allá de la capa superficial de cada uno, la auténtica magia del ser reside en el corazón. Conocerá y contará con la ayuda del enigmático y superficial Howl al cual deberá enseñar el valor de las cosas y ayudará a comprender el autentico sentido de la libertad en su búsqueda por alcanzarla. La obra también nos presenta diversos personajes que darán un sentido esencial a la obra, complementándola o contra poniéndola a los personajes principales: Desde una desesperada, cansada y codiciosa bruja del páramo hasta un bondadoso espantapájaros con vida propia debido a una fuerte maldición pasando por un gracioso y paranoico demonio del fuego y la inocencia de un joven aprendiz de mago. El autentico peso del ser recae con fuerza en esta obra, pues cada personaje evolucionará a lo largo de la misma, influyendo en el resultado final de la trama. Un desdén de secretos provenientes del pasado e incógnitas del futuro embarcarán a estos personajes en un viaje sin fin, a bordo del mágico y extraño castillo ambulante. Un viaje cuyo mensaje final viene a explicarnos que nada es lo que parece y que la esencia del ser siempre reside en el corazón. La película está íntimamente ligada al género steampunk, una corriente estética de ciencia ficción mediante la cual se presenta una época donde predomina la tecnología del S. XIX (como la energía a vapor y la tecnología mecánica), pero mucho más desarrollada que en nuestro pasado o realidad. Esta especie de retrofuturismo es el toque esencial por el cual la ambientación de la película parece tan mágica y, a su vez, tan extraña. La animación, ligada a este género, es sumamente detallista y completa. La película presenta una animación fluida y con modelados e ideas típicas del estudio Ghibli a la vez que entornos recargados que harán que nuestra vista se pierda en un mundo de inverosímiles detalles. La música, por su parte, ofrece una de las bandas sonoras más representativas del estudio, como es habitual en sus trabajos. El tema principal es un fantasioso vals que incita de forma mágica a los sentidos desde el primer minuto de la película. El ritmo de la película es bueno, se permite el lujo de contar historias y premisas pasadas de lento desarrollo a la vez que una trama de novela que nos engancha y nos incita a saber más. El único punto en contra que se le puede encontrar al film es la ilógica de algunos encuentros o hechos algo repentinos o forzados, pero es algo natural y típico en películas de género fantástico ya que todo lo que ocurra siempre estará conectado en una red de mágicos encuentros y sentimientos. Sentimientos ligados a un viaje de autodescubrimiento y búsqueda, a bordo del misterioso castillo errante de Howl.

Lo mejor:

  • Los personajes y las ricas personalidades depositadas en cada uno de ellos.
  • El mensaje. Nada es lo que parece y que la auténtica esencia reside en el interior de cada uno.
  • La ambientación Steampunk, con originales elementos como el gran Castillo Ambulante.
  • Los sentimientos y los momentos entrecruzados a lo largo de la trama.
  • La banda sonora, con su fantástico vals como tema principal.
  • La evolución de la trama y las sorpresas a lo largo de ésta.

Lo peor:

  • Que algunos, muy pocos, encuentros o hechos puedan resultar algo repentinos o poco desarrollados.


Nota: 8.75