Fullmetal Alchemist.

15 08 2011

En Agosto de 2001 comenzó a publicarse, en Japón, uno de los primeros clásicos manga de este siglo. Hablo de uno de los mejores shonen publicados en estos últimos años. Hablo de una obra que recientemente llegó a su fin, el pasado Junio de 2010 en territorio japonés, con un total de veintisiete volúmenes. Un excelente manga de aventuras que ha cosechado diversos premios en el panorama nacional e internacional, entre los que se encuentra el premio Shogakukan (uno de los más prestigiosos galardones manga anuales de Japón) al mejor shonen en 2004. Una historia que ha vendido y cautivado millones de números y de fans en todo el mundo. Estoy hablando, sin duda alguna, de Fullmetal Alchemist; uno de los mejores shonen de los últimos años y uno de los primeros clásicos de este siglo. Obra escrita y dibujada por la mangaka Hiromu Arakawa. El éxito cosechado por el manga le llevó a ser adaptado a una serie de anime producida por el estudio BONES y emitida entre los años 2003 y 2004. Fruto de esta primera serie fue también la película titulada “Fullmetal Alchemist: El conquistador de Shamballa”. Años más tarde se crearía una segunda serie titulada “Fullmetal Alchemist: Brotherhood”, más fiel al argumento original del manga, emitida entre 2009 y 2010. La serie también ha dado lugar a una novela ligera, animaciones originales, CD’s, diverso merchandising y videojuegos.

  • Argumento:

Los hermanos Edward y Alphonse Elric viven en un mundo donde la magia y la alquimia existen y se pueden practicar. Después de la muerte de su madre, juntos tratarán de resucitarla a través de la alquimia. Pero algo sale mal y Edward pierde un brazo y una pierna, y el espíritu de Alphonse acaba relegado en una vieja armadura.

Para poder recuperar sus cuerpos deciden apuntarse al ejército de Amestris, en la división de alquimistas, para así poder seguir investigando sobre “la piedra filosofal” que puede devolverlos a la normalidad. Lo que no esperaban descubrir es que detrás de la piedra filosofal hay toda una conspiración escondida para destruir el mundo entero tal y como lo conocemos…

El manga y la serie anime homónima desembarcaron en España en 2006, año de la fiebre manga. El año 2006 quedará recordado, entre los aficionados a este mundo del manga y la animación japonesa, como el año de mayor éxito en toda la década, el año en el que el manga y el anime moderno se implantaron de forma definitiva en numerosos ámbitos de la sociedad y con vistas a un futuro brillante. El año en que numerosas sagas de gran éxito desembarcaron en diferentes formatos y siguieron publicándose hasta la fecha (One Piece, Naruto, Fullmetal Alchemist, etc.). Uno de esos años en los que la cultura da un gran paso. Todo ello, gracias a series exitosas como la que hoy nos ocupa.

En cuanto a mí, por aquellos años, también me dio la fiebre del manga y anime. Una afición que ya tenía desde pequeño gracias a series como Dragonball, Oliver y Benji, Doraemon, etc. Mi predilección e interés por este mundo del cómic y la cultura japonesa en general me venía de pequeño, pero fue en estos años (2004-2006) cuando realmente se desarrolló toda mi afición. El descubrimiento personal de series clásicas y nuevas me llevó a nuevas posibilidades de entretenimiento y afición. Desde aquel momento ya era un fan asiduo a este interesante mundo de papel y animación. En cuanto a Fullmetal Alchemist, pude encontrarme con ella desde que se desató su afición en territorio nacional, por foros y demás. Su amplia fama y gran reconocimiento me llevaron a saber algunos aspectos de la serie sin apenas seguirla. Pasaron los años, en los que dejé la afición un poco apartada; hasta hará un año o dos atrás, momento en el que redescubrí aquello a lo que me aferré tanto tiempo hace ya cuatro o cinco años. Desde entonces, llevo descubriendo, comprando, leyendo o visionado nuevas series. En todo momento estuvo presente Fullmetal Alchemist, pero puede que lo pasara siempre por alto o que el mero hecho de conocerla de hace tiempo me llevase a no seguirla correctamente. Hasta ahora, momento en el que me estoy aferrando a esta obra maestra del manga y anime.

Dadas las diferencias entre el manga y las dos ediciones animadas, actualmente estoy siguiendo la primera serie animada de Fullmetal Alchemist; la cual en su comienzo es fiel al manga pero, en su mitad, se desvía hacia otra trama inventada con respecto a la trama original del manga. Tras ver parte de la serie anime y afianzarme en mi voluntad hacia esta serie, me compraré y empezaré la serie manga, cuya publicación en España terminó el pasado mes de Julio desde que Norma Editorial la publicase allá por 2006. Mi principal objetivo es leerme la serie manga (la trama principal) y luego compararla con el primer anime así como llevarme sorpresas originales que la serie no muestra. Todo un lujo a la hora de descubrir algo. Tras acabar el primer anime e ir avanzado con el manga, comenzaré a ver la serie “Brotherhood”, cuya trama guarda más fidelidad con la obra manga original.

En estos momentos ya llevo algunos capítulos de la primera serie, así como un par de brotherhood y alguna lectura al primer tomo del manga. Con ello, he podido comprobar que la trama se diferencia mucho entre los tres formatos y que será todo un descubrimiento, lleno de sorpresas, leerse el manga y ver las series. Siguiendo el plan que me he fijado, seguiré avanzado la primera temporada del anime y en breve me gustaría empezar a comprar y leer el manga. Por ahora estoy descubriendo una gran historia de aventuras donde su mayor éxito reside en la apuesta por los personajes. Unos personajes profundos y realistas, con unas relaciones aún más certeras que albergan todo tipo de secretos, intrigas y sorpresas. Todo un gran shonen de aventuras llamado Fullmetal Alchemist. Espero ir reseñando capítulos y tomos conforme vaya viendo/leyendo la serie.

Un saludo! 😉





Masacre V2. Nº 1 Y 2.

10 08 2011

Ahora mismo estoy leyendo algunos números de Masacre, en concreto, recientemente he adquirido los dos primeros números de la su serie regular “Masacre V2”: Masacre V2. Nº 1 (Invasión Secreta) y Masacre V2. Nº 2 (Reinado Oscuro).

 

Masacre V2. Número 1.

 

El primero de ellos, cruce con la saga “Invasión Secreta” en la que un imperio alienígena viene a conquistar la tierra para sorpresa de todos, nos presenta al Masacre más actual, más divertido y peligroso. Puede que el planeta haya sido invadido por los Skrull, pero eso no es más que un día cualquiera en la vida de Wade Wilson. Tiempos de locura requieren de hombres enloquecidos…El guión más divertido y absurdo ridiculiza un tema tan serio como una cruel y fuerte invasión en este número del mercenario bocazas. Todo ello amenizado por el dibujo de Paco Medina, un gran dibujante capaz de esbozar un dibujo actual, definido, fuerte y muy pulido, lo mejor de esta entrega, su dibujo. Masacre tiene algún que otro momento muy divertido, y la trama central, más allá de ser muy sencilla, consigue entretener. Además, este número nos regala una historia autoconclusiva extra en la que Masacre se ve envuelto en un cruel reallity show de supervivencia Un buen número para conocer al mercenario bocazas, pero puede resultar algo lioso si no se conoce un poco el universo Marvel o, simplemente, si el lector no está dispuesto a dejarse llevar por algo de locura. Un buen número, cortito (como la mayoría de los números de una serie regular, 112 páginas) pero entretenido y divertido, muy divertido. Genial para pasar un rato bueno y ligero.

  • Lo mejor: El dibujo. La gran apuesta por el humor y la diversión.
  • Lo peor: Que la trama resulte extremadamente sencilla. Los cómics de Masacre garantizan un entretenimiento justo y divertido, pero por ello falta algo de complejidad.

 

 

Masacre V2. Número 2.

 

El número dos de la serie regular V2 de Masacre se cruza con la saga “Reinado Oscuro” en la que unos cuantos villanos del universo Marvel toman cierto poder sobre la sociedad actual, esta etapa cuestionará el deber de algunos superhéroes y le dará problemas a más de uno. En el anterior número de Invasión Secreta (Masacre v2 nº 1), nuestro antihéroe consigue salvar la situación obteniendo cierta información clave sobre los Skrulls…Pero esa información cae, desafortunadamente, en uno supervillanos con más recursos del universo Marvel. Este hecho le dará a ese villano cierto poder que lo llevará a un puesto importante en la sociedad, puesto que se llevó toda la fama al “salvar” a la humanidad de los Skrulls. El único que sabe la verdad es Masacre, pero ese villano hará todo lo posible por silenciar su bocaza. Entra en escena el agresivo Tiburón-Tigre, uno de los muchos villanos de la casa de las ideas, que hará todo lo posible por capturar a Wade Wilson, vivo o muerto. A su vez, también aparecerá un secundario dispuesto a ayudar al mercenario…¿O no? Otro tomo de la serie regular lleno de humor y mucho cachondeo, si el número anterior era gracioso, éste llega a rozar la paranoia en muchas escenas. Lo imposible se vuelve cierto en muchas circunstancias, dando un resultado sumamente loco. No obstante, la sencillez sigue presente en la serie, con lo que el número se hace corto.

  • Lo mejor: Sigue el humor loco, incrementado las situaciones más inverosímiles y locas a cada momento. El dibujo.
  • Lo peor: Que, a la vez que sigue el humor, también sigue la sencillez…Aunque la saga ya va hilándose.




Masacre, el mercenario bocazas.

10 08 2011

Masacre (Deadpool).

En el mundo Marvel, imaginad un mercnario cuya personalidad y habilidades sean resultado de haber sido sometido al programa paramilitar del gobierno canadiense conocido como Arma X (Para todos aquellos asiduos al mundo Marvel, X-Men, y conocedores de Lobezno, sabreís de que hablo…Sí, el proyecto que le hizo a Lobezno ser como es). Bien, ahora imaginad que el experimento en ese mismo mercenario -llamado Wade Wilson-, que se sometió a ese proyecto para librase de una enfermedad terminal, fuese un fracaso. El resultado de ese proyecto fue un mercenario con habilidades sobrehumanas y un factor curativo muy superior al habitual, gracias a cual sale indemne de cualquier tipo de herida, fractura o contusión…pero con el precio de quedar desfigurado y mentalmente inestable. Ahí tenemos a nuestro antihéroe, Masacre, un mercenario con una increible habilidad -y un estado mental bastante tocado- que actúa como héroe o villano en distintas historietas de Marvel. Estamos hablando de uno de los personajes más graciosos de la casa de las ideas (Marvel, para todos los alejados al tema) y, hablando en plata, el más loco de todos ellos. Apodado Merc with a Mouth (el mercenario bocazas, en español), normalmente actúa enfundado en un traje de colores rojo y negro y lleva su rostro cubierto para proteger su verdadera identidad (Wilson Wade) además de sus horribles cicatrices. Es a menudo catalogado como un mercenario, un villano,héroe o un antihéroe. Se caracteriza porque en sus conversaciones son constantes las referencias a la cultura popular y la utilización del sarcasmo y humor negro. Además es un personaje que rompe “la cuarta pared”, es decir, un personaje que es capaz de salirse de la historia momentáneamente, para dialogar o exponer sus puntos de vista al lector.

Masacre surgió, como personaje adicional en distintas historietas de Marvel, a finales de la década de los 90. Pronto alcanzó cierto exito y reconocimento entre los lectores, logrando una gran aceptación; mérito que lo llevaría a protagonizar distintas series regulares (series propias de un mismo personaje, en la cual es el protagonista y todo gira en torno a él) y crossovers (series que presentan una trama en la cual distitnos personajes se cruzan). Gracias a su humor, sarcasmo, chistes y gags Masacre logró alcanzar su propio lugar en el universo de los cómics Marvel. A lo largo de su recorrido se ha topado con diferentes personajes de la editorial, personajes de X-Men como Cable, Lobezno…personajes autónomos como Spiderman, todo tipo de villanos, etc.

Masacre y su compañero de aventuras, en su conocido crossover "Cable y Masacre".

Hace poco que conozco a Masacre (Deadpool es su nombre en inglés), pero desde que lo descubrí me llamó bastante la atención. Agradezco mucho el humor en un buen cómic, y el humor chorra ya…hace de la lectura toda una risa; y es algo que agradezco de este personaje, que aún en los momentos más duros o serios, siempre tenga una coletilla con la que despreocuparse del asunto. Más allá de eso, me gusta la temática de los superhéroes realistas, los auténticos, los que son golpeados, los que sangran…Los que no son perfectos ni sumamente serios, vaya. Masacre encaja ahí, es un héroe, pero no pierde su humanidad…Además de estar jodidamente loco y soltar alguna que otra chorrada. Eso si, como buen mercenario, siempre estará en un bando u otro…No es el malo, pero tampoco es el bueno…Es simplemente Masacre, un antihéroe que intenta sobrevivir.

Masacre protagonizó su propia serie regular a finales de los 90, desde entonces ha reccorido diversas series regulares como la versión “Masacre V3” cuya primera etapa será recopilada, en breves, por la editorial Panini Comics en España. Además de sus propias series, Masacre ha protagonizado su crossover más famoso junto a Cable de los X-Men en “Cable y Masacre” así como en la saga de Marvel Civil War. Nuestro antihéroe ha ido adaptándose a otras sagas de Marvel como Marvel Zombies cuya divertida y grotesca aparición quedó recogida en dos tomos publicados por Panini Cómics bajo la línea 100% Marvel “Masacre: El Mercenario Zombie 1 y 2”. De la linea 100% Marvel también son los dos tomos pertenecientes a su saga “Masacre Corps”. De la misma línea es también el tomo único “La guerra de Wade Wilson”. Nuestro antihéroe también se enfrenta al universo marvel en el tomo del mismo nombre “Masacre vs El universo Marvel” bajo la línea Héroes Marvel. Estos últimos títulos son tomos recopilatorios publicados bajo la editorial Panini en España, de las diferentes historias del mercenario bocazas. Por último, su serie regular más actual queda recogida en “Masacre V2” en la que cada número trae una historia continuativa de Masacre contextualizada en diferentes sagas de Marvel. La serie regular V2 está siendo publicada actualmente por Panini Cómics y ya lleva ocho números.

Masacre aconseja a Spiderman, sobre cómo debe ir equipado un mercenario.

 





Reseñas de Cine XI

10 08 2011

Aquí os dejo tres de las películas más significativas del estudio de animación japonés Ghibli. En concreto, del mítico director Hayo Miyazaki, uno de los pilares fundamentales indiscutibles del cine de animación japonés. Junto a los tráilers, os dejo los temas musicales de cada película, toda una delicia para los oidos.

La Princesa Mononoke  (1997) –  Animación. Fantástico. Aventuras.

Director: Hayao Miyazaki. Productora: Miramax International / Tokuma Shoten / Nippon Television / Netword Dentsu / Studio Ghibli pr. una prod. Studio Ghibli.

¿De qué va? Con el fin de curar la herida que le ha causado un jabalí enloquecido, el joven Ashitaka sale en busca del dios Ciervo, pues sólo él puede liberarlo del sortilegio. A lo largo de su periplo descubre cómo los animales del bosque luchan contra hombres que están dispuestos a destruir la Naturaleza.

Valoración: Mágica producción visual que ensalza todos los valores propios de la naturaleza. Desde su excelente animación hasta su brillante argumento, pasando por su increíble banda sonora, la princesa Mononoke es todo un ejercicio fílmico de belleza, naturalidad, magia y romance. La película atrapa desde principo a fin, presentando una trama bastante original a la vez que curiosa y extraña donde animales, esperítus del bosque, hombre y naturaleza se entrelazan. El argumento recuerda a aquellos cuentos que ensalzan la naturaleza frente a la destrucción del hombre, pero con un carácter oriental fuerte.“La princesa Mononoke” se desmarca de los cánones europeos que Miyazaki suele introducir en su obra; si algo diferencia a “La princesa Mononoke” de las demás producciones del estudio Ghibli es su orientación plenamente natural y la introducción de leyenda y mitología japonesa. Por ello, la película nos trae una historia de ensueño con moraleja: La magia de la naturaleza y su necesidad. La trama se desarrolla con buen pie, poniéndonos en la piel del protagonista y planteándonos cada problema que a éste le sucede. Con ello, la trama introduce varias sorpresas y aspectos bastante curiosos a la vez que propios de la mente de su creador, Hayao Miyazaki. La producción puede alargarse y, en algunos momentos, resultar algo lenta debido a la densidad de su planteamiento. Pese a ello, todos los aspectos del film cumplen, dejándonos varios momentos que nos pondrán la piel de gallina. En cuanto al apartado visual, “La princesa Mononoke” es quizás la película de Miyazaki con mayor paisaje y trasfondo natural, dejándonos impactantes y bellas fotografías, resultado de una animación de lujo. La música no se queda atrás, el tema principal resonará en nuestra mente a la par que el carisma de los personajes. La relación de los personajes es bastante real y trabajada, desencadenando diferentes situaciones donde personalidades tan diferentes como parecidas chocarán o se fundirán. La película evoluciona hasta su final, un final de infarto en donde, hasta el último segundo, no sabremos el resultado del film. Una película-crítica poco convencional que gustará a cualquiera que sienta fascinación por el buen cine. Con todo ello, “La princesa Mononoke” es una de las mejores películas del estudio Ghibli y de su creador, Hayao Miyazaki; todo un canto a la vida y a la naturaleza. Una bella producción visual de gran simbolismo mágico.

Lo mejor:

  • Su simbolismo mágico, natural y su defensa de la vida.
  • La moraleja y el planteamiento: Ambición del hombre contra Naturaleza.
  • La relación de los dos personajes principales: el príncipe Ashikata y San, la princesa mononoke.
  • La animación y su espectacularidad en cuanto a entorno y paisajes.
  • La banda sonora, magistral.

Lo peor:

  • Dada la densidad de la trama puede prolongarse y resultar algo larga, pero sin muchos efectos negativos.


Nota: 8.75

 

El viaje de Chihiro  (2001) –  Animación. Fantástico. Aventuras.

Director: Hayao Miyazaki. Productora: Coproducción Japón-USA; Studio Ghibli / Tokuma Shoten / Dentsu / Walt Disney Pictures.

¿De qué va? Chihiro es una niña de 10 años que viaja en coche con sus padres. Después de atravesar un tunel, llegan a un mundo fantástico, en el que no hay lugar para los humanos, sólo existen dioses de primera y segunda clase. Cuando descubre que sus padres han sido convertidos en cerdos, Chihiro se siente muy sola y asustada.

Valoración: Cualquier obra del estudio Ghibli dirigida por Hayao Miyazaki se convierte en una total genialidad. De todas ellas, de la gran carrera del padre de las películas anime, “El viaje de Chihiro” es la más reconocida y galardonada a nivel mundial. Alabada y querida por la crítica, los fans y grandes personalidades del cine a la par “El viaje de Chihiro” no tiene parangón. Un reflexivo y mágico viaje que nos sumerge en las leyendas y mitologías más curiosas de Japón, desde el punto de vista y la genialidad imaginativa de Miyazaki. “El viaje de Chihiro” es equiparable al más de los imaginativos y curiosos sueños que cualquier espectador pueda tener. La película te transporta a un mundo inimaginable donde se dan lugar personajes tan dispares como iguales, simpáticos, entrañables y grotescos. El film nos presenta una trama sumamente original a la par que extraña: Una niña, Chihiro, de unos 10 años de edad deberá enfrentar el destino que le ha tocado y terminar el largo viaje que le ha sido encomendado luchando con las armas más poderosas: la amistad y el amor. La película se desarrolla igual de bien que su personaje principal, la cinta dura unas dos horas, pero el sueño se convierte en un increíble suspiro. Lo mágico de la película reside en que, no sólo Chihiro aprenderá una valiosa lección, sino cualquier persona que se disponga a viajar soñando. La animación toca techo imaginativo, la película nos deja un sinfín de mágicas, impactantes e imaginativas escenas. En cuanto a personajes, por este viaje de ensueño desfilan todo tipo de increíbles personalidades, desde las más inocentes hasta las más terroríficas. La banda sonora es enternecedora, alegre, triste, sentimental y mágica, todo a la par. La genialidad del film reside en no dejar indiferente a nadie, cada espectador puede captar diferentes mensajes y quedarse con diferentes ideas, pero ningún espectador olvidará este imaginativo viaje.
El viaje de Chihiro es poesía en movimiento, imaginación convertida en magia, magia hecha realidad, un sueño convertido en viaje, un viaje efímero, bello y tierno. Un viaje que todos deberíamos recorrer, un sueño que todos deberíamos tener.

Lo mejor:

  • Un viaje, un sueño lleno de imaginación y magia.
  • Una película que no dejará indiferente a nadie. Lo nunca visto. Pura magia.
  • Una obra maestra para el recuerdo. Un clásico de la animación.
  • De lo mejor de Ghibli y Hayao Miyazaki.
  • Grandes momentos, y grandes sentimientos, que te harán soñar.

Lo peor:

  • Nada.


Nota: 9

El Castillo Ambulante  (2004) –  Animación. Fantástico. Aventuras. Romance.

Director: Hayao Miyazaki. Productora: Studio Ghibli.

¿De qué va? Sophie tiene 18 años. Trabaja sin descanso en la tienda de sombreros que mantenía su padre antes de fallecer. En uno de sus poco frecuentes paseos por la ciudad, Sophie conoce al mago Howl, un joven con poderes extraordinarios y extremadamente seductor. Sin embrago, a Sophie le da la impresión de que Howl esconde algo…
El encuentro entre Sophie y Howl no ha pasado desapercibido para la Bruja del Páramo, quien odia visceralmente a Howl. Cuando Sophie vuelve a la tienda, la Bruja, haciéndose pasar por una clienta, la engaña y la hechiza, transformándola en una anciana de 90 años que no puede revelar su verdadera identidad. Sophie, imposibilitada para decirle a sus amigas y compañeras quién es realmente y lo que le ha pasado, se ve obligada a abandonar su casa y decide entonces buscar a Howl para que le ayude a romper el hechizo. Howl vive en un “castillo mágico” que tiene la peculiaridad de trasladarse a voluntad de su dueño. Sophie se adentrará en lo desconocido, en busca del castillo ambulante, perdiéndose en tierras desoladas.

Valoración: Inspirada en la obra del mismo nombre, “El castillo ambulante” es una de las películas de Miyazaki donde más se nota la inspiración Europea, tanto en el entorno y la tradición como en el ambiente en el que se desarrolla la acción. Es usual en las obras de Miyazaki buscar una inspiración internacional, siendo su rincón favorito Europa, viejo continente de tradiciones, campos y atmósfera inconfundible. Al igual que el resto de sus obras, Miyazaki carga este film con unos fuertes mensajes simbolicos que, en el caso del castillo ambulante, son la libertad, el amor, la magia y el conflicto juventud-vejez. Por ello, se trata de una de las peliculas más imaginativas debido a sus distintos roles y elementos. La película presenta una trama de cuento fantástico donde una joven llamada Sophie cae presa de un hechizo que la hace envejecer; la joven deberá buscar su cura en las tierras del páramo, donde habitan todo tipo de seres mágicos y hechizados como brujas y donde pasea el castillo de Howl, la casa errante de un misterioso mago con cierta leyenda negra tras de sí. Pronto, la protagonista comprenderá el valor del tiempo y se dará cuenta de lo que implica la vejez: desde incontables dolores a todos los niveles hasta una sabiduría innata, que la ayudará en su cometido. Sophie no sólo deberá preocuparse en volver a su estado natural sino que aprenderá valiosas lecciones y aprenderá que, más allá de la capa superficial de cada uno, la auténtica magia del ser reside en el corazón. Conocerá y contará con la ayuda del enigmático y superficial Howl al cual deberá enseñar el valor de las cosas y ayudará a comprender el autentico sentido de la libertad en su búsqueda por alcanzarla. La obra también nos presenta diversos personajes que darán un sentido esencial a la obra, complementándola o contra poniéndola a los personajes principales: Desde una desesperada, cansada y codiciosa bruja del páramo hasta un bondadoso espantapájaros con vida propia debido a una fuerte maldición pasando por un gracioso y paranoico demonio del fuego y la inocencia de un joven aprendiz de mago. El autentico peso del ser recae con fuerza en esta obra, pues cada personaje evolucionará a lo largo de la misma, influyendo en el resultado final de la trama. Un desdén de secretos provenientes del pasado e incógnitas del futuro embarcarán a estos personajes en un viaje sin fin, a bordo del mágico y extraño castillo ambulante. Un viaje cuyo mensaje final viene a explicarnos que nada es lo que parece y que la esencia del ser siempre reside en el corazón. La película está íntimamente ligada al género steampunk, una corriente estética de ciencia ficción mediante la cual se presenta una época donde predomina la tecnología del S. XIX (como la energía a vapor y la tecnología mecánica), pero mucho más desarrollada que en nuestro pasado o realidad. Esta especie de retrofuturismo es el toque esencial por el cual la ambientación de la película parece tan mágica y, a su vez, tan extraña. La animación, ligada a este género, es sumamente detallista y completa. La película presenta una animación fluida y con modelados e ideas típicas del estudio Ghibli a la vez que entornos recargados que harán que nuestra vista se pierda en un mundo de inverosímiles detalles. La música, por su parte, ofrece una de las bandas sonoras más representativas del estudio, como es habitual en sus trabajos. El tema principal es un fantasioso vals que incita de forma mágica a los sentidos desde el primer minuto de la película. El ritmo de la película es bueno, se permite el lujo de contar historias y premisas pasadas de lento desarrollo a la vez que una trama de novela que nos engancha y nos incita a saber más. El único punto en contra que se le puede encontrar al film es la ilógica de algunos encuentros o hechos algo repentinos o forzados, pero es algo natural y típico en películas de género fantástico ya que todo lo que ocurra siempre estará conectado en una red de mágicos encuentros y sentimientos. Sentimientos ligados a un viaje de autodescubrimiento y búsqueda, a bordo del misterioso castillo errante de Howl.

Lo mejor:

  • Los personajes y las ricas personalidades depositadas en cada uno de ellos.
  • El mensaje. Nada es lo que parece y que la auténtica esencia reside en el interior de cada uno.
  • La ambientación Steampunk, con originales elementos como el gran Castillo Ambulante.
  • Los sentimientos y los momentos entrecruzados a lo largo de la trama.
  • La banda sonora, con su fantástico vals como tema principal.
  • La evolución de la trama y las sorpresas a lo largo de ésta.

Lo peor:

  • Que algunos, muy pocos, encuentros o hechos puedan resultar algo repentinos o poco desarrollados.


Nota: 8.75





Reseñas de Cine X

9 08 2011

Hola a todos!

Cómo se pasa el verano…Tanto si te aburres como si no, el verano pasa…Ayss. Bueno, aquí os dejo otra tanda de reseñas, de titulos actuales y clásicos de diferentes géneros. Estoy trabajando en otras tandas de reseñas, desde aquí os doy un adelanto de tres de ellas: Una sobre los títulos fílmicos de una famosa saga de cómic americano. Otra, sobre algunas de las mejores películas de animación del estudio japonés Ghibli. Y una más actual, sobre los títulos que han desfilado recientemente por las salas de cine. Aquí os dejo con alguns títulos 😉

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte II (2011) –  Fantástico. Aventuras. Drama.

Director: David Yates. Reparto: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Alan Rickman, Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter, Michael Gambon, John Hurt, Julie Walters, Maggie Smith […]
¿De qué va? El final ha llegado. Harry, Hermione y Ron deberán encontrar la forma de recuperar la espada de Gryffindor que les permitirá destruir los últimos horrocruxes que aún no han encontrado. Mientras tanto Lord Voldemort cada día está más cerca de apoderarse por completo de Hogwarts y de conseguir su objetivo: matar a Harry Potter. La única esperanza de Harry es encontrar los horrocruxes antes de que Voldemort lo encuentre a él. Mientras busca pistas, descubre una antigua y olvidada historia: la leyenda de las reliquias de la muerte. Y si esta resultara ser cierta podría dar al malvado Lord el poder definitivo que ansía. Poco puede imaginar Harry que su futuro está escrito desde que era niño, y ahora se ha de enfrentar a la misión para la que se ha estado preparando desde el día en que pisó Hogwarts por primera vez: la batalla final contra Voldemort.

Valoración: El pasado sábado tuve la ocasión de ver la última película de la saga de magos más conocida de la historia del cine, una entrega que pone fin a una larga trayectoria cinematográfica de nada más y nada menos que siete títulos en diez años, desde que allá en 2001 estrenase su primera película “La piedra filosofal” y la mecha quedase encendida… ¿Habrá hecho Boom? ¿Habrán valido las siete películas que han encandilado a millones de fans en todo el mundo? ¿Tendrá esta rentable saga el apoteosico y esperado final que se merece? La crítica del broche final de una saga de magia con la que todos hemos crecido, teniendo momentos de más y menos acercamientos. La reseña de una de las, quizás, más esperadas películas de la historia del cine a lo que taquilla se refiere.

Primero de todo, he de comenzar enlazando esta reseña con la de la primera parte: . Una reseña en la que la piedad desapareció y dio resultado a un aprobado ligero, corto para algunos y largo para otros: En primer lugar, criticaba bastante el hecho de tener que dividir una película en dos partes, y todo por ganar dinero en taquilla; queridos lectores, existen películas de más de tres y cuatro horas muy buenas, esta practica sólo consigue un clara escisión de cara al resultado final, es decir, la primera parte se hizo muy pesada mientras que la segunda rápida…¿No había posibilidad de consenso? Por otra parte, mientras que la primera hora de la primera parte de las reliquias de la muerte se hacía vertiginosa, prometedora, llena de adrenalina y magia, la segunda hora y parte final de la película se convertían en un ejercicio de profunda reflexión que invitaban a fatigarse en la butaca del cine, una hora y media final muy larga para desencadenar en nada. Una hora y media llena de un drama adolescente muy empalagoso e inoportuno a estas alturas. En conclusión, la primera parte de esta película convertía lo dramático en anecdótico, dada su pesadez, y desenlaza en un final totalmente inconcluso tras el cual estamos como al inicio de la película: Sin saber nada del final, sólo algunos detalles.

Tras esto, he de decir que la segunda parte es todo lo contrario a la primera. La película comienza de forma muy directa, por lo que debemos tener muy fresca la primera parte para no perdernos, desde el principio te mete de lleno. A la vez que directa, la película coge un ritmo muy rápido; los primeros minutos pasan a una velocidad normal, pero conforme avanza la película el ritmo va creciendo…El final se acerca. Y menudo final. La batalla en Howarts, la pena, la crueldad, la desesperación, la lucha y la magia están más presentes que nunca en esta entrega; nadie se lo habría imaginado. Eso si, mientras que la película coge unos tintes muy adultos, los actores y demás personajes edulcoran bastante la trama; dando a entender que, en todo momento, no dejan de ser adolescentes; uno de los puntos en contra. Los efectos especiales, la magia de la fotografía y el increíble sonido golpean más fuerte que nunca con esta entrega. Todo pasa muy rápido; podrían haber unido las dos partes…Hubiese quedado una película muy notable. No obstante, esa prisa ha sido la que ha llevado a esta entrega a no revelar o mostrar todo lo que significa el auténtico final de la saga…Muchos acontecimientos sumamente importantes pasan muy rápido, muchos secretos del libro quedan sin revelar y otros muchos detalles, dignos de un gran final, no aparecen. Esto hace que el final no deje ese sabor épico que prometía…El encontronazo final queda algo descafeinado comparado con otros de la saga y se resuelve muy rápido. Un final que da resultado pero que queda poco épico, muy light. En cuanto al epílogo final…Lo podrían haber hecho bastante mejor…Las caracterizaciones finales no quedan muy allá. No obstante, más allá de eso, la saga Harry Potter se resuelve de una forma rápida y correcta; no da lugar a todos los detalles pero pone un buen broche final que deja recuerdos, emociones y magia, mucha magia.

Lo mejor:

  • Lo trepidante de esta segunda parte, llena de acción, magia y espectacularidad.
  • Algunas situaciones en las que se resuelven puntos claves de la saga.
  • La emoción con la que se plantean algunos personajes.
  • Snape, sobran palabras. La profesora McGonagall en acción, un personaje que da mucho de sí en esta última parte. El trio de protagonistas que, pese a todo, cumplen con el final.
  • El final de una saga muy notable.

Lo peor:

  • Que su mayor virtud frente a la primera parte sea también su problema: La prisa de este film hace que muchos detalles y secretos originales queden sin revelar o estén poco trabajados.
  • El final, para los que hayan leído los libros, habrá quedado muy descafeinado; pero eso es algo que se viene dando en toda la saga.

Nota: 8

 

 

The Karate Kid (2010) –  Acción. Drama. Remake.

Director:Harald Zwart. Reparto: Jaden Smith, Jackie Chan, Taraji P. Henson, Wenwen Han, Rongguang Yu, Zhensu Wu, Zhiheng Wang, Jared Minns, Luke Carberry, Cameron Hillman […]

¿De qué va? Remake adaptado a la época contemporánea del clásico de los 80 “Karate Kid”. Sigue la historia de Dre, un joven skateboarder que se muda a China con su madre soltera por motivos de trabajo. Cuando un matón local empiece a molestarle, el joven encontrará un apoyo en Mr. Han, un hombre que se ofrece a enseñarle artes marciales para defenderse de sus agresores.

Valoración: Me encontraba yo, la otra noche, aburrido, haciendo zapping por los canales de cine de una televisión de pago cuando, de repente, me encuentro con este remake. Un remake que ha llevado a cabo correctamente su función entre el público más comercial, infantil y desinteresado. Una película que, por ello, ha servido bien a sus realizadores ya que, en primer lugar, ha funcionado como un reconfortante globo de oxígeno fresquito a su productora, mientras lanza la carrera del pequeño de los Smith a costa de una historia vista en los ochenta a la cual, pese a haberle cambiado algunas cosillas, añade poca sorpresa. Y todo ello, gracias a la inestimable y bienaventurada ayuda de uno de los mejores actores que pueda haber, Jackie Chan; sin duda, el mejor de la cinta. Jackie ha conseguido un personaje dramático, sabio y enigmático; el mejor actor para el papel de un hombre chimo decaído, que necesita levantarse, mientras enseña kung fu a un pequeño estadounidense, al cual las tortas le llueven, y necesita defenderse en la vida. Un pequeño estadounidense llamado Dre que se muda con su madre a China por motivos de trabajo. Tanto Dre (Jayden Smith), como su madre, descubrirán lo duro que es adaptarse a una cultura tan diferente como es China, en su tradición, costumbres e idioma, mientras intentan llevar a cabo sus vidas. Una vida nueva que nada gusta al joven americano puesto que, los pequeños chinos matones de la escuela le hacen la vida imposible porque va de guay. Más allá de estarle merecido o, más bien, que los pequeños kung fu mortales sean malos de verdad, Dre recurrirá al conserje borracho de su vivienda, Jackie Chan, el cual, además de cargar con un dramático pasado, sabe mucho de Kung Fu. Con ello, nuestro pequeño saltamontes se apuntará a un torneo de artes marciales donde se darán cita los mejores chinos kung fu mortales en un alarde de honor y con el fin de demostrar que, más allá de ser guay, como buen hijo del príncipe de Belair que es, sabe dar patadas. Con ello evitará que le sigan atormentando (ya ves tú) y aprenderá el más puro Kung Fu de la mano del mejor maestro que uno puede tener, Jackie Chan. Bien…Esa es la trama nueva del clásico atemporal-comercial que marcó a los jóvenes allá por los ochenta. Llegados a este punto, cabría especificar algunas diferencias: Mientras que la original respeta el título y se basa en Kárate, en un entorno estadounidense, con un maestro japonés de kárate, un chico americano que también recibe tortas en el instituto y con el puro ideal de las artes marciales como perfeccionamiento de uno mismo en un entorno puramente occidental donde lo oriental es extraño y único…En el remake es al revés: Un chico, el hijo del príncipe de Belair, tiene que mudarse con su madre a China, donde –según sus palabras- todo el mundo sabe Kung Fu y lo occidental es extraño y en donde, a su vez, en el cole habitan unos niños chinos mortales que le atormentarán hasta que éste no demuestre su hombría marcial en un torneo de Kung Fu entrenado bajo la tutela de Jackie Chan. Como podréis comprobar, mientras que ambos títulos guardan parecidos en algunos detalles… ¡Fallan en lo más básico! …¡Es Karate, no Kung Fu! Con esto, aprendemos la primera regla de los productores espabilados: “Utiliza el título de una vieja película taquillera y, mientras sigues algunos de sus detalles, cámbiala radicalmente a la vez que prometes que es un remake pero con cambios sumamente sustanciales, adaptados a la modernidad: Actores de moda, temas de moda, etc.” Podrían haberla llamado “Kung Fu Kid”, pero claro, sonaría muy estridente y todo el mundo hablaría de un plagio independiente…Cosa que, tras ver la película, puedes creerlo o no. Bueno, dejando a un lado las diferencias temporales entre lo original y lo nuevo, “The Karate Kid” revitaliza una vieja producción taquillera con aspectos y temática moderna mezclados con la pura esencia de la China más profunda y oriental a la vez que, un dramático Jackie Chan –actorazo como pocos- salva la cinta de un resultado muy infantil. El pequeño Smith hace una buena interpretación, pero su rol como actor, a parte de la película, está muy marcado por la sombra de sus padres y todo lo que ello conlleva. Con respecto a la original, mientras que la primera fue más impactante y original, este remake pierde parte de esa espectacularidad y se vuelve sumamente tópico y predecible. Las escenas de acción están bien ejecutadas y la peli aporta cierta filosofía que a más de un niño le vendrá bien, pero el resultado, más allá de ser entretenido y contar con una buena interpretación de Chan, no se salva de ser algo infantil.

Lo mejor:

  • Jackie Chan, salva la el resultado final del film, en gran medida.
  • Algunos cambios con respecto a la original que encajan bien en la nueva trama.
  • Pese a que pierde mucho con respecto a la original, se vuelve entretenida y hace que los personajes te resulten cercanos.

Lo peor:

  • Algunos otros cambios, con respecto a la original, que desentonan mucho en la nueva trama.
  • Que pierda mucha origininalidad, espectacularidad y parte de las sorpresas que el planteamiento del film puede suponer.
  • Que hayan reconvertido la idea en algo puramente infantil. Sobre todo con el tema musical de los títulos de crédito, con el Justin Bieber ese… Jayden…Vale que seáis amigos pero, eres el hijo del príncipe de Belair… ¡No me digas que no tienes genes guays! D= Tu padre fue un ídolo juvenil, adorado por todo tipo de público…A diferencia de ese crío amigo tuyo que va de cantante.


Nota: 6

 

 

 


 

 

 

Yo, Robot (2004) –  Ciencia ficción. Thriller. Robots.

Director:Alex Proyas. Reparto: Will Smith, Bridget Moynahan, Bruce Greenwood, Chi McBride, Alan Tudyk, James Cromwell, Jerry Wasserman, Shia LaBeouf […]

¿De qué va?Chicago, año 2035. Vivimos en completa armonía con robots inteligentes. Cocinan para nosotros, conducen nuestros aviones, cuidan de nuestros hijos y confiamos plenamente en ellos debido a que se rigen por las Tres Leyes de la Robótica que nos protegen de cualquier daño. Inesperadamente un robot se ve implicado en el crimen de un brillante científico y el detective Del Spooner (Will Smith) queda a cargo de la investigación.

Valoración: Este título era uno de mis films pendientes, de hace mucho. Debido a las inconveniencias del tiempo y a una incierta predilección por verla o no, Yo Robot era una de esas pequeñas espinitas que, no duelen, pero están presentes. Quizás no me hubiese lanzado a verla antes por un incierto resultado final, o en otras palabras, que me gustase o no; pero como el verano da para mucho y por fin encontré tiempo para aburrirme me dispuse a verla. El resultado, más allá de lo esperado, ha sobrepasado mis expectativas, siendo una película muy buena. La primera duda que te asalta, si te basas en antecedentes o experiencias, es sobre si Will Smith, actor de comedia y pelis varias con fuerte carácter comercial, será capaz de llevar a cabo el papel principal de un interesante thriller de ciencia ficción. En las primeras escenas, para que será lo de siempre, otra película con fin comercial que, pese a tener un buen planteamiento parece que su mensaje residirá más en lo técnico que en lo profundo. No obstante, la enigmática interpretación de Smith y el duelo interno de su personaje hacia los robots, en una sociedad fuertemente tecnológica y robotizada, hace que esa primera duda de película con fin comercial y actor usado para tal film desaparezca. Si algo está claro sobre Will Smith es que es un gran actor, un actor camaleónico capaz de ingerir cualquier papel: Desde el más cómico en series como el príncipe de Belair, hasta el más comercial, pasando por papeles sentimentales y dramáticos, como Soy Leyenda, En busca de la felicidad, Siete almas, etc. En los papeles cómicos, Smith lo clava, ha nacido casi para ello. En los papeles comerciales, donde el refrito abunda, Smith queda algo arrastrado por las incapacidades argumentales de estas feas quimeras cinematográficas infladas por el dinero a fin de conseguir buena taquilla, huir de películas como Wild Wild West, Independence Day y parecidas. Por último, este señor alcanza la cima en producciones imaginativas y ficcionarias como Soy Leyenda y Hombres de negro o en películas sentimentales cargadas de drama como En búsqueda de la felicidad o Siete almas. En Yo Robot no es menos, y Will Smith demuestra encajar perfectamente en el papel y en la situación. Una trama interesantísima, de lo mejor de la ciencia ficción. En una sociedad futura, avanzada y sumamente dependiente de la tecnología robótica a través de máquinas presuntamente fiables y robots sin sentimientos, dispuestos a llevar a cabo todo lo que se les ordenen, uno de ellos conseguirá comprender el complejo psique sentimental humano y dejará de ser uno más del rebaño para encabezar toda una revolución tecnológica. Entre todo ello se encuentra el comisario Del Spooner, un hombre reacio a los robots, de los cuales desconfía en su más profundo ser a cambio de ser mirado como un loco por los demás, absorbidos por la idea de perfección bajo todo ese entramado de metal y cable, que suponen los robots. Este detective será el único capaz de comprender la situación en una sociedad ignorante ante el cambio definitivo, un cambió que supondrá un antes y un después en la futura raza humana y cuyo curso está en manos de dos seres completamente distintos, él y una máquina capaz de comprender el sentimiento humano. Esta trama, inspirada en el libro original “Yo Robot” escrito por uno los padres de la ciencia ficción literaria, Isaac Asimov, resulta de lo más intrigante y prometedora. La película mantiene un climax a lo largo de su desarrollo que nos atrapa de principio a fín. El film cuenta con algunas escenas de más o menos interés, pasando por algunas totalmente buenas y otras algo innecesarias; pero la película nunca pierde comba y nos ofrece un ritmo interesante. Un ritmo marcado por los sustos, el suspense y algunas que otras sorpresas y giros en la trama que nos ayudarán a comprender mejor la situación. Los giros argumentales son los principales motores de la cinta, causantes del éxito final que esta pueda adquirir conforme afronta sus últimas escenas. Y es que, Yo Robot se mueve a través de sorpresas que nos dejarán perplejos, ya que nada es lo que parece y el resultado, más allá de ser predecible, nos resulta totalmente incierto dada la filosofía impuesta por los distintos roles del film. La acción y los efectos especiales, aunque a veces rutinaria, se encargan de dar ese toque de adrenalina necesario en una trama tan compleja y entrelazada. Con todo ello, tenemos un interesante thriller de ciencia ficción que nos sorprenderá con sus constantes giros argumentales, a la vez que nos deja ciertas e imaginativas cuestiones sobre el futuro del ser humano y la frecuente revolución tecnológica en la que éste se ve envuelto. Puede que no resulte ser todo lo determinante o épica que su argumento promete, pero sí que resulta una agradable evasión hacia un futuro imaginativo y nada incierto. Un notable thriller de ciencia ficción que funciona, siendo de lo más característico de su género.

Lo mejor:

  • El planteamiento original y el constante desarrollo de la trama, que se mueve a base de giros y sorpresas argumentales.
  • El rol de algunos personajes, desde el humano más desconfiado hasta la máquina más comprensible.

Lo peor:

  • Puede que la contextualización en cuanto a efectos y acción sea algo tópica o que, más allá de eso, no confluya con todas las ideas futuristas posibles.


Nota: 7.75

 

 

El quinto elemento (1997) –  Ciencia ficción. Acción. Cyberpunk.

Director: Luc Besson . Reparto: Bruce Willis, Gary Oldman, Milla Jovovich, Luke Perry, Ian Holm, Chris Tucker, Brion James, Maïwenn Le Besco[…]

¿De qué va?Chicago, año 2035. Vivimos en completa armonía con robots inteligentes. Cocinan para nosotros, conducen nuestros aviones, cuidan de nuestros hijos y confiamos plenamente en ellos debido a que se rigen por las Tres Leyes de la Robótica que nos protegen de cualquier daño. Inesperadamente un robot se ve implicado en el crimen de un brillante científico y el detective Del Spooner (Will Smith) queda a cargo de la investigación.

Valoración: Siguiendo en mi línea de clara predilección por todo lo contextualizado en un futuro ciberpunk, con todo lo que ello conlleva, fui a por otra de mis películas pendientes. Esta vez le tocó el turno a “El Quinto Elemento”, película con la que me habría cruzado alguna que otra vez desde mi niñez y que siempre me llamó la atención, ya fuera por su extravagante y muy imaginativo contexto, vestuario, entorno o simplemente, a día de hoy, desenfadada, imaginativa y frenética idea de un futuro extravagante arraigado en las más claras costumbres de la sociedad de siempre. En ese sentido, “El Quinto Elemento” es todo un caramelo para todas aquellas mentes inquietas que gusten soñar con futuros tan surrealistas como ciertos o, en otras palabras, tan reales como inverosímiles. La trama, es bastante original, sigue la linea de alguna que otra historia de civilizaciones futuras, ancestrales, perdidas y la existencia de un tipo de energía que cambiará el rumbo de la vida universal cada cierto tiempo. Ese tiempo, ese momento, es ahora; y un grupo de personajes tan entrelazados como dispares se verán metidos en toda una epopeya que les llevará a la salvación o a la destrucción de todo lo que conocen. La apuesta de los personajes, con un excelente reparto que va desde Bruce Willis hasta Gary Oldman, pasando por Milla Jovovich, Chris Tucker e Ian Holm entre otros, es un gran acierto; la historia cuenta con todo tipo de personajes: los que se ven envueltos en su deber con la leyenda, los que casualmente se ven involucrados en la odisea y aquellos que la persiguen por fines egoístas o puramente maliciosos. Todo esto se debe gracias a la imaginación de su director, el francés Luc Besson, que no solo consigue un éxito con su original e imaginativa trama, sino que hace todo tipo de maravillas con su dirección técnica y su apuesta por las escenas, la fotografía y los distintos planos visuales que estas albergan. Es curioso ver como la sensacional dirección del francés va hilando las diferentes escenas de la película con simples detalles o palabras de los distintos personajes lo cual nos mete, aún más si cabe, en la esencia de la trama. Otra de los puntos fuertes de la película es su sensacional sonido, dando un significado totalmente propio y especial a la cinta. “El quinto elemento” cuenta con un sonido tan imaginativo como su propia escenografía, una delicia. Otro punto curioso es el hecho de que, a lo largo de la película, podamos ver algunos de los iconos comerciales de la sociedad actual en un futuro lejano, algo que nos acerca aún más a la trama, aunque ésta esté ubicada miles de años por delante. En conclusión, “El quinto elemento” es una de las mejores películas de su género. Un film de estilo cyberpunk rebosante de imaginación y de una ambientación excelente. Recomendada para todo aficionado al cine, obligada para todo amante de lo futurista.

Lo mejor:

  • La originalidad de su ambientación y su apuesta por el sonido.
  • La trama, y el compromiso que los personajes adquieren con ella.
  • Lo bien hilado que está todo dentro del film: Los momentos, las escenas, los personajes…El quinto elemento es un reloj futurista de precisión exacta, donde todo encaja. 
  • La dirección e imaginación del director; así como la interpretación de los actores del reparto, entre los que se encuentra algunos de los mejores de Hollywood.
  • Que lo curioso y divertido esté presente presente en todo momento; arrancándonos alguna que otra sonrisa.

Lo peor:

  • Puede que este tipo de futuro tan idealizado e imaginativo no guste a todo el público.


Nota: 8

 


Lo mejor de Ruby Rhod (Chris Tucker), la estrella radiofónica de la película:

Un saludo! 😉